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REVISIONES POR PAIS / ESTILO: Argentina / Rock en los '70s

Materia opinable:

El rock argentino -autodefinido "Rock Nacional"- tiene un confuso comienzo entre el año 1967 y 1968, aunque existe un importante consenso respecto a que su nacimiento puede tomarse a partir de la publicación de "Rebelde", el simple de Los Beatniks.
A partir de allí un importante movimiento entre grupos de música beat, soul, R&B, rock & roll y el ya fuertemente establecido pop, dan inicio a un camino que se consolida rápidamente y que fue conocido como "Movimiento de Rock Nacional".
Con un perfil definidamente autóctono, a pesar de las obvias influencias, y con la novedad de que sus letras estaban compuestas y cantadas en castellano, este movimiento lleva la simiente del rock progresivo que en poco tiempo más estallaría en Europa.
Grupos como Almendra, Arco Iris, Manal o artistas de la talla de Litto Nebbia darán en poco tiempo más las pautas a seguir para que futuras agrupaciones continúen la búsqueda de la identidad del rock argentino.

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Miguel Abuelo
Miguel Abuelo et Nada

 

Los Abuelos de la Nada en su primera formación solo editan un simple con los temas "Diana Divaga" y "Tema en Flu sobre el Planeta". Aparecen además en "La Estación" en el compilado "Mandioca Underground". Abuelo (Miguel Ángel Peralta) como solista publica además dos simples: "Oye Niño"/ "¿Nunca te Miró una Vaca de Frente?" y "Hoy seremos campesinos" /"Mariposas de Madera". Sin haber registrado un álbum Miguel Abuelo emigra a Europa, y es en Francia, durante 1974 que con un grupo llamado Hijos de Nada graba su primer LP. Participan Daniel Sbarra en guitarra , Carlos Beyris en cello, Pinfo Garriga en bajo, Diego Rodríguez en batería, Gustavo Kerestachi en sintetizador y Juan Dalera en flauta y quena. Las cuatro primeras composiciones pertenecen a Miguel Abuelo. "Tirando piedras al río" combina la energía roquera de la guitarra y el delicado clasicismo del cello, (instrumentos coprotagonistas del álbum), que complementan la excelente voz de Miguel que pasea desde su máxima potencia a variados ejemplos de sutileza. Como en otros temas no faltan aproximaciones a Led Zeppelin. "El largo día de vivir", otro hermoso tema sumergido en una atmósfera hippie. La guitarra acústica se ensambla con el cello y flauta ofreciendo un encantador marco a la voz de Abuelo. "Estoy aquí parado, sentado y acostado" un clásico , con su clima onírico, son aquí las percusiones las que tercian con el cello y la guitarra en el inicio del tema, que va desarrollando una creciente intensidad. "El Muelle" que contiene fragmentos de poesía de Rumi, poeta del siglo XIII, continúa la ensoñación, y ahora se acompañan de sonidos de clavicordio, un pasaje de pesadilla precede al dramático final. Los tres temas finales pertenecen a el guitarrsta Sbarra. "Señor carnicero" es un tema de rock duro ornamentado con un adictivo arreglo de cello. "Recala Sabido Forastero" es una tranquila canción con toques barrocos y acompañamiento de Moog. Finalmente "Octavo Sendero" otro ejemplo de rock ornamentado con excelente acoplamiento, otra vez, entre la guitarra y el cello con una agradable arreglo de voces. Álbum absolutamente recomendable. Entiendo que existe una edición en cd, aunque no es fácil de conseguir.
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Agnus
Pinturas y Expresiones (1980)

 

Agnus existe desde 1974 sin embargo la banda graba este álbum recién en 1980, cuando solo el guitarrista Luis Sáez permanece como miembro original. Oriundos de la provincia de Santa Fe, al igual que MIA y Redd apuestan a la producción independiente. Comunicaban sus presentaciones por teláfono o correo y entregaban a sus seguidores una credenciales que posibilitaban obtener descuentos en los shows. En los primeros años las presentaciones eran acompañadas de exhibiciones de otras expresiones artísticas (ballet, pintura, fotografía). Dividido en cuatro temas con pasajes de enorme sutileza en los que se pasa de una delicadeza casi pastoral al rock progresivo intenso, aunque nunca estridente. Es muy buena la participación del violín y abundan los tramos con predominios alternativos de coros femeninos y flautas. Sin embargo es el trabajo de la superlativa guitarra de Sáenz lo que más llama la atención. Excelente y muy recomendable trabajo.





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Alas
Alas (1976)

 

Conformado como trío de bajo, batería y teclados son inevitables las comparaciones con EL&P. De hecho las influencias de la banda británica no están ausentes. Sin embargo el peso de otras vertientes convierten a Alas en un grupo de fusión donde convergen también el folklore y el tango, este último desde una concepción más cercana a Piazzola que a la tradicional. Temas largos divididos en secciones para ajustar los cambios rítmicos. "Buenos Aires solo es piedra" ocupa todo el lado 1 del LP original. Las secciones tienen nombres de intención evidente como Tango, Trompetango ó Soldó. No faltan pasajes de improvisación y de instrumentación poderosa. El bandoneón estubo a cargo de Rodolfo Mederos. El lado 2 abre con "La muerte contó el dinero" dónde los aportes folklóricos pesan más que los tangueros (las secciones se llaman Vidala, Galope o Mal-ambo). En el momento de hacer críticas me surgen dos reclamos. Uno es que la voz de Moretto es muy limitada, y el otro es no haberse separado más del sonido de EL&P. La edición original del LP duraba poco más de media hora. La edición en CD de Progressive Rock trae dos bonus tracks. En mi opinión este álbum es altamente recomendable.
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Alas
Pinta tu aldea (1977)

 

Alex Zuker se aleja e ingresa en su reemplazo Pedro Aznar, que también tocará sintetizadores. Moretto se hace cargo también del bandoneón.'El despliegue de teclados es mayor. La ejecución del bajo es impresionante. Aparecen más claramente aportes de jazz en "A quienes sino". No ocultan en nada la devoción por Piazzola en "Pinta tu aldea" tema en el que toman más de un par de notas del renovador del tango. En "La caza del mosquito" alcanzan un alto nivel interpretativo con los pianos y vientos de Moretto y el bajo sin trastes de Aznar. En la misma línea, aunque con un sonido algo más intimista está "Silencio de aguas profundas" donde junto al piano se destaca el aporte de guitarra acústica. En este álbum puede decirse que Alas adquiere personalidad propia, ya no está tan visible la influencia de EL&P. Moretto ha dejado de cantar, convirtiándose la banda en puramente instrumental. Si bien el primer álbum es una buena opción para introducirse, considero a áste la obra más trascendente de Alas.
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Almendra
Almendra (1969)

 

Este álbum ha sido considerado ha travás de los años como el mejor disco de rock producido en Argentina. Si tenemos en cuenta que es también uno de los primeros discos del movimiento, este concepto no hablaría nada bien del rock argentino, si no fuera porque es muy poco frecuente encontrarse con tanta belleza en un disco. Quienes busquen rock progresivo encontrarán poco interesante esta música. Quienes se dejen llevar por las buenas melodías la disfrutarán ampliamente, si están dispuestos a contemporizar la poesía inocente que contiene. "Muchacha (ojos de papel)" es probablemente junto con "La Balsa" de Los gatos una de las canciones más populares del gánero en la Argentina. "Figuración", "Fermín" ó "Plegaria para un niño dormido" no le van en saga y son para mi gusto tan buenas ó mejores canciones. Es de notarse ya el algunos temas, como por ejemplo "Plegaria..." la peculiar acentuación de Spinetta, poniendo el ánfasis en la última sílaba. La composición de Edelmiro Molinari "Color Humano" y "Ana no duerme" son los momentos en el que el disco se libera permitiándose expresar mayor intensidad. Quien quiera comprender el rock argentino debe escuchar este álbum. La edición en CD, "Cronología I" contiene los primeros singles y los temas que faltan del álbum doble en "Cronología II".
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Almendra
Almendra II (1970)

 

Almendra venía anunciando la realización de una ópera rock, sin embargo esta obra no vio la luz y en su lugar producen este excelente aunque heterogáneo álbum en el que las diferentes personalidades de sus integrantes producen obras que permiten vislumbrar cual será el destino musical del desmembramiento de esta banda seminal del rock argentino. Edelmiro Molinari ha crecido como compositor y en temas como "Mestizo" ó "No tengo idea" aparecen muestras de lo que será su banda Color Humano. Analógicamente "Camino difícil" ó el instrumental "Carmen" nos muestra cuál será el aporte de Emilio del Guercio a su fabulosa banda Aquelarre. Sin embargo puede decirse que Luis Alberto Spinetta continúa siendo el alma creadora capaz de producir canciones de una belleza inusual como "Para Ir", "Parvas". Sin la belleza pueril del primer álbum, con la incorporación de prolongados pasajes instrumentales (Agnus Dei dura más de 14 minutos), más inclinado hacia el rock, el segundo disco de Almendra es otro imprescindible. La edición en CD conocida como "Cronología II", lamentablemente recorta la obra, pasando a figurar los temas en el CD "Cronología I".
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Alma y Vida
Alma y Vida (1971)

 

Alma y Vida surge de la reunión de un grupo de músicos orientados al jazz que frecuentaban la mítica Cueva de Passarotus con el ex miembro de la banda beat The Seasons, Carlos Mellino. Se comenta que en sus origenes eran la banda acompañante de un conocido músico. Graban un simple, cuyo tema "Niño de Color Cariño" puede escucharse en la recopilación "Pidamos Peras a Mandioca. Como curiosidad puede comentarse que en este registro participa en trompeta Mario Salvador, quien pronto se retira de la banda, pero vuelve a ocupar el puesto en la reunión del grupo 30 años después. Inmediatamente ingresa a la banda Gustavo Moretto y registran el primer álbum titulado simplemente "Alma y Vida", en donde se observan las influencias de bandas como Chicago y Blood, Sweat & Tears. La sección de vientos tiene un rol preponderante junto a la particular y poderosa voz de Mellino, quien canta en casi todos los temas. Moretto lo hace solo en su tema "La Morada", tema que incluye un atractivo arreglo barroco protagonizado por los vientos. De este disco salen hits como "Mujer, gracias por tu llanto"(tema en que Ricardo Lew figura como co-autor) y "La Gran Sociedad", sin embargo hay temas muy atractivos como el intenso "Veinte Monedas" (Con en actor Esteban Mellino, hermano de Carlos como autor de la letra) o el lamentablemente breve jam de "Y…Esto…?".Las letras alternan temáticas amorosas con otras de neto compromiso social y político, elementos que serán característicos en las líricas del grupo.
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Alma y Vida
Alma y Vida Vol.2 (1972)

 

Algunas actitudes de la banda, particularmente el presentarse en ámbitos no aceptados por parte del público y particularmente por la prensa sectaria, hacen que la banda sea discriminada y caratulada como "complaciente". En contraposición a esta supuesta "deserción" la banda hace temas como "Hoy Te Queremos Cantar" escrito por Gustavo Moretto que la gente inmediatamente asocia con la figura del Che Guevara. En el resto de las letras se aprecian referencias contestatarias en forme reiterada. Esteban Mellino es nuevamente autor de letras como la de "Don Quijote de Barba y Gabán" y "Un Sonido Final". Incorporan arreglos más interesantes, los temas se prolongan dedicando más espacio a lo instrumental, se aprecia más el interesante trabajo de Barrueco en la guitarra eláctrica y hay más exposición de los teclados. Un paso adelante en el desarrollo musical del grupo. arriba

 

Alma y Vida
Del Gemido de un Gorrión (1973)

 

El tercer disco es el único que lleva como título un nombre y no una sigla. El camino que se vislumbra en el Vol II parece querer reanudarse en este disco. Se incluyen arreglos más arriesgados, como el inusitado pasaje casi experimental que rompe el clima de balada de "Bussi a las 3 y Media", temas más roqueros como "Carna, Rock y Suficiente" con una atractiva participación de la guitarra eláctrica de Barrueco (al igual que en en final de "Vos te Equivocaste Amigo") y alcanzan su mayor compromiso sociopolítico en cuanto a letras en "Es la Hora". Claro que la hermosa canción que presta titulo al álbum es de las más recordadas por los seguidores de la banda. En lo personal me gusta el álbum aunque creo que estos músicos daban para más en ese momento. arriba

Alma y Vida
Alma y Vida Vol. 4 (1974)

 

Un rotundo cambio en la banda. Evidentemente ellos son los primeros en considerarlo según las notas internas de la tapa del vinilo en la que se habla de matar un avieja etapa y renacer. Las dudas que generaba el anterior disco quedan disipadas. El álbum abre con el impresionante "Sin Rendición, El Jugador" compuesto por Baraj-Barrueco con un excelente solo de saxo de Bernardo Baraj acompañado por una machacona guitarra rítmica que ocupa buena parte de los casi 9 minutos del tema. "Cadenet" es una de las más recordadas baladas de la banda, nuevamente con letra de Esteban Mellino y muy apropiado arreglo de teclados. "Fábula del Super Ratón y el Pueblo" un tema con humor y compromiso dentro de un esquema habitual del grupo, "Ajedrez" categorizado como vals, agradable aunque poco arriesgado. Los más de 10 minutos del tema de Moretto "Alguien se Va" son responsables de gran parte de las virtudes del disco. Intenso, cambiante, con un germen de lo que haría en Alas en algunos de los pasajes; sin duda uno de los temas más logrados en el historial de Alma y Vida. El cierre pertenece a otro de los más recordado temas, el excelente "Salven a Sebastián". En mi personal opinión el mejor trabajo de este grupo. arriba

Alma y Vida
Alma y Vida Vol. 5 (1976)

 

Moretto se va del grupo para trabajan en otro proyecto que lo tendrá en un rol más protagónico: Alas. Se incorpora en su lugar Osvaldo Lacunza para ocuparse de los vientos, quedando los teclados solo en manos de Mellino. La ausencia de Moretto se hace sentir y el álbum se siente como una regresión si se lo compara con el anterior. Sin embargo tiene algunos buenos temas como el instrumental "Ritmo Loco Baraj" un intenso jam, y "Mercado del Reptil" un rock con riffs y los clásicos arreglos de vientos. Mellino decide partir para una carrera solista y la banda se desarma.

No existen reediciones en CD de los discos originales de Alma y Vida. Solo puede encontrarse en este formato una edición recopilatoria llamada Cronología.

 

 

 


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Arco Iris
Arco Iris (1970)

 

Inmerso en la fárrea disciplina que se imponía en la comunidad orientada por Dana, Santaolalla compone el material del primer disco. Arco Iris todavía esta lejos de sus mejores álbumes, sin embargo se vislumbran los elementos que posteriormente desarrollarán: blues, rock, jazz, con canciones pop y un recurrente aire pastoral. Incluso se vislumbran ya algunos aires folclóricos. Todavía sin Gianello, con la colaboración de Alberto Cascino en la batería, los habituales integrantes de Arco Iris utilizan flautas, saxos, cellos y diversos instrumentos de percusión no habituales en ese momento en el rock argentino. El tango que ya estaba presente en el primer álbum de Almendra aparece aquí con una nueva modalidad. Arco Iris son los primeros en citra a Piazzola en "Quiero Llegar". Gran parte del material compuesto queda fuera del álbum pero aparecería años más tarde en las recopilaciones. Aparece ya en la portada el símbolo que identifica a Arco Iris, la llave de Dana. La reedición en CD contiene los primeros singles de la banda (Cronología I). Para completistas del rock progresivo argentino.
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Arco Iris
Tiempo De Resurrección (1971)

 

Durante un tiempo el baterista es Tito Otero, con el que graban el simple Es Nuestra la Libertad / Zamba, con el que comienzan a codearse abiertamente con el folclore. Otros dos bateristas duran poco tiempo en la agrupación hasta que Horacio "Droopy" Gianello toma el lugar en forma estable. Al terminar su contrato con RCA firman con Music Hall y graban el simple Mañana Campestre / Soy un Pedazo de Sol con el que logran un relevante áxito. Ara Tokatlian comienza a trabajar con el saxo, luego de prácticas exhaustivas, también es Ara el que en forma incipiente comienza a encargarse de los teclados. Graban el álbum en dos pistas en los estudios Netto Hay un notable progreso en la banda que logra plasmar con efectividad sus ideas. El folclore es ahora una parte sustancial de la obra musical de Arco Iris y cobran importancia los temas acústicos que se combinan y equilibra con los costados más eláctricos orientados al rock elaborado y a la fusión. Dana participa como cantante. Aún no protagonizan la escena los intrumentos regionales. Entre los agradecimientos figura un musico poco conocido en ese momento: León Gieco. Arco Iris comienza a hacer presentaciones como grupo principal y participan del BARock en el Velódromo Municipal.
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Arco Iris
Suite Nº1 (1971)

 

Cuando Arco Iris firma con Music Hall, el sello al que pertenecian anteriormente (RCA), decide lanzar un LP con material anteriormente no conocido que pertenecía a las sesiones de grabación del primer álbum "Arco Iris" y un par de versiones en inglás de temas anteriormente conocidos. Estos temas habían sido grabados posteriormente al registro del primer álbum con motivo de un viaje de Santaolalla a EEUU durante el cuál trataría de establecer contactos allí. Realizado de esta manera se trata evidentemente de un álbum desparejo, inferior a lo que podía brindar esta banda en el momento que fuá publicado. Sin embargo cuenta con el atractivo de largas sesiones instrumentales que lo hace apetecible para completistas. Sin embargo Santaolalla calificó de inescrupulosa la actitud del sello al publicar estos temas, particularmente por el hecho de ser en parte cantado en inglás.

 


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Arco Iris
Sudamárica o El Regreso a La Aurora (1972)

 

Excelente álbum doble desarrollado en el formato denominado "opera rock". El folclore se integra, pero no a la manera de Los Jaivas, quienes parecen tomarlo como punto de partida, sino que es aquí un ingrediente más junto al rock y al jazz. Se distinguen también algunos giros psicodálicos y ciertos guiños a otras operas rock. Dentro del crecimiento musical cobran importancia tanto las profundizaciones del conocimiento de la música autóctona como las influencias de los trabajos de bandas progresivas y de fusión, entre las que Santaolalla cita a Weather Report. El trabajo instrumental es de muy buena factura, Santaolalla con una guitarra eláctrica decididamente ácida en muchos momentos que se impone como un sello personal, Tokatlián ocupándose no solamente de los vientos sino también ya en forma más extendida de los teclados. La base muy sólida con Bordarampá en el bajo y Horacio Gianello en batería adaptándose perfectamente a todos los estilos que desfilan al o largo de la obra. Los instrumentos propios de folclore adquieren un rol enriquecedor. La edición original venía con una lujosa caja, con letras y el argumento de una obra con contenido telúrico, místico y cósmico. Una de las producciones más relevantes durante los 70s en el rock argentino y seguramente junto a Agitor Lucens V, los puntos culminantes de Arco Iris durante la etapa en que Santaolalla revistió en sus filas. En las presentaciones cobra gran importancia el componente audiovisual con imágenes de diapositivas trabajadas junto al especialista Eduardo Debrien.
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Arco Iris
Inti Raymi (1973)

 

Inti Raymi tiene un contenido musical de excelente factura, pero uno tiene la sensación de estar escuchando la continuación de Sudamárica. Probablemente sean temas que quedaron fuera del anterior álbum. Según comenta Santaolalla en un extenso reportaje aparecido en la revista Expreso Imaginario en 1978, ellos lo consideraban una especie de continuación de la ópera Sudamárica. Por lo tanto todo lo que pueda decirse de aquál disco encaja en la descripción de áste. Decepciona un poco la repetición de ritmos y estilos empleados aunque quienes disfrutaron con la ópera rock Sudamárica también pasamos buenos momentos con esta suerte de secuela. Nuevamente la estética de la cubierta, con motivos autóctonos es de excelente calidad, al menos en su edición original de tapa doble.
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Arco Iris
Agitor Lucens V (1974)

 

Otra obra fundamental de esta magnífica banda y la última con la formación clásica de Tokatlian, Santaolalla, Bordarampá y Gianello. Nuevamente un doble vinilo (increiblemente no reeditado en CD). Con menor, aunque no ausente contenido folklórico, igualmente nos deleitan con esas zambas y malambos eláctricos que saben hacer. No dejan de utilizar instrumentos regionales aunque el protagonismo de los vientos y teclados en manos de Tokatlían y la personal guitarra de Santaolalla es predominante. Impecable como siempre en trabajo de Gianello en la batería apoyado por los otros miembros en la percusión. Abordan la temática de los extraterrestres y es interesante comentar que, mientras buscaban material para la obra, surge del encuentro con Fabio Serpa, un ex actor devenido en investigadorde fenómenos sobrenaturales, la realización de la musica para un audiovisual llamado "El Cosmos y el quinto Hombre". Este material se conserva grabado y nunca ha sido publicado. Para las presentaciones entablan relación con Oscar Araiz, que participará con su ballet e incluso representará la obra en París. Luego de este álbum Santaolalla y Gianello se separan de la banda, fundamentamente por diferencias en el enfoque filosófico de la comunidad. Un par de años después editarán junto a otros músicos el álbum de Soluna "Energía Natural". Arco Iris continúa con Ara, Bordarampá y otros musicos.
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Arco Iris
Los Elementales (1977)

 

Al alejarse Gianello y fundamentalmente Santaolalla, principal compositor, muchos pensaron que la carrera de Arco Iris estaba terminada. Luego de un prolongado lapso sale en 1976 un simple que contiene dos temas ( Sin Contratiempos / Los del casco de Oro), en cuya portada no aparece el nombre "Arco Iris" que marcan una transición entre la era de Santaolalla y los tiempos por venir. Ara Tokatlian es ahora el único lider musical de la agrupación y ocupa un papel fundamental no solo en los vientos sino también en los teclados (piano y sintetizadores), en los que ha venido desarrollando un muy buen trabajo. es además el principal cantante. Las composiciones ahora se despojan del gran bagaje folklórico que poseían y se enmarcan el el área de la fusión jazz rock, aunque conservando aires autóctonos. Las nuevas adquisiciones de la banda Ignacio Elisavestzky en guitarras y Josá Luis Párez en batería y percusiones despliegan un trabajo elogiable que termina de conformar un álbum excelente, con el cual Arco Iris cierra su actividad discográfica durante los 70s.
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Aquelarre
Aquelarre (1971)

 

El álbum abre con "Canto", un tema con riffs de guitarra distorsionada en contrapunto con los teclados, órgano, piano y clavinet que caracterizarán el sonido del grupo. Sigue con "Yo será animal, vos serás mi dueño", donde se adelantan en su concepto a trasnochados filósofos de los noventa, pero con la visión de la convulsionada ápoca dicen: Vayan a luchar / La historia se murió / Mamá no quiere dar a luz un niño / porque dice que / con sus manos va / a salir a matar por las calles. Aventura en el árbol es un blues progresivo con guitarras a lo Kraut o mejor a lo Hendrix y órgano. El lado 2 abre con "Jugador, campos para luchar", una bella melodía de teclados que se rompe con el duro riff de guitarra. Del Guercio canta recordándonos mucho a Luis Alberto Spinetta, su compañero de Almendra, pero ¿quién influenció al otro?. Sigue "Cantemos tu nombre", una melodía folk con guitarra acústica y la inquietante voz de Gonzalez Neira. Intenso final con "Movimiento" con los infalibles teclados y el infaltable riff.
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Aquelarre
Candiles (1972)

 

Un año después sacan el segundo álbum llamado "Candiles" El disco es algo menos "progresivo" que el primero. Cruzando la calle es un rhythm and blues con instrumentación de teclados, con solo algunos pasajes que recuerdan el rock sinfónico, cantan: Cruzando la calle,/ cruzando la puerta del corral / tu hermano se muere / mi hermano no puede esperar / la muerte te ronda/ la muerte nos quiere ganar. En "Soplo nuestro" cuentan una historia de protagonista femenina, temática también recurrente en Aquelarre. En hermana vereda incluyen una improvisación de sonido poco habitual en el grupo y "Cuentos tristes" es una canción no demasiado trascendente. El lado 2 abre con el poderoso "Miren a este imbácil", delicado inicio de órgano y voz que se rompe, cuando no, por un riff de guitarras: Miren a este imbácil,/ como se justifica./ El miedo que me tiene / Mata hermanos en la casa / donde debe vivir. "Patos trastornados"es un poderosísimo instrumental. Cierre con "Iluminen la Tierra", muy hermosa canción con la voz de Neira.
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Aquelarre
Brumas (1974)

 

En 1974 aparece la tercera obra del grupo llamada "Brumas". La banda se había afianzado mucho debido a la enorme cantidad de recitales dada por el país. El nivel de este disco se diferencia de los otros. La música de Aquelarre ha adquirido un nivel de refinamiento del que pocos grupos pueden hacer gala, sin dejar de sonar poderosa, fundamentalmente gracias a la guitarra de Starc. Las letras continúan siendo comprometidas, aunque ahora envueltas en una atmósfera surrealista. Dice Emilio del Guercio: "La Poesía es real a partir de si misma, no a partir de su traducción". Desfilan temas más complejos, incorporan ritmos latinos. Pocos temas en la historia del rock suenan tan sinfónicos como "Brumas en la bruma". Pocas veces suenan tan poderosos como en "Milagro de Pueblo". Cantan en "Aves Rapaces": Gente del valle que se va / buscando el fruto que les da la paz / Cercana la cordillera / la fiebre se despereza./ Las aves rapaces nacerán / de la noche. Es obvia la alusión la dictadura de Pinochet.
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Aquelarre
Siesta (1975)

 

En 1975 sale el último disco de Aquelarre llamado "Siesta". Disco bellamente instrumentado, más reposado que los anteriores. Abren con el clásico "Pájaro de la Locura" y pasan una serie de temas de calidad constante. En "Canto cetrino" aparece otra vez la protagonista femenina: Para que preparas tu sonrisa de medianoche / nena que caminas a estas horas por la vereda./ Cuantos sentimientos ateridos / por ese miedo./ Si en tu cuerpo encuentran algo hermoso / por esta noche./ Y en el reflejo de sus ojos creíste que estabas viva. Luego de este álbum la música de Aquelarre estaba consolidada y se habían ganado un lugar de prestigio en el panorama argentino. Como otros grupos de su ápoca dieron gran importancia a la poesía, en este caso acompañada de una base musical progresiva. Fueron a España y durante 2 años giraron por Barcelona, Ibiza y Madrid. Fueron teloneros de Soft Machine y de la Premiata Fornería Marconi sin embargo no llegaron a grabar salvo la aparición en un compilado. A fin de 1977 con Carlos Cutaia en lugar de González Neira se despidieron del público con un recital en Buenos Aires.
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Aucán
Aucan (1977)

 

El dúo Miguel y Eugenio debutó en 1973 en el Acusticazo y llegan a editar un LP de música acústica en el sello Trova. Años después integran a sus hermanos menores y forman Aucán. Esta formación produce este primer disco con incursiones folklóricas y baladas, predominantemente en una corriente acústica con interesantes aportes eláctricos. Hermosas melodías, con delicadas instrumentaciones, buenos trabajos de teclados generalmente como colchones pero a veces liderando a la banda y algunos pasajes con guitarra eláctrica de sonido elegante. Hay que destacar los aportes del cello de Pablo Párez, que al juntarse con los teclados producen ciertos acercamientos a una línea sinfónica. Hay participaciones de Gustavo Moretto y del grupo vocal Buenos Aires 8. Como es de esperarse se destaca el trabajo vocal.
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Aucán
Brotes Del Alba (1980)

 

Tres años más tarde, con Guillermo Frachetti reemplazando a a Miguel Párez (uno de los dos miembros del dúo acústico Miguel y Eugenio), Aucán saca su segundo y último trabajo, producido por León Gieco, quien había acompañado al grupo en diversas presentaciones en vivo actuando como cantante en algunos temas. La línea del disco es similar a la del primero. Canciones suaves, ritmos folklóricos y combinación de ritmos e instrumentos folclóricos con rock de corte sinfónico. Las letras cuidadas y los buenos vocales son una constante en el grupo. Probablemente algo más volcado al sonido sinfónico que el anterior me parece un poco menos inspirado aunque también muy aceptable.


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Ave Rock
Ave Rock (1975)

 

En gran parte de este álbum Ave Rock intenta lograr un sonido sinfónico a partir del blues y el rock. Los resultados son parcialmente satisfactorios, teniendo los mejores momentos cuando se alejan de estos ritmos. Es en estos pasajes donde se notan algunas influencias de bandas como Yes. Si bien son fundamentalmente instrumentales, las voces parecen más bien corresponder a un grupo de hard rock que a uno progresivo. Buenos contrapuntos de teclados y guitarra. Se adelantaron a Espíritu y a Crucis en hacer un rock progresvo de corte más europeo, pero tuvieron menos áxito que ellos.

 

 

 

 

 


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Ave Rock
Espacios (1977)

 

Segundo y último disco de Ave Rock. Instrumentación más refinada y con un sonido aún más europeo. Solo tres temas, el primero, "Pausa en Espacios" ocupaba todo el lado 1 del LP original, presentando cambios rítmicos, prolongados tramos instrumentales, uno sonido casi pop en las partes cantadas y hasta algo de experimentación. "4:30 en el Universo" continúa en la misma vertiente, pero es un tema demasiado corto para lo que quisieron mostrar y como en el tema final "Surcos en el Aire" lo más flojo son las voces. Un álbum con momentos muy buenos y otros aceptables. Se les puede atribuir demasiada cercanía con el sonido de Yes, aunque no se los puede tildar imitadores
 

 

 

 


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La Banda del Paraiso
La Banda del Paraiso (1973)









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Los Barrocos
Sin Tiempo ni Espacio (1974)

 

Banda formada alrededor del año 70 y que durando hasta el 75, lamentablemente produce solo este muy buen álbum. Fuera de la Argentina se los ha comparado en ocasiones con Curved Air, sin embargo tal semejanza solo reside en que ambas bandas hacen un uso intensivo del violín, orientado hacia un sonido clásico, dándole a Los Barrocos, particularmente en los temas más melódicos ciertos puntos de contacto con los británicos. Sin embargo la música de esta banda en la mayor parte de la obra es de un sonido típicamente argentino, con gran despliegue de guitarras y abundancia de riffs. Son particularmente sabrosos los pasajes en que las dos guitarras juguetean entre sí y con el violín. Durante los últimos tiempos de existencia de la banda fueron un trío sin violín. Lamentablemente no hay reedición en CD.

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Bubu
Anabelas (1978)

 

Rock progresivo sinfónico de primera categoría.
Muy recomendable.





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Búsqueda
Búsqueda (1978)

 

Único trabajo de esta banda integrada por Jorge Fernández Molina en guitarra, teclados y voz, Alfredo Muñoz en en bajo y voz, Daniel Carrizo en batería y Tommy Loidi en guitarra y voz. Las comentarios periodísticos de la ápoca se dedicaban a destacar lo poco imaginativo de la tapa en lugar de destacar la belleza melódica del álbum. Hay quien ha comparado a la banda con los italianos Celeste por las tranquilas melodías y el trabajo de teclados, pero honestamente no encuentro demasiado asidero a estos comentarios. Los temas están erigidos alrededor de agradables baladas, cantadas con voz suave e intimista acompañada de una recurrente guitarra acústica con muy buenos aportes de teclados (pianos, órgano y melotrón y sintetizador) y delicadas guitarras eláctricas. Un disco que encuentro recomendable para los amantes del rock progresivo sinfónico sin estruendos.
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Carola
Damas Negras (1973)










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Caballo Vapor
Cavallo Vapor (1972)

 

Conformado por Juan C. Torres en guitarra, Josá A. Torres en batería, Luis Corzo en bajo, una sección de vientos integrada por Fracisco Nisivoccia, Eduardo Kohan y Aldo Montilla. En el rol de cantante participa Antonio J. Sánchez, luego más conocido como Johnny Allon, cantante complaciente, conductor de televisión y empresario relacionado a vertientes musicales de misárrimo pelaje. El álbum, si bien es muy apreciado por los coleccionistas contiene 9 temas poco atractivos, entre ellos una insustancial versión de "La Balsa" de Los Gatos (hay que aclarar que sobre el final del tema hay un pedido de disculpas por el atrevimiento). Se trata en general de temas de rock and roll adornados con muy poco imaginativos arreglos de vientos. No existe reedición en CD. No recomendable.
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Miguel Cantilo y Grupo Sur
Miguel Cantilo y Grupo Sur (1975)

 

Miguel Cantilo se traslada al sur de la Argentina, más exactamente a El Bolsón, para continuar la experiencia comunitaria iniciada en la casa de la calle Conesa de Buenos Aires. La experiencia desarrollada en este periodo está relatada en el libro ¡Chau Loco! (ver sección publicaciones). Junto a uno de sus compañeros, Kubero Díaz (La Cofradía de la Flor Solar, La Pesada), escribe la mayor parte de los temas que conformarán el álbum. Sin embargo Kubero no será de la partida a la hora de grabarlo durante 1973. Lo reemplaza en la guitarra Willy Pedemonte (Piel del Pueblo) quien realiza un intenso y encantador trabajo. Junto aellos participan Jorge Pinchevsky en violín, Alejandro Marassi en bajo y Diego Villanueva en batería. Si bien no faltan los temas de corte folk, en este caso inmersos en una atmósfera psicodálica, en contra de lo que podría pensarse, la atmósfera rural, parece haber electrificado los conceptos musicales de Cantilo, quien ha comentado que estaba muy atraído por el sonido de bandas como Led Zeppelín, y presenta temas como "Sur Alabanzas" o "La Leyenda del Retorno". En este último hay una evidente y muy comentada alusión al regreso del líder justicialista Juan Domingo Perón. La voz de Miguel se encumbra a alturas desgarrantes, la guitarra de Pedemonte es deslumbrante y las apariciones de Pinchevsky son de las más interesantes de este periodo. No conozco edición en CD, de este altamente recomendable disco.
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Color Humano
Color Humano (1972)

 

Luego de la separación de Almendra sus miembros toman diferentes caminos que culminarán en la aparición de tres nuevas bandas: Pescado Rabioso con L.A. Spinetta, Aquelarre con Rodolfo García y Emilio del Guercio y Color Humano (nombre de uno de los temas del primer álbum de Almendra) con Edelmiro Molinari. Sin embargo la historia no fue tan sencilla. En principio Edelmiro y Spinetta se unieron a Carlos Cutaia en teclados y Pomo Lorenzo en batería para formar una banda, Cutaia se retira y se conforma el trío Tóraz, pronto también se va Spinetta. Entonces Edelmiro intenta formar una banda llamada Pistola junto a otros dos guitarristas: Pappo y Claudio Gabis. Esta y otro grupo llamado Viento no prosperan y finalmente Color Humano ve la luz. El estilo de la banda puede adivinarse a travás de las composiciones de Molinari en Almendra (por ejemplo "Mestizo"). Rock y blues elaborados con letras surrealistas, si bien lejanas al nivel de las de Spinetta, no por eso poco interesantes. Se notan influencias de Jimmy Hendrix, pero sin embargo desarrollan un estilo personal y fascinante con frecuentes cambios rítmicos y climas oníricos. Todo el disco tiene un excelente nivel y está protagonizado por la guitarra y la voz de Molinari. "Padre sol, madre sal", un tema acústico cuenta con la participación en voz de Gabriela, esposa de Edelmiro. En el intenso "Introducción polenta" Rafanelli toca además el órgano. En la pelicula "Rock hasta que se ponga el sol" grabada durante el B.A. Rock III Se puede ver a la banda tonando "Larga vida al sol" con Moro en batería en lugar de Lebón. La tapa del CD que se ve aquí no es la misma que la del vinilo, en la cual figura el nombre de la banda con fotografías montadas en las letras.
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Color Humano
Color Humano 2 (1973)

 

Pensado originariamente como un doble álbum fue editado originariamente en forma separada durante 1973. La reedición en CD presenta la intención original de la banda. Moro en la batería ofrece un aporte de mayor calidad tácnica. Rafanelli y Molinari suenan más sueltos. El album, a pesar del progreso del grupo en lo instrumental carece de temas de la calidad del anterior. Estos son menos emocionales y presentan menor variación rítmica.





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Color Humano
Color Humano 3 (1973)

 

Segunda parte del album doble. Este segundo disco reúne maravillosos temas junto a la mejor ejecución de la banda, "Hombre de las cumbres", "Hace casi 2000 años", "Cosas Rústicas" están llenos energía y a la vez no carecen de sutileza. Este último tema es el que aparece en la apertura de "Rock hasta que se ponga el sol" con el nombre de "Coto de caza". Una excelente obra para finalizar la historia de esta banda.

 

 



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Contraluz
Americanos (1973)

 

Única producción durante los setenta de una banda que mereció más suerte debido a sus intenciones musicales y sin embargo quedó relegada a la categoría de grupo de culto. En la música de Contraluz se aprecian contenidos folklóricos e incluso tangueros pero no como ornamentaciones musicales o debido a la incorporación de instrumentos típicos, sino como evidencia de su formación cultural que inevitablemente aparece en las composiciones. Caracteriza a la música de Contraluz una poderosa base en manos del bajista Diego Prochnik y del dúctil baterista Nástor Barrio, un guitarrista, Carlos Barrio que puede ser sutil en unos pasajes y enárgico en otros, el reiterado protagonismo de la flauta transversa, ejecutada por Alejandro Barsi que hizo que la banda tuviera que soportar el mote de imitadores de Jethro Tull, calificación injusta, no porque en algunos momentos no se asemejen a la banda británica sino porque cercena la amplitud musical de un grupo que ya en ese momento tenía personalidad propia y que daba evidentes muestras de estar en la búsqueda de una madurez que no pudimos apreciar por ver truncada su evolución. La voz de Alvaro Cañada llega a extremos que con un estilo diferente son explorados por ejemplo por cantantes como Francesco Di Giacomo de Banco. Escuchar el álbum nuevamente después de 25 años me produjo una profunda emoción que probablemente me reste objetividad, pero no creo equivocarme al decir que temas como "Indios sin Prisión", "Sin Trabajo" o "La Sarna del Viento" están entre los mejores que se han producido en Argentina. Ya desde los títulos se aprecia el compromiso de sus letras. Contraluz recientemente se ha reunido y editado un nuevo álbum llamado "El Pasaje". Es de esperarse que esto motive la reedición en CD de esta obra.
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Crucis
Crucis (1975)

 

después de varias amagos el rock sinfónico comienza a tomar forma en la Argentina y comienzan a aparecer en escena grupos como Crucis, una formación con músicos dotados de alto virtuosismo (Marrone y Kerpel), un bajista y cantante que le aporta la fuerza y la melodía necesarias para llegar al gran público (Montesano) y un baterista explosivo con fuertes influencias de los músicos de jazzrock (el uruguayo Farrugia).
El disco debut consta de siete temas muy parejos en los que el grupo despliega todo su potencial pero sin dejar de entrever aún dónde estará su techo.

 



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Crucis
Los Delirios del Mariscal (1976)

 

La segunda entrega de Crucis desnuda ciertas influencias demasiado importantes como para considerarlo un disco fresco y original como su antecesor.
La placa abre con "No me separen de mí", un tema de corte un tanto más emparentado con la producción anterior. "Los delirios del mariscal es una larga suite de más  de 10 minutos que navega empalagosamente por el remanido sonido de Camel y se desenvuelve entre largas improvisaciones sin proyección hacia ninguna parte. "Pollo frito" es otra pieza con profusas improvisaciones pero aquí la banda se sumerge en ritmos y texturas de jazzrock que a fuerza de vártigo y justeza se hace muy entretenida. "Abismo terrenal" cierra con el mismo sesgo jazzrockero y algunos pasajes spacey pero cae nuevamente en las figuras repetidas de las larguísimas zapadas perdiendo totalmente el encanto con los anodinos solos de bajo y batería.
Es posible que el disco haya visto la luz de manera temprana ya que sin dejar de ser una pieza importantísima en la discografía local del gánero, con un poco más de producción podría llegar a haber sido una obra maestra.
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Cuero
Tiempo después (1973)

 

Nacho Smilari, quien había participado de La Barra de Chocolate, Vox Dei sin llegar a grabar al salir Yodi Godoy, y que luego integrara Piel de Pueblo junto a Pajarito Zaguri, encara un proyecto más personal. Para esto cuenta en la batería con su ex compañero de Piel de Pueblo Carlos Calabró y un ex La Joven Guardia Enrique Masllorens. Estos músicos le ofrecen a Smilari una base más que contundente para que pueda desarrollar un rock duro y algo de blues de netas proporciones psicodálicas. Las voces enrarecidas dejan amplios tramos libre para disfrutar del manejo instrumental. El trabajo de la guitarra es alucinante, exhibiendo toda la gama de recursos de Smilari. Masllorens se encarga de llenar todos los espacios que puedan quedar libres poniendo el bajo bien al frente. Un disco absolutamente recomendable para quienes gocen de las vertientes duras del rock argentino. La banda se separa luego de este álbum debido a un viaje de Smilari a USA.
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Cuero
Crecimiento (1974)

 

Durante su viaje Smilari se entusiasma con la música de fusión y a su regreso reforma la banda, esta vez con otros integrantes. Bernardo Baraj de Alma y Vida en vientos, Adalberto Cevasco en el bajo, Raúl Parentella en teclados, Joe Coco en percusión y el ex Los In, Osvaldo López en batería. La música también presenta un enorme cambio, si bien conserva la fuerza y cierta atmósfera psicodálica, se sumerge en la fusión afrolatina con alguna semejanza a Santana pero más inclinada hacia el jazz con extensos pasajes instrumentales. Nuevamente la labor de Smilari es sobresaliente pero deja suficiente espacio para los aportes de los vientos y el lucimiento de la sección rítmica (el bajo de Cevasco suena maravillosamente). En un estilo totalmente diferente encuentro este segundo y último disco de Cuero tan recomendable como el primero. No conozco de la existencia de reediciones.
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Kubero Díaz
Kubero Díaz y La Pesada (1973)

 

El ex guitarrista de La Cofradía de la Flor Solar realiza su correspondiente álbum solista con los miembros de La Pesada, de la misma forma que lo hicieran, el violinista Pinchevsky, el bajista Medina y el guitarrista Claudio Gabis. Acompañado por estos miembros y por Isa Portugheis en batería y Miguel Cantilo en voz realiza un disco con temas que por momentos recuerdan a la obra de La Cofradía, pero en general más orientado a un rock más poderoso, matizado con un par de tonadas orientadas al folk. Díaz produce un catálogo de impresionantes sonidos con su guitarra y el trabajo de Pinchevsky alcanza el mejor nivel en temas como el espectacular "Algo esta por Suceder" ó el instrumental "Colgado de la nubes". Un disco recomendable.
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Ensamble Musical de Buenos Aires
La Biblia (1971)

 

De las varias versiones de La Biblia de Vox Dei que se han realizado, esta es probablemente la menos digna. Para la realización de este álbum se reúnen una serie de músicos que giran alrededor de Billy Bond y Jorge Alvarez. Se acompañan por una orquesta dirigida por Pedro Ignacio Calderón con arreglos de Gustavo Beytelman. El resultado no podía ser mas desalentador. La orquestación, nunca bien amalgamada con el resto de los músicos suena muy lejos de las experiencias desarrolladas por bandas italianas en los primeros 70s (Il Rovescio della Medaglia, New Trolls). Tal vez la referencia más concreta sean los trabajos de John Lord con Deep Purple a fines de los 60s, aunque los resultados distan enormemente de los del grupo inglás. Participan miembros de La Pesada, Sui Generis, Espíritu y otros. Los miembros de Vox Dei ni siquiera fueron invitados a participar, Mi sugerencia es que lo dejen pasar.
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Espíritu
Crisálida (1975)

 

Excelente disco debut de uno de los grupos pioneros del rock sinfónico, abarcando texturas, ritmos y combinaciones sonoras directamente emparentadas con las logradas por los supergrupos europeos.
Con un estilo muy cercano a Yes, el grupo se constituye como referente del sinfonismo local y abre el fuego apostando fuerte con un rock progresivo cargado de melodías y arreglos de buen gusto.
A lo largo de ocho temas, Espíritu desarrolla una verdadera obra conceptual anuncia y sintetiza en "La casa de la mente" el contenido del disco.

 

 

 

 

 


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Espíritu
Libre y Natural  (1976)

 

Segunda placa de la banda de Favrot y Bergá con la participación de Ciro Fogliatta a cargo de los teclados en reemplazo del saliente.
Se trata de una nueva obra de corte "operístico" con el agregado de algunas cadencias más blueseras y teclados más filosos que se alejan ahora un poco del sonido Wakeman y le otorgan más personalidad a los arreglos.
 

 

 

 

 

 

 


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Claudio Gabis
Claudio Gabis y La Pesada (1973)

 

Luego de la separación de Manal, Gabis viaja a Brasil. A su vuelta, Jorge Álvarez del mítico sello Mandioca le ofrece grabar un álbum. Para ello se reune con los músicos de La Pesada: Alejandro Medina (su ex compañero de Manal) en bajo, Jorge Pinchevsky en violín, Isa Portugheis y un músico llamado Jimmy en batería, Kubero Días en guitarra y voz y por supuesto, Billy Bond en voz y manejo de la consola de grabación. Bajo la influencia de autores como Algernon Blackwood, E. A. Poe y H. P. Lovercraft hace parte de las letras. Otras como "El Blues del Terror Azul" están inspiradas en la realidad sociopolítica del momento. Musicalmente el album se pasea desde el rock furioso al folk psicodálico, pasando inevitablemente por el blues con ingredientes de improvisación libre y ritmos brasileños. Uno de los temas "El Viaje de Lord Dunsany" (otro escritor de literatura fantástica) es presentado en otra versión en la banda sonora de "Rock Hasta que se Ponga el Sol". Excelente tapa a cargo de Juan O. Gatti.
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Claudio Gabis 
Claudio Gabis (1974)

 

Para este nuevo álbum Gabis cuenta con Medina, Pinchevsky y Billy Bond nuevamente y se incorporan algunas figuras invitadas como David Lebón en voz, Charly García en teclados, contando con Juan Rodriguez y Black Amaya, ambos en batería. Predomina el blues y las instrumentaciones folk. El álbum no tiene la fuerza ni los aportes de improvisación y psicodelia que se dejan ver en el primer disco. Tal vez lo más destacable son los fabulosos solos de guitarra de Gabis, pero seguramente el álbum no resultará tan interesante como el anterior, salvo para los amantes del blues.
 


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Rodolfo Haerle
Situaciones (1976)

 

Álbum de corte intimista que cuenta con el fundamental aporte de Litto Nebbia, quien en lo que a instrumentación se refiere se encarga de teclados, bajo, batería y coros. también intervienen los músicos del "Trio" Nástor Astarita en batería y Jorge González en bajo entre otros invitados. Además de Nebbia, participan en coros Alejandro de Michelle y Miguel Angel Eurasquín de Pastoral. Estilísticamente el álbum no difiere de la producción de Litto Nebbia en esa ápoca. El aporte poático de Haerle es como ya comentá, intimista y sin poseer una gran voz sale airoso cantando. Buenas melodías y sin desmerecer los temas donde estas predominan prefiero los que se extienden en las partes instrumentales como "Simpleza del Amor por la Ciudad " ó "Crónicas de la Madrugada". Recomendado para amantes dela música de Litto Nebbia. No conozco de alguna reedición en CD.
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Horizonte 
Horizonte (1978)

 

La banda estaba en actividad desde 1975. Luego de tres años y repetidas presentaciones en público logran grabar su primer álbum recién en 1978. Al igual que Arco Iris o Aucán incorporan decididamente ritmos folklóricos empleando incluso instrumentos típicos como percusiones, quena o charango. Sin embargo Horizonte se diferencia de estas bandas al darle una fuerte presencia al rock progresivo muchas veces de orientación sinfónica, siendo fundamental en esta característica el rol de los teclados de Sergio Vainikoff manejados con destreza y gran delicadeza. La música de la banda es dinámica pero nunca estruendosa, siempre con un muy agradable componente melódico. Las letras tienen contenidos localistas como se delata a travás de títulos como "Tierra del Indio", "Trigo maduro" o "Vidala del Corazón". Altamente recomendable.

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Horizonte 
Señales sin Edad (1979)

 

Un año más tarde Horizonte vuelve a sorprender con un trabajo probablemente superior al demostrado en el disco debut. Conservando los elementos autóctonos de su música que explora los ritmos latinoamericanos, acentúan el camino progresivo de su música. La fuerte presencia de los teclados de Vainikoff del primer disco gana en calidad y logra un excelente acople con los vientos y las guitarras. también el bajo de Alfano hace notar su presencia entre las ajustadas percusiones de Ojeda y Bloise. El ensamblaje entre los ritmos folklóricos y los componentes modernos nunca se siente forzado y la música parece fluir naturalmente particularmente en los muy buenos pasajes instrumentales. Definitivamente Horizonte tiene un sonido propio claramente diferenciado de agrupaciones como Los Jaivas o Arco Iris. Como el primer disco, una obra muy recomendable.
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Invisible
Invisible (1974)

 

Fabuloso álbum para el debut discográfico de la nueva banda de Spinetta. Temas complejos con variedad de cambios rítmicos con fuerte presencia del bajo y un excelente trabajo de batería. La guitarra muestra una ductilidad que no se había podido apreciar en Pescado Rabioso. Los pasajes musicales están perfectamente estructurados en base al equilibrio entre los instrumentistas, sin que Spinetta sea el protagonista absoluto. Como ya es costumbre las letras describen imágenes oníricas ó relatan historias surrealistas. Cada uno de los temas es excelente sin que se pueda destacar uno sobre otro. Desde los jazzeados "Jugo de Lúcuma" ó "Irregular" hasta el instrumental "Tema de Elmo Lesto", pasando por el clásico "Azafata del Tren Fantasma", en el que presentan elevada intensidad a pesar de que Spinetta toca una guitarra acústica, me es imposible destacar alguno como favorito. La maravillosa tapa corresponde a una obra de Escher. La edición en CD contiene los dos pesados temas del simple que venía adosado al vinilo original "La Llave del Mandala" y "Lo que nos Ocupa es esa Abuela, la Conciencia que Regula el Mundo" y otros cuatro temas de simples de la banda.
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Invisible
Durazno Sangrando (1975)

 

Si bien el disco presenta excelentes pasajes en "Encadenado del Anima" (es particularmente hermoso el final de la primera parte con el sintetizador String Ensemble sobre la muy buena melodía) ó el clásico acústico "Durazno Sangrando", me impresiona como una transición entre dos excelentes álbumes. En "Encadenado..." utilizan una poesía del padre de Spinetta, Luis Santiago, en "Pleamar de Aguilas" Machi Rufino se ocupa de la primera voz. Un buen disco, aunque no tan recomendable como los otros dos.

 



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Invisible
El Jardín De Los Presentes (1976)

 

"El anillo del Capitán Beto": un clásico del rock argentino (durante años pensá que estaba dedicado a un jugador de futbol del equipo favorito de Spinetta)."Los libros de la buena memoria": una estremecedora melodía de cuatro acordes, un bandoneón y una letra onírica movilizadora de emociones a travás de las imágenes relatadas. "Alarma entre los ángeles": Spinetta relega su protagonismo permitiándonos apreciar la increíble calidad tácnica y artística de Gubitsch. Cierra el lado 1 "Ruido de magia": un tema acústico sin demasiada trascendencia. El lado 2 abre con "Ruido de magia" muy buena canción de ritmo con cambios sutiles y el aporte de un mellotron a las dos guitarras. En "Doscientos años" reaparece el clima onírico en cuanto a letra y melodía. "Niño Condenado" es el tema más fuerte del disco alternando tramos apacibles con otros de gran intensidad. Vuelta al tango y final con "Las golondrinas de Plaza de Mayo", aunque todos sabemos que son palomas y no golondrinas. Un hermoso álbum para la despedida de otras de las magníficas bandas de Spinetta.


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La Cofradía de la Flor Solar
La Cofradía de la Flor Solar (1971)

 

La ciudad de La Plata es la capital de La Provincia de Buenos Aires, República Argentina. Una de sus substanciales particularidades está dada por reunir jóvenes del interior del país en la Universidad Nacional de La Plata. A fines de los sesenta la dictadura militar de turno, comandada por el infame Onganía produjo el desgraciado incidente llamado La Noche de Los Bastones Largos. Luego de esos infortunados sucesos se cierra el Comedor Universitario y se inicia la persecución de los estudiantes.Un grupo de jóvenes de ambos sexos de la Facultad de Bellas Artes decide iniciar una experiencia comunitaria. Alquilan una casa y fundan La Cofradía de la Flor Solar. Una de las actividades de la agrupación era la música. La mayor parte de sus miembros eran de Entre Ríos y deciden invitar a otros músicos de la región. El 21 de septiembre de 1968 debutan en público. Gracias a las conexiones de una de los integrantes de la comunidad logran grabar una cinta el Buenos Aires, pero los sellos discográficos de la ápoca no se interesan en el estilo de la banda. Sin embargo el ambiente de vanguardia incorpora a la Cofradía y es así que pronto llegan a montar un espectáculo en el reducto avant garde por excelencia, el Instituto Di Tella. La obra se llamó La Mezcladora de Cemento. Mientras se narraba musicalmente la historia que trataba de como una misión extraterrestre sucumbía ante el consumismo, se proyectaban audiovisuales. Gracias a esta aventura consiguen grabar un simple con los temas: "La Mufa" y "Sombra Fugaz por la Ciudad". La falta de promoción hizo que los temas pasaran desapercibidos. Quedan ligados por un tiempo a un contrato, que por fortuna finalmente se rescindió.Conocen a Billy Bond, un cantante pop de aires rebeldes que gozaba de cierta popularidad y que finalmente torna hacia el rock. Gracias a sus relaciones logran publicar el tema Juana en un compilado del mítico sello Mandioca. Cuando Billy Bond logra reconocimiento con su banda llamada La Pesada del Rock and Roll los continúa apoyando hasta que llegan a conseguir 20 horas de grabación en el sello Microfón. En este módico tiempo graban un LP. En el álbum tocan Kubero Díaz en guitarra y canto, Morcy Requena en bajo y voz, Manija Paz en batería junto con un grupo de colaboradores. Blues psicodálico, improvisación (zapadas), canciones pastorales, rock con intensos riffs, letras oníricas y climas lisárgicos con la guitarra de Kubero omnipresente. La Cofradía había logrado tocar en varios shows y festivales durante 1969 y 1970, logrando por fin la merecida aprobación del público. El álbum ve la luz en 1971. Realizan la presentación del LP en Buenos Aires. Finalmente, mientas iban en ascenso la intolerancia hace que la policía allane la casa de la Cofradía. La vida en comunidad no estaba bien vista en una ciudad como La Plata. Se extravían los instrumentos y fundamentalmente la comunidad que daba el sustento inspirador a la banda se desbarata. Los miembros del grupo no logran reunirse para continuar el proyecto musical y La Cofradía de la Flor Solar se transforma en un mito del rock argentino.

La Maquina de Hacer Pájaros
La Máquina De Hacer Pájaros (1976)

 

En el último álbum de Sui Generis, Charly García muestra claramente su inclinación hacia el rock progresivo. Con temas nuevos y algunos compuestos durante la existencia de SG, García encara un trabajo ubicado plenamente en la vertiente progresiva. Para esto se une a Oscar Moro, ex baterista de Los Gatos, Carlos Cutaia, ex Pescado rabioso, Josá Luis Fernández, quién era guitarrista del proyecto original que posteriormente dio a luz a Crucis y al guitarrista Gustavo Bazterrica. Juntos gestan esta obra fundamental de la progresiva argentina. "Bubulina" era un tema de SG, con una muy buena melodía y una instrumentación dónde se destaca el trabajo de dos teclados y el poderoso bajo de Fernández.""Como mata el viento norte" cuenta en coros con Nito Mestre, cantante de SG, lo que junto a las características del tema no lo alejan mucho de los temas de la última etapa del dúo. exploran una vertiente más energática en "Boletos, pases y abonos" y el poderoso final ("Crucial") cuenta con la colaboración de guitarra de Pino Marrone, de Crucis. Los teclados se apartan un poco para el lucimiento de la base rítmica y la guitarra en otro tema potente llamado "No puedo verme". "Rock" define muy bien al tema que sigue, que se inicia con una corta y delicada melodía para dar paso a un rock and roll básico con algunos pasajes de instrumentación de teclados. "Por probar el vino y el agua salada" es un tema inclinado hacia lo acústico, que también podría ser considerado típico de SG. El final lo marca "Ah te ví entre las luces" o como era su título original "Sh", con su suave melodía inicial que progresivamente se intensifica a travás de hermosos arreglos instrumentales para dar paso a un final dónde toda la banda trabaja con gran intensidad. Uno de los momentos más elevados y bellos en la producción del controvertido Charly García. .
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La Maquina de Hacer Pájaros
Películas (1977)

 

Segundo y último álbum de este supergrupo argentino que originalmente se iba a llamar "(Quá se puede hacer salvo ver) Películas".
Con un Charly García marcadamente más rockero y una amplia paleta de recursos progresivos en las manos de Carlos Cutaia, La Máquina de Hacer Pájaros se muestra como un grupo consolidado y con un fuerte perfil innovador.
 




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David Lebón
David Lebón (1975)

 

David integró la primera formación de Pappo's Blues como bajista, participó del primer álbum y de "Buenos Aires Blues" con La Pesada, fue baterísta del primer Color Humano y nuevamente bajista en Pescado Rabioso (luego sería guitarrista y cantante de Polifemo y Serú Girán, y brevemente participaría como tecladista de Espíritu). Con estos antecedentes era de esperarse un disco al menos interesante. Sin embargo más allá de una intensa zapada ("Envases de Todo") y un casi hit ("Dos edificios dorados", en versión menos atractiva que la aparecida en "Música del alma"), el disco no alcanza en ningún momento un gran nivel aportando blues y rocks básicos y canciones, algunas agradables y otras insípidas como "Tema para Luis" en la que hace públicas sus diferencias con su ex compañero de Pescado Rabioso, Luis Alberto Spinetta. Participan músicos de la órbita de La Pesada como Alejandro Medina en bajo, Isa Portugheis y Black Amaya en batería, además de Pappo en guitarra y Charly García en teclados.
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Los Gatos
Los Gatos (1969)
Reseña completa de los Gatos y Lito Nebbia.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 


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Los Gatos
Beat N° 1 (1970)
Reseña completa de los Gatos y Lito Nebbia.

 

 

 

 

 

 

 

 


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Manal
Manal (1969)

 

Manal es uno de los grupos fundacionales de rock argentino, junto a Los Gatos y Almendra. Si bien se desarrollaron dentro del blues, no se deben dejar de apreciar las visibles raíces autóctonas. Como todas las bandas de los 70s cantaban en castellano, pero además las líricas estaban orientadas hacia temas netamente argentinos y más que tangencialmente relacionadas al tango. La descripción urbana de "Avellaneda Blues" o "Avenida Rivadavia", el relato de "Una Casa con 10 Pinos", que habla del lugar hacia donde los músicos de la banda solían escapar, el discorfomismo juvenil de "Jugo de Tomate" ó "Todo el Día me Pregunto" con la inconfundible voz de Martínez acompañando a una instrumentación de batería, bajo y guitarra casi básica pero de impecable ejecución, en ocasiones matizada por Gabis en órgano. Quienes busquen instrumentaciones orientados a lo progresivo, deben dejar pasar este álbum. Pero quienes quieran comprender el fenómeno musical argentino tiene aquí un ítem imprescindible.


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Manal
El León  (1970)

 

Segundo LP de este grupos pilar del rock argentino
Aún dentro de la contención del sello Mandioca y con la dirección de Jorge Alvarez, Manal redefine el estilo del blues criollo amalgamando con precisión la potencia del trío con la magia de la poesía urbana de Javier Martínez.

 

 

 



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Manal
Manal  (1973)

 

En 1973 se reedita el álbum original con los temas contenidos en los simples que fueron editados en el mítico sello Mandioca, conformando el conocido álbum doble de Manal (que tiene versión en CD), destacándose temas clásicos como "No Pibe" ó "Para ser un Hombre Más". Un excelente álbum de R&B y Blues Argentino.
 

 

 

 

 



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Materia Gris
Ohperra Vida de Beto (1972)

 

Este álbum es la única producción de la banda. Presentada con el formato de ópera rock, se destaca el muy buen trabajo instrumental de los miembros. Un base muy ajustada con Riganti, quien posteriormente sería el baterista de alas y Constanzo que no deja un hueco libre con su insistente bajo. Rapetti presenta interesantes solos. Si bien aparecen invitados como Litto Nebbia en teclados y Bernardo Baraj en vientos, el predominio de las guitarras es neto. Rock de intenciones progresivas con algunos aires psicodálicos y ocasionales ritmos folklóricos. Un disco muy recomendable.

 

 

 




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M.I.A.
Transparencias (1976)

 

"Reencontrando el camino" es un tema con Bevis en bajo, Vitale en batería y del barrio en piano acústico. En el "Casamiento de Alicia" Vitale cambia el rol con del Barrio y toca órgano y sintetizador al mejor estilo de los tríos de bajo, batería y teclados, pero demostrando una personalidad propia y una brillante capacidad en la ejecución. En "Imagen II" no participa del Barrio y si Curto en guitarra acústica y Liliana en flauta y percusión. Es un tema delicado que incluye una cita del Preludio #1 de Bach. Vuelven a la formación de trío con teclados en "Contrapunto rítmico", con Vitale en batería y del Barrio en teclados, incluye solo de bajo de Belvis y de batería de Vitale. En estos temas más energáticos no pierden el objetivo de jerarquizar la línea melódica. Para la sonata cíclica "Transparencias" de más de 20 minutos de duración se incorpora Liliana en batería, flauta y voz. Se escuchan pasajes pastorales, clásicos, electrónicos y un final de sonido "Floydiano". Si hay algo criticable es la voz de Liliana que no se integra al contexto de la obra. La edición en CD trae 4 bonus tracks con un total de más de media hora, tomados del álbum "Conciertos" de 1978. Tres son temas de piano solista en manos de Vitale y el cuarto un tema de fuerte inclinación jazzistica con Bevis en bajo y Kike Sanzol en batería.
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M.I.A.
Mágicos Juegos Del Tiempo (1977)

 

El segundo álbum de la asociación cooperativa MIA, relata en el lado 1 del LP original "las últimas vivencias de una niña, antes de su paso a la adolescencia", es por lo tanto una obra introspectiva con canciones de una textura delicada aunque con un aporte melódico no totalmente logrado y con demasiada presencia de voces. El lado B "presenta dos de los temas pertenecientes a Elegías y romanzas y otros dos pertenecientes a la Cantata Profana Saturno". El primero de estos temas muestra la inclinación al jazz de los integrantes de MIA, el segundo es una canción casi pastoral de aires españoles, con mellotron y un pasaje más intenso con sintetizadores. El último tema es una arreglo coral con Viatle en órgano. En mi opinión el álbum más flojo de esta agrupación. Poseo edición en vinilo e ignoro el contenido del CD en cuanto a bonus tracks.
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M.I.A.
Cornonstipicum (1977)

 

La agrupación llega a una madurez compositiva. Desfilan a lo largo del álbum una serie de temas con ingredientes de jazz, música clásica, rock e incluso de folklore en una perfecta amalgama difícilmente clasificable que personalmente incluyo dentro de la mejor música progresiva. La calidad interpretativa de los músicos también se ha afianzado enormemente, las voces esta vez funcionan a la perfección. Vitale en los teclados demuestra que está lejos de envidiar a los mejores exponentes del rock progresivo internacional a pesar de sus diecisáis años y da muestras de un virtuosismo infrecuente. La calidad de los temas del disco es constante, pletórico de cambios rítmicos y armonizaciones complejas, es un álbum imprescindible para los amantes del gánero que no se conforman con convencionalismos. La edición en CD de Ciclo 3 trae cuatro Bonus Tracks extraídos del álbum "Conciertos", grabado en vivo en el teatro Santa María en 1978.
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Alejandro Medina
Alejandro Medina y La Pesada (1974)

 

Varios de los miembros de La Pesada tuvieron su propio disco, y en mi opinión estas producciones superaron en general a los que llevaron como crédito de tapa a Billy Bond y La Pesada. Acompañado con es lógico por Gabis y Kubero Díaz en guitarras y Jorge Pinchevsky en violín, con bateristas como Pomo y Juan Rodríguez y , por supuesto, con Billy Bond como tácnico, logra un álbum que presenta desde un rock a veces desquiciado y envolvente hasta tonadas folk pasando por psicoblues con toneladas de guitarras y distorsiones. La gruesa voz de Medina se desgarra en los momentos de mayor excitación, aunque debe decirse que no se nota una mayor preocupación en las letras. Recomendable para amantes de rock duro y el blues. Tapa por Juan O. Gatti.
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Montes
Cuando brille el tiempo (1974)

 

"Cuando brille el tiempo" es el único LP producido por esta banda liderada por Jorge Montes (también conocida como Montes Mahatma). Una realización con altibajos, orientada hacia el rock que cuenta con una sólida base en manos de Oneto y Salazar, sobre la que Montes despliega su potencial en la guitarra, donde demuestra algunas influencias de Hendrix (los efectos del tema final parecen homenajearlo). Lamentablemente algunos de los temas son bastante insípidos ("En el Camino de Dios hacia el Sol", "Arde Roma") y solo sobresalen los pasajes instrumentales con los solos de guitarra, quitándole coherencia a la obra. Prefiero temas como "Cuando Brille el Tiempo" ("Hoy") ó "Arco Iris dónde Estás" con sus introducciones baladísticos que migran al pleno desarrollo energático. Aparecen como invitados Alex Zucker (luego en Alas) en bajo, Eduardo Pipman en batería y Sergio Goffar en piano eláctrico.
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Gustavo Montesano
Homenaje (1977)









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La Pesada del Rock & Roll  
Billy Bond y La Pesada (1971)

 

Billy Bond era a fines de los 60s un "rockero rebelde" de saco y corbata que solía aparecer en el programa de TV "Escala Musical". Poco tiempo después, siendo uno de los dueños del mítico reducto "La Cueva", establece relaciones con numerosos músicos. Con ellos graba el primer álbum de La Pesada: Pappo, David Lebón , Nacho Smilari y otros en guitarra; Javier Martínez, Cacho Arce, Pomo y otros en batería; Vitico, Spinetta y otros en bajo. Billy Bond se encarga de las voces y de la grabación. Marcelo Camerlo en su libro da cuenta del plagio a Hendrix en "Cada día somos más". Dejando esto de lado el álbum es variado e interesante, con abundante rock, blues en una recurrente atmósfera psicodálica, con letras sarcásticas. Las composiciones se reparten entre la enorme cantidad de músicos que aparecen en el álbum además de algunas letras de Pedro Pujó, Pajarito Zaguri y Jorge Álvarez.

 

 


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La Pesada
Buenos Aires Blus (1972)

 

Presentado como La Pesada a secas (sin el Billy Bond en título, aunque sí con su presencia) con una formación integrada por Kubero Díaz y David Lebón en guitarra, Black Amaya y Jimmy en Batería, Rinaldo Rafanelli y Alejandro Medina en bajo, Billy Bond, Javier Martínez y la cantante de jazz Donna Carol en voz y Oscar López Ruiz en arreglos orquestales y varios invitados. Comienzan con un excelente "Toda de Gris", combinación de jazz y blues con toques tangueros y arreglos orquestales con Carol en la voz. Se asoman a la experimentación en "Linda Ciudad" y a partir de aquí salvo por un tema con sobregrabaciones callejeras y de programas radiales de tango, insisten en una serie de blues dentro de lo que se puede destacar "Entonces quá" con la voz del ex Manal Javier Martínez muy bien acompañado con piano y saxo. Terminan con "Ruca" una parodia a las letras de las bandas "complacientes" de la ápoca. Uno se queda pensando por que no redondearon con mayor originalidad el álbum luego de su excelente introducción.


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La Pesada del Rock & Roll  
Billy Bond y La Pesada. Vol 2 (1972)

 

Ahora con Medina en bajo, Pappo y Kubero Díaz en guitarra, Martínez y Gambolini en batería y Pinchevsky en violín. Rocks + Blues + Rocks + Rocks = Billy Bond y La Pesada, reza la tapa, y no miente, ese es el contenido. Algunos temas se destacan por su potencia y en general por la muy buenas guitarras de Kubero y Pappo ("La Pálida Ciudad" y particularmente " La Máquina de Matar"), el resto no es muy trascendente. Entre los temas se reitera una cortina con Pinchevsky en violín y Pappo en piano. Cierran con una versión de la Sanmartiniana "Marcha de San Lorenzo".
 






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La Pesada del Rock & Roll  
Tontos (1972)






 

 



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La Pesada del Rock & Roll  
Billy Bond y La Pesada. Vol 4 (1973)



 







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Pescado Rabioso
Desatormentándonos (1972)

 

Para este álbum intervienen Frascino, Amaya y Spinetta. Cutaía solo como invitado y con escasa participación, tocando solo en "Serpiente", uno de los mejores momentos del disco. El contenido musical está inmerso en una atmósfera psicodálica, pero variando desde la energía rockera de "Algo Flota en la Laguna" o "Blues de Cris" (dedicado a la "Muchacha Ojos de Papel" de Almendra) hasta el clima reposado de "Dulce 3 Nocturno". Spinetta demuestra su placer en ejecutar riffs de guitarra, probablemente producto de su relación con Norberto "Pappo" Napolitano. Definitivamente Spinetta no está en su punto más alto con las líricas. Muy buen arte de tapa de Jorge Visñovezky, acorde al contenido del disco. La edición en CD contiene temas de dos simples posteriores, todos clásicos de la banda: "Me gusta ese Tajo", "Despiertate Nena" y "Post Crucifixión". Estos dos pueden verse en vivo en el film "Rock hasta que se Ponga el Sol" o escucharse en su banda sonora.
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Pescado Rabioso
Pescado 2 (1973)

 

Es difícil hablar en pocas palabras del contenido de este álbum. Por eso me limitará a decir que es una de las obras más representativas del rock argentino y por ende de la música de Spinetta en los 70s. La banda ahora con Lebón en bajo y la incorporación de lleno de Cutaia, desarrolla un estilo iniciado en el anterior álbum, pero aquí con mayor vuelo y despliegue. A esto hay que agregar la definitiva adscripción de Spinetta a esa peculiar forma de surrealismo en sus letras. El álbum es parejo en calidad aunque por nombrar algunos temas puedo decir que la intensidad de "Petiribí" o "Sombra de la Noche Negra" son desbordantes con un exitante interjuego de guitarra y órgano. Me apena que Spinetta mismo calificara luego de años como "aberración" a este último tema ( ver libro "Como Vino la Mano" de Miguel Grimberg). Los mejores momentos de reposo se pueden escuchar en "Madreselva" y el pasajes de la hermosa "Cristálida", con arreglos orquestales de Cutaia. Originalmente concebido como doble vinilo, está reeditado en un solo CD con el contenido completo de la obra. Imprescindible.
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Pescado Rabioso
Artaud (1973)

 

¿Pescado era solo Spinetta?¿Los músicos eran sólo instrumentos del "Flaco"? El porquá de firmar el álbum con el nombre de PR en lugar de con su propio nombre nunca se ha aclarado. La música es despojada pero conserva la esencia, el sentido y un anacronismo comparable al que tiene Barrett fuera de Pink Floyd. La exploración poática de Spinetta más que nunca recala en el surrealismo y de a momentos la música parece sólo un envase para contener sus palabras (escuchar "Por"). Es cierto que el Pescado de los anteriores discos retorna en "Superchería" o en "Cementerio Club" pero la introspección predomina y la guitarra acústica es el instrumento preferido. Sin embargo Spinetta se da el gusto de experimentar con el sonido en "Starosta, el Idiota", donde incluye un sampler (ahora de decimos así) de The Beatles en una elección para nada casual. Por si todo esto fuera poco "Bajan" es uno de los temas más hermosos que he escuchado. La cubierta original tenía la forma de la imagen que aparece en verde, tratando de reflejar la peculiar visión de la realidad contenida en el álbum. Decir que este es un álbum progresivo es tan complejo como afirmar que la obra toda de Spinetta es progresiva.
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Piel de Pueblo
Rock de las heridas (1972)

 

Pajarito Zaguri es un personaje presente en el rock argentino desde sus inicios, aunque no haya logrado un reconocimiento masivo. Miembro de los míticos Beatniks y las más tarde de otra banda legendaria: La Barra de Chocolate, se reencuentra con su antiguo compañero en este último grupo Nacho Smilari, quien tuvo un paso por Vox Dei luego de la salida de Juan Carlos Godoy. Sobre una correcta y en momentos muy buena base de rock brindada por la dupla Calabró - Pedemonte, dan rienda suelta a la expresividad de la guitarra eláctrica con todo tipo de aditamentos. Generalmente Zaguri se encarga de la guitarra rítmica, pero los mejores momentos son aquellos en los que se animan al duelo de guitarras enfrentando sus solos. En dos de los temas participa Háctor López Furst en violín, otorgando un toque de sutileza ante tanto rock duro. Zaguri se las arregla para darle expresividad a sus letras politizadas. Más que aceptable para amantes de esta vertiente del rock. .
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Jorge Pinchevsky
Jorge Pinchevsky





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Raúl Porchetto
Cristo Rock (1972)

 

Billy Bond y La Pesada, abarcaron en aquellos años cuanto estilo podía imaginarse dentro del rock: la canción para adolescentes de Sui Generis, el engendro sinfónico de la nueva versión de La Biblia, el rock & roll de los álbumes de Billy Bond, o la fusión blues-tango-jazz en el álbum Buenos Aires Blues. El eclecticismo de esta agrupación queda reafirmado en este proyecto de resultado irregular con muy buenos momentos debidos a la participación de Charly García en órgano y Claudio Gabis con su guitarra endemoniada (si vale el termino en un álbum que lleva semejante título). Fuera de estos interesantes pasajes de rock progresivo la obra presenta algunas canciones de corte pastoral, baladas orquestadas y ciertos intentos de experimentación. Letras que tratan sobre la tergiversación del mensaje de Jesús. Debo admitir que no me gusta como canta Porchetto y me resulta algo molesto tanto manierismo. Cuenta la leyenda que la obra fue compuesta en tres días (y no tengo motivos para no creerlo). Participan además de los nombrados Alejandro Medina y Cacho Lafalce en bajo, Moro y Jimmy en batería, Kubero Díaz en guitarra y otros. Los arreglos de cuerdas pertenecen a Charly García y la dirección orquestal a Gustavo Beytelman.
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Raúl Porchetto
Porchetto (1976)

 

Segundo álbum solista de Porchetto realizado en forma más o menos contemporánea al proyecto Por Sui Gieco, en el que participa junto a los miembros de Sui Generis y León Gieco en una suerte de "supergrupo" acústico, y posteridad a Reino de Munt, banda que no llegó a a grabar. Incluso parte del material, como el brillante "La Batalla del Rey y los Angeles" pertenecen al repertorio de esta banda. Aquí Porchetto se orienta más decididamente al rock progresivo. Cuenta entre las filas de su banda con el virtuoso guitarrista Lito Epumer, ex miembro de la mítica banda Madre Atómica, Eduardo Criscuolo que se encarga del bajo, guitarras y melloton, Roberto Pardiñas en batería y flauta y Alejandro Lerner en teclados. Ha trabajado mejor las líneas melódicas de las partes cantadas disimulando algo la insistente afectación de su voz. El trabajo de Lerner es bueno y el de Epumer es sencillamente brillante. El resultado final es una obra con buenas melodías, muy agradables instrumentaciones, que el algún momento pueden recordar a Genesis, pero que en general desarrollan un estilo bastante personal. En mi impresión lo mejor de Porchetto. Durante el 2001 este álbum y el que le sigue, Chico Cósmico fueron reeditados juntos en CD doble bajo el nombre de "Archivos EMI, Porchetto". 
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Raúl Porchetto
Chico Cósmico (1977)

 

Un álbum de canciones delicadas unidas por un hilo conceptual. Con instrumentaciones sofisticadas, cuenta otra vez con un excelente guitarrista, en este caso Luis Borda de Ave Rock, quien además se encarga del sintetizador Moog, compartiendo la tarea con el mismo Porchetto. El bajo está a cargo de Francisco Ojsterseck, en la batería Osvaldo Valls y Daniel Volpini y en la dirección orquestal el magnífico Rodolfo Alchourron, más un extenso número de invitados. Muy buena calidad de grabación a cargo de Josá Soler y Carlos García. Si bien las composiciones no son tan atractivas como en el anterior álbum, la calidad de la realización las eleva, destacándose algunos muy buenos momentos como en "Luz Marrón", "Hombre intergaláctico de hace 7.000 años" o "baila Payaso".
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Rayuela
Rayuela (1977)

 

Integrado por Marcelo Morano en teclados, András Goldstein en guitarra y voz, Willy Camping en bajo y voz, Guillermo Nojechowicz en batería y voz y Eduardo Beristein en vientos y percusión. Desarrollan en el álbum estilos que van desde baladas bellamente instrumentadas ("Los Últimos Grillos", "Vendrá con el Viento, tema muy agradable") hasta fusión de jazz y rock ("Aáreo") coronado con temas de intenciones claramente progresivas ("Acaso Tu Crees, Que No Me Di Cuenta Que Te Fuiste Hace Diez Años", instrumental, uno de los puntos más altos del álbum). La calidad de la instrumentación es más que aceptable, con destacados trabajos de teclados (sintetizador, piano, órgano) y saxos. La calidad cae cuando se acercan demasiado al blues ("Vientos de Calma") o cuando en sus incursiones jazzísticas se aproximan demasiado al funk y ritmos latinos. Encuentro recomendable este único trabajo discográfico de Rayuela. No ha sido reeditado en CD.
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Relax
Padre (1975)

 

Varios de los temas del álbum están construidos sobre un fraseo o riff sobre el que, con algunas temáticas secundarias (Al Umbral del Futuro) o sin ellas (Correr el Tiempo) la guitarra de Grasso desarrolla solos a veces interesantes, en ocasiones solo discretos. Este tipo de construcción es algo limitante en el desarrollo musical, pero es contundente, muy "rockero" y personalmente lo disfuto. Otros temas presentan un mayor áxito expresivo a la vez que un desarrollo algo más complejo (Padre un Amigo que se Fue), es interesante escuchar el jugueteo entre las dos guitarras una haciendo solo y la otra intentando escapar del mero riff para trazar un esbozo de línea melódica. también hay algún acercamiento a ritmos jazzeros. La banda nunca alcanzó notoriedad y produjo solo este álbum. Tal vez analizando factor por factor no concluyamos en que sea una producción musical sobresaliente, sin embargo siento que visto en su conjunto es aceptable y que vale la pena escucharlo.
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Rockal y la Cría
Salgan del Camino (1973)








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Sacramento
Sacramento (1972)

 

Separados Los Gatos, el baterista Moro acompaña a Litto Nebbia en diferentes proyectos como Nebbia’s Band y Huinca. Por su parte el bajista Alfredo Toth y el tecladista Ciro Fogliatta se unen al baterista Roberto López (ex Walkers) y Ricardo Jeliciá en bajo. Alfredo Toth, como en los últimos tiempos de Los Gatos, tras la salida de Pappo se encarga de la guitarra. El LP esta integrado por once temas de influencias variadas pero con una recurrente cercanía a Traffic, con buenas melodías e instrumentaciones. Toth presenta un correcto trabajo, particularmente en guitarra acústica y Fogliatta, con el piano y predominantemente con el órgano es quien conduce el frente melódico, con momentos destacados aunque estos no abunden. Un álbum bastante agradable con un lado A bastante más interesante que el B, más monótono. Se ha reeditado en CD. En el libro de Marcel Camerlo, The Magic Land, se comenta sobre la grabación de un segundo álbum que nunca fuera editado.
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Seru Giran
Seru Giran (1978)

 

Album debut del cuarteto formado por Charly García y David Lebón en Brasil, cuando luego de lanzarse a componer deciden convocar a Oscar Moro para la batería y al juvenil Pedro Aznar para ocuparse del bajo.
El resultado fue más que asombroso. La complementación de los cuatro dio pie a una seguidilla de composiciones y arreglos que con la colaboración de Billy Bond en el papel de manager y tácnico de consola le permite al cuarteto grabar un disco "redondo" en todos los aspectos. Ocho temas robustos y complejos con tres canciones que terminan siendo clásicos: "Seminare", "Eiti Leda", "Voy a mil" y los también celebrados "Autos, Jets, Aviones, Barcos" y "El mendigo en el andán"
Los coros de García, Lebón y Aznar junto a las bellas y pegadizas líneas melódicas inclinan a la prensa y al público a bautizarlos "los Beatles argentinos". Tácnicamente, la percusión Moro es el complemento perfecto a los suaves rock y blues progresivos de García y Lebón; la voz de Charly envuelve y conmueve, la de David se multiplica en timbres y potencias, Pedro hace proeza tras proeza con su bajo fretless y además aporta maestría con los teclados complementarios.
Hay una fuerte influencia de Genesis en Charly que se nota en algunas de las orquestaciones pero que no empañan este gran trabajo de una de las bandas más importantes de todos los tiempos en el rock progresivo argentino.
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Seru Giran
La Grasa De Las Capitales (1979)

 

Arrancando con el tema que le da nombre a la placa este segundo disco de SG es la piedra fuundamental de su estilo, ahora maduro y personal -aunque guardando un guiño a anteriores producciones de García-.
Ahora son nueve los temas entre los que hay que destacar "La grasa...", "Perro andaluz", "Viernes 3 AM" y "Canción de Hollywood". Hay cortes, cambio de ritmo, instrumentación compleja y armonías sumamente logradas en un repertorio realmente parejo y de alta calidad.
Los teclados de Charly trabajan aquí más en función de los temas y la guitarra de David posee un rol más destacado en los colores y climas. La base rítmica por su parte, vuelve a descollar con un trabajo impecable de Moro y la destreza de Pedro que maravilla con su bajo cantarín.


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Seru Giran
Bicicleta (1980)

 

Desde lo tácnico y compositivo probablemente el mejor disco de Seru.
Bicicleta fue presentado en vivo con grandilocuencia, un decorado impresionante y un sonido acorde a la calidad del evento presagiando el áxito del disco. Nuevamente ocho composiciones cuidadosamente elegidas para balancear la fuerza del rock, el ritmo del funk, el sombrío clima de la experimentación sonora, la poesía crítica y el arsenal de arreglos y sonoridades que se trae el cuarteto.
Además de la imponente intro de "A los jóvenes de ayer" el encomiable trabajo del dúo Moro-Aznar se destaca en "Cuánto tiempo más llevará" (clásico absoluto de la banda), "Tema de Nayla" y el dylanesco "Encuentro con el Diablo". No obstante la majestuosa  interpretación de Aznar en su composición "Luna de marzo" o la sublime inspiración de García en su bellísmo "Desarma y sangra", las palmas se las lleva uno de los mejores temas del rock nacional: "Tema de Alicia en el país", en donde encontramos,  además de una exquisita composición clásica, uno de los picos creativos de Charly en una poesía que encierra en el surrealismo la más brutal crítica a la situación político-social del país. 
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Seru Giran
Peperina (1980)

 

Otro LP llamado a ser exitoso, transitando con seguridad por el camino ya establecido por la banda. Cambios de ritmo, fuerza, sorpresa, musicalidad, grandes solos, coros perfectos, una poesía crítica costumbrista son algunos de los ingredientes que hacen de Peperina una obra destacable.
Cuatro canciones: "Parado en medio de la vida", "Esperando nacer", "Cinema Veritá" y "Salir de la melancolía" serán reclamadas y coreadas por el público en cada presentación del grupo. Una nueva composición de Aznar "Lo que dice la lluvia" trae con emotividad un tono contemplativo mientras que "Josá Mercado" devela las reales preocupaciones de la clase media argentina con su andar oscuro y su lírica corrosiva.
Son para destacar las progresiones de acordes abiertos del tema "Peperina" en el que Charly entrega una muestra gratis de las estructura lógica y armónica  que predominará a futuro en su composición.
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Seru Giran
No Llores Por Mi Argentina (1982)

 

Decidida la separación del grupo, principalmente por un agotamiento en las relaciones pero amparados en la inminente partida a USA de Pedro Aznar, quien se sumaría a las filas del Pat Metheny Group, el cuarteto realiza una serie de conciertos de "despedida" en el mítico escenario del Estadio Obras Sanitarias, de los cuales se extraen los diez temas grabados en vivo que integran este disco.
A las canciones ya tradicionales se les agrega en este caso el inádito tema que da título al disco y una versión muy zafada de un clásico beat de los años '60, originalmente ejecutada por Johnny Tedesco, un integrante del 'Club del Clan' y convertida aquí en un furioso rock and roll.
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Síntesis
Síntesis (1976)

 

Integrado por Josá A. Migoya en guitarra, Juan C. Ricci en batería, Julio Cusmai en batería, con la colaboraciones de Sergio Polizzi en violín, Mariano Zarich y Cachi Ferreyra en saxos, Santiago Aldana en clarinete, Oscar Tissera en flauta. Provenientes de la ciudad de Rosario, despliegan un rock progresivo con muchos ingredientes de jazz y blues y apenas alguna aproximación sinfónica. Las composiciones son íntegramente instrumentales y se destaca el liderazgo de la guitarra con atinados arreglos de cuerdas y vientos. Como curiosidad, este recomendable álbum se registró en dos días, el primero de ellos coincidente con el golpe militar que instalo una de las más sangrientas dictaduras que asoló a la Argentina. Los seis temas no llegan a ocupar media hora de registro. Aún así el álbum es recomendable, pero es otra de las tantas obras que no ha sido reeditada en CD.
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Soluna
Energía Natural (1977)

 

Ya fuera de Arco Iris Santaolalla encara este proyecto acompañado por Gianello y un numeroso grupo. Dejan de lado los ritmos folklóricos y encaran un estilo de folk rock. La banda ensayo varios meses, bajo la estricta disciplina impuesta por Santaolalla, antes de debutar en público. Se destaca el extremo cuidado de las voces y la delicada instrumentación en la que se combinan adecuadamente las instrumentaciones eláctricas y acústicas. El trabajo de Polizzi en el violín es excelente. Santaolalla está correcto con su guitarra que ya no suena tan ácida como en Arco Iris. Sobresalen temas como "Espárame encendida" y "Voy a hacer las pases" en donde se conjugan buenas melodías y cuidadas armonizaciones. Lamentablemente no tuvieron la repercusión esperada y al poco tiempo se separaron dejando este único álbum como testimonio



 

 




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Luis Alberto Spinetta
Spinettalandia y sus Amigos (ó "La Búsqueda de la Estrella" ó Almendra") (1972)

 

Spinetta tenía un contrato que lo ligaba a su sello grabador. Con los aportes de varios músicos amigos graba este álbum en 30 horas. Participan Pappo, Miguel Abuelo, Victor Kesselman, Elisabeth Vierner y Pomo. Fue definido años más tarde por Spinetta como "una cosa gitana, o hippie, mejor dicho". Varios de los temas son de corte experimental con altas dosis de improvisación, pasando de canciones al estilo de Almendra hacia ritmos folk ciertamente inmersos en un clima hippie. Pero también está presente el rock duro en temas como "Era de Tontos" ó "Castillo de Piedra", que posteriormente Pappo incluyera en el volumen 2 de Pappo's Blues con el nombre de "Hay Tiempo para Elegir). Spinetta está en busca de un estilo que desarrollará plenamente durante su ápoca en Pescado Rabioso
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Luis Alberto Spinetta
A 18' del Sol (1977)

 

Pasan 5 años, con Pescado Rabioso e Invisble en el medio, para que el "Flaco" realice otro álbum solista. Aunque debe tenerse en cuenta que "Artaud" no es en realidad un disco de Pescado sino una obra personal. Spinetta había tenido algunos acercamientos al jazz rock durante los tiempos de Invisible. Sin embargo esto no había pasado de un cierto coqueteo con el estilo. En este álbum puede decirse que establece una relación estrecha. Decidido a jerarquizar los pasajes musicales trabaja con Diego Rapoport en teclados, Osvaldo López en la batería Machi en bajo. En el tema que abre el álbum, "Viento del Azur" cuenta con Marcelo Vidal en bajo y Gustavo Spinetta en batería. Sin dejar de lado las canciones nos ofrece las excelentes melodías de "Toda la Vida Tiene Música" y "Canción para los Días de la Vida" en la que retoma brevemente una instrumentación más acústica. El disco es excelente aunque muy diferente de la obra previa de su autor y un punto de inicio para la música que consolidaría en los 80s con la agrupación Jade.
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Sui Generis
Vida (1972)

 

Primer disco de SG, grabado con todo el apoyo del sello Microfón consolidar el apabullador áxito obtenido por el dúo en el Festival B.A.Rock con su atemporal "Canción para mi muerte".
El disco sobrevuela un clima folk con algunos pequeños toques blueseros por aquí y por allá de la mano de Claudio Gabis y alguna pequeña dosis de histrionismo protoprog gracias a la formación clásica de Charly García.
Las letras -contrariamente al neto enfoque folk norteamericano que este disco posee- describen con inusual certeza historias de distintos personajes urbanos, sin estar exentas de poesía y sin escatimar la fuerza interpretativa necesaria en diversos pasajes oscuros. Las esmeradas armonías vocales se conjugan a la perfección con los timbres de voz de los jóvenes Mestre y García, lo que se complementa con una adecuada ejecución del piano acústico, la guitarra acústica y la flauta traversa.
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Sui Generis
Confesiones De Invierno (1973)

 

Este disco representa un verdadero paso hacia adelante en la carrera del dúo. Se aprecia un crecimiento muy marcado en la utilización de las impostaciones de la voz para lograr los nuevos climas rockeros que invaden el LP. La participación de David Lebón es decisiva para aportar el toque rockero, la orquestación de "Rasguña las piedras" le da un carácter más formado a la obra y anuncia el ensachamiento de los horizontes de Sui Generis. Con la inclusión de un rock and roll completamente ácido y satírico ("Mr. Jones") y un jazz valseado con una excelente zapada (La historia del hada y el cisne"), el disco llega a la categoría de clásico mostrando que los niños prodigio del Rock Nacional valen lo que pesan.
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Sui Generis
Pequeñas Anácdotas Sobre Las Instituciones (1974)

 

En el momento de mayor áxito, contando con la absoluta adhesión de todos los medios y habiendo conseguido seducir a una masa de público impensada para un grupo de rock, Sui Generis se lanza al vacío conformándose como grupo con Juan Rodríguez en la batería, Rinaldo Rafanelli en el bajo y con la participación de David Lebón como quinto integrante en vivo y lanza esta verdadera obra de arte.
"Pequeñas anácdotas..." iba a ser un disco aún mucho más crítico, pero debido a la fuerte censura reinante en el momento (aún en democracia) se suavizaron algunos temas ásperamente tratados y se reemplazaron ciertas palabras para poder lanzar el disco al mercado. En el plano sonoro la revolución no fue menor. García cambia el piano vertical por una  pequeña artillería de teclados que incluye un piano eláctrico RMI, un MiniMoog y la vedette del rock vernáculo: un Mellotron.
Los temas son minisuites con las letras bravíamente encajadas y una suerte de caledoscopio climático pone los colores en el tono ocuro global del disco.
El pico se alcanza en una composición paradigmática de esta verción progresiva de SuiGeneris: "Tango en segunda", verdadero anticipo de lo que vendrá de la mano de Charly en su futura Máquina de Hacer Pájaros primero y Seru Giran después.
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Sui Generis
Adiós Sui Generis (1975)


Un disco doble que registra las mejores interpretaciones de los dos recitales de despedida que ofreció el cuarteto el 5 de septiembre de 1975 en el Luna Park. también se filmó un largometraje a cargo del director 'NN' pero que tanto por cuestiones tácnicas como por el enfoque buscado, no logra transmitir la magia y la energía del grupo ni la comunión con su público (juntaron más de 30.000 personas en solamente dos funciones).

 

 


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Ara Tokatlian y Enrique Villegas
Inspiración (1975)

 

Luego de Sudamárica e Inti Raymi, Santaolalla comienza a dar algunos recitales solistas de inclinación acústica. Los miembros de Arco Iris habían entablado relación con el pianista de jazz Enrique Villegas, quien gustaba de su música e incluso asistía a las presentaciones. Enrolado en el jazz y la fusión en un clima reposado Ara en vientos y percusión y Villegas, lógicamente en el piano, desarrollan complejas armonías, acompañados por el contrabajo y percusiones adicionales de Bordarampe. El resultados es un álbum sorprendente por su calidad. Ha sido muy poco difundido, y ese ha sido el precio a pagar por haber tomado el camino de se mejantes riesgos. En lo personal lo encuentro absolutamente recomendable, aunque la falta de reediciones lo convierten en una pieza difícil de localizar.
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Vox Dei
Caliente (1970)

 

Excelente álbum debut, editado por el mítico sello Mandioca. Una equilibrada combinación de rock muchas veces duro que en general presenta matices psicodálicos ("No es por Falta de Suerte", "Cuero", "Total quá") y baladas cuyas melodías han trascendido los tiempos y las generaciones ("Canción para una mujer (que no está)", "Presente"). La sólida base constituida por Willy Quiroga ("Willie" en los créditos) y Rubán Basoalto se refuerza con la participación de un pecusionista panameño cuyo nombre no figura entre los participantes. El trabajo entre las guitarras de Soulá y Godoy tiene momentos maravillosos con un guitarra rítmica limpia y machacosa y una primera guitarra distorsionada, casi podrida muy propia del momento. Un álbum absolutamente recomendable. Una de las reediciones en CD cuenta con bonus tracks de los simples que la banda había editado hasta ese momento y que no habían aparecido en el disco "Azúcar amarga", "Quiero ser", "Dr Jekill". Lamentablemente la más reciente reedición de Sony símil LP no cuenta con estos temas.

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Vox Dei
La Biblia (1971)

 

Considerada una de las obras fundamentales del rock argentino, se trata sin duda del trabajo de Vox Dei que más ha perdurado a travás de los años. Numerosas versiones se han editado con posterioridad, dos comandadas por Billy Bond, una de ellas con el llamado Ensamble Musical Buenos Aires y otra en Brasil. Los miembros mismos de Vox Dei editaron años después una nueva versión que completaba la obra, aparentemente inconclusa en esta edición original. Sin embargo ninguno de estos intentos llegó a alcanzar el nivel del original. Verdaderamente inspirados los músicos recorren el rock progresivo, las canciones pastorales, la psicodelia, el rock &roll y el blues que enmarcan esta obra conceptual basada en los Testamentos. De las sesiones de grabación surgen prolongados pasajes instrumentales con un atrapante trabajo de guitarras, las orquestaciones y coros dirigidos por Roberto Lar aportan un matiz sinfónico adecuadamente ubicado a lo largo de la obra. Cada uno de estos temas se ha transformado en clásicos del rock argentino. La obra dura poco más de 55 minutos y fue editada originalmente en doble vinilo. Sobre el tan mentado "visto bueno" que habría dado la cúpula eclesiástica hablamos con Willy Quiroga en el reportaje que aparece en esta página.
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Vox Dei
Jeremías Pies de Plomo (1972)

 

Sin duda debe ser difícil para una banda poder ofrecer un álbum que conforme, luego de haber desarrollado una obra como La Biblia. Nacho Smilari había ingresado para las presentaciones de ese disco e incluso llega a registrar con la banda un simple (Dónde has estado todo este tiempo / Tan sólo un hombre). Sin embargo Jeremías se graba como trío. Y el sonido es bien propio de este tipo de formación, Rock más duro, canciones más directas, de menor despliegue instrumental, sin que por esto en el álbum falten solos de guitarra. Los temas siempre están sostenidos por la ajustada base que conforma Quiroga y Basoalto. El estilo abarca canciones bluseadas (Detrás del vidrio, parte 1), rock & roll duro (Jeremías, pies de plomo, Por aquí se te echó de menos), canciones acústicas (Sin separarnos más), etc. Vox Dei ahora integrado por Soulá, Quiroga y Basoalto, comienza a delinear en este clásico del rock argentino su estilo definitivo. Las autoría de las composiciones pertenece en forma equilibrada a Soulá y a Quiroga. Temas como " Ahora es el preciso instante", " Ritmo y blues con armónicas" y otros forman parte de una suerte de tradición del rock argentino.
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Vox Dei
Cuero Caliente (1972)

 

Luego de editar "Jeremías Pies de Plomo" se publica también por el sello Disc Jockey, "Cuero Caliente", que en realidad es en gran parte la regrabación del primer álbum, "Caliente", que había salido por el sello Mandioca un par de años antes. Ahora con formato de trío, Vox Dei produce un sonido más duro y propio de los 70s, en contraposición de los aires psicodelicos de su primera obra. No incluyen "No es por falta de suerte", pero si dos temas que habían salido en simples "Dr. Jekill" (ahora rebautizado "El regreso del Dr. Jekill") y Azúcar Amarga.
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Vox Dei
La Nave Infernal (1973)

 

Para poder cumplir con la situación contractual que los ligaba al sello Disc Jockey, se publica un álbum con temas en vivo grabados durante una gira auspiciada por una marca de ropa. Registrado con un grabador Revox, la calidad de sonido dista de ser del nivel que puede pretenderse. Sin embargo puede ser interesante como documento que exhibe el sonido de la banda en vivo. Mayoría de temas nuevos, que no fueron posteriormente grabados en estudio (9.000 veces más, Vueltas y vueltas alrededor del sol, Un renegado... áse soy yo, Amor y seis, La nave infernal) junto a otros de La Biblia (Gánesis ) y Jeremías Pies de Plomo (Sin separarnos más).


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Vox Dei
Es Una Nube, No hay Duda (1973)

 

La banda se desliga del sello Disc Jockey, y firma para la CBS. Cuentan ahora con mayor capacidad de producción y logran otro de los álbumes clásicos del grupo. Los temas son en general menos pesados que lo demostrado en anteriores producciones. "Es una nube no hay duda" y "Loco, hacela callar" de Willy Quiroga y "La verdadera historia de Sam, el montañás" de Ricardo Soulá pueden ser considerados clásicos del rock argentino. Muchos a esta altura reclamaban un mayor desarrollo musical en la obra de Vox Dei. Sin embargo, la intención de la banda era la de proseguir con un estilo que ya le era propio. La edición en vinilo estaba confeccionada en un papel texturado símil tela, algo todavía inusual en una producción de la ápoca.
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Vox Dei
Vox Dei Para Vox Dei (1974)

 

Un disco parejo, con temas de prolija instrumentación pero que de alguna manera denotan un estancamiento creativo de la banda, que parece resignada a hacer canciones que entren en un estilo ya definido repitiendo las fórmulas que en anteriores obras les hicieron ganar el favor de una parte del público. Soulá decide partir de la banda para una carrera solista y un viaje a Londres en el que se contactará con Heavy Metal Kids, una banda que grabaría algunos temas suyos, en la que participaba Daniel Peyronel, futuro miembro de Riff. La decisión de separarse estaba tomada ya mientras se grababa el disco y probablemente esto haya tenido que ver con los resultados finales. Carlos Rodríguez, que participó en la banda en la ápoca previa al registro del álbum, como segunda guitarra, ha hecho declaraciones en el sentido de que participó de los registros del álbum sin que se lo reconociera en los créditos.
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Vox Dei
Estamos en la Pecera (1975)

 

A pesar del alejamiento de Ricardo Soulá, Quiroga y Basoalto tienen decidida la continuidad de la banda. Se comentaba que se estaba buscando un tecladista, pero siempre se ha comentado que se intentó incorporar primero a Yodi Godoy y posteriormente a Nacho Smilari sin que aceptaran (esta última versión es desmentida por Willy Quiroga en el reportaje que le hicimos). Finalmente se incorporan Beto Fortunato y Daniel Michelini. Sin embargo Fortunato se aleja antes de grabar el disco. El álbum no tiene gran repercusión y las criticas no son las mejores. Sin embargo se trata de una cambio en la banda que suena fresca y con nuevas ideas. El trabajo en guitarras de Michelini tiene un gran protagonismo y es interesante ofreciendo muy diversos matices en prolongados pasajes instrumentales. Sin embargo esta formación solo registrará este álbum. Puede suponerse que un cambio tan marcado en la agrupación no era ambicionado por Quiroga y Basoalto y tal vez tampoco deseado por los seguidores más fieles de Vox Dei.
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Vox Dei
Ciego de Siglos (1976)

 

Para "Ciegos de Siglos" la formación de Vox Dei cambia nuevamente, incorporando dos miembros de "La Máquina" en guitarras y voz. Tal como fuera "Estamos en la Pecera", áste también es un disco diferente dentro de la discografía de la banda. El habitual R&R es alguna veces más duro y acelerado y se atreven a incursionar en otras vertientes como la fusión ("Reflexión de Dos por Miles a la Medianoche") o a introducir toques de soul en sus composiciones ("Solo Hoy te Pertenece, Mañana es Ilusión"). Un disco que suena fresco, con un muy buen trabajo de los guitarristas casi circunstanciales. El regreso de Ricardo Soulá provoca la separación de estos miembros y un retorno a el estilo más convencional.

 

 

 

 


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Vox Dei
Gata de noche (1978)

 

El regreso de Ricardo Soulá a la banda marca también un claro retorno a un estilo en el que se mueven con comodidad y que se supone del agrado del público seguidor de la banda. Rock & Roll, blues y canciones de tinte melódico. Siete temas de Soulá y tres de Quiroga cierran el ciclo de la banda durante los años 70s, sin mayores avances con respecto a lo anteriormente conocido. Soulá continuará su carrera solista, Quiroga pasará su experiencia con Destroyer y Vox Dei retornará periódicamente, a veces con Soulá y otras con Quiroga-Basoalto y diversos guitarristas.

 

 

 

 

 


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Artistas y Grupos que no grabaron discos
     
Análisis Los Abuelos de la Nada Samantha Summers
Banda del Oeste Mesías Xawxs
Brujos Piel Tierna  
Hielo Poldo Ziher  
     
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COMPILADOS DE ROCK ARGENTINO

recopilaciones
MANDIOCA UNDERGROUND (1969)

MANDIOCA UNDERGROUND (1969)

 

Considerada como la primera recopilación del rock argentino. Editada por el mítico sello mandioca. Contiene los temas "No Pibe" y "Para ser un Hombre más" de Manal. "You" de Samantha Summers (una de las primeras participantes del sello, cantaba baladas en inglás). "Azúcar Amarga" de Vox Dei (en la versión del primer álbum: Caliente). "Mariposas de Madera" y "Levemente Triste, de Miguel Abuelo (en vivo). "Escúchame entre el Ruido" y "El Oso" de Moris, "Monsieur Ducau" de Hielo (un regular tema beat con teclados y un breve solo de guitarra). "Candy" de Piel Tierna (otra banda que cantaba en inglás, en beat con guitarra acústica y algún aporte de flauta. Entre los integrantes de esta banda figuraba Guido Meda como bajista, ex integrante de Los Larkins, una banda que contaba con la participación de Luis Alberto Spinetta. El tema está extractado del primero de los dos simples que editó esta banda). "Territorio Prometido" de Xawxs (una banda proveniente de la provincia de Entre Ríos, que además de este tema grabó dos simples. Cantaban en castellano). "La Estación" de Los Abuelos de la Nada (un blues cantado por Pappo luego del alejamiento de Miguel Abuelo de la banda). Lamentablemente no existe reedición en cd de esta histórica recopilación.
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PIDAMOS PERAS A MANDIOCA (1970)

PIDAMOS PERAS A MANDIOCA (1970)

 

Segunda y última recopilación original de Mandioca. Contiene: "Elena", por Manal. El primer tema de Pappo solista, "Nunca lo Sabrán" (aunque parezca mentira una balada acompañada con piano, con solo un breve solo de guitarra al final). "Verdes Prados" por Billy Bond (la misma versión que aparece en el primer disco de La Pesada). "Niño Color Cariño", por Alma y Vida (aún no totalmente inserto en el peculiar estilo de la banda. Extractado del primer simple con Mario Villaba como trompetista, antes del ingreso de Gustavo Moretto). "Juana" por la Cofradía de la Flor Solar (tema no editado en simple ni LP, folk con alguna arista psicodálica). "Pasan Muchas Cosas" por Brujos (otra banda que solo grabó un par de simples, pop de incipiente psicodelia con aportes de órgano). "No es por Falta de Suerte" por Vox Dei (aún con Jordi Godoy). "Natural" por Tanguito. "Muchacho" de Moris (no editado en simple ni LP, incluido como Bonus en la edición en CD de 30 Minutos de Vida). "Brisa de un Día" por Análisis (un tema psico-pop con guitarra distorsionada que no parece en el único simple de la banda. Como curiosidad el cantante adoptó posteriormente en nombre de Silvestre con el que fue conocido como cantante comercial y actor de telenovelas).
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LOS SOLISTAS DE MANDIOCA

(1970)

LOS SOLISTAS DE MANDIOCA (1970)

 

Una edición de 1992 que contiene un material maravilloso de Miguel Abuelo en su esta solista: Los temas del simple de 1968: "Oye Niño" y "¿Nunca te Miró un vaca de Frente?" y los insuperables "Mariposas de Madera" y "Estoy aquí Parado, Sentado y Acostado"(también conocido como "Pipo, la Serpiente"), años más tarde reversionado en el imprescindible álbum "Abuelo & Nada". De Tango se incluyen "Todo el Día me Pregunto", "Natural", "La Balsa" (sin los diálogos previos que aparecen en el LP) y el excelente "Amor de Primavera". Moris aporta "El Oso" (infaltable), "Esto va para Atrás", "Ayer Nomás" y "Escúchame entre el Ruido. Como temas difícilmente hallables en otro sitio se presentan dos canciones de Poldo Ziher, "¿Hasta donde? y "Basta de Infiernos" que por otro lado no son gran cosa. Se repite el "Nunca lo Sabrán" de Pappo, atribuido a Pappo's Blues. La tapa pertenece a esas excelentes ilustraciones de Daniel Melgarejo, extraída del primer simple de Miguel Abuelo, aunque se cometió en desatino de presentarla incompleta. Edición en CD.
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ALTERNATIVA  (1973)

ALTERNATIVA (1973)

 

Productos derivados del programa radial de Jorge Álvarez se editan dos volúmenes. El primero de ellos presenta material de Pescado Rabioso "Poseído del Alba" del álbum Pescado 2. Pappo's Blues, otra vez con "Nunca lo Sabrán" (también aparecido en dos ediciones de Mandioca). Miguel Abuelo con "Oye Niño". Sui Gáneris con "Cuando Comenzamos a Nacer", del primer álbum Vida. Manal aparece con "Jugo de Tomate". Gabriela con un tema de su único álbum de los 70s, "Voy a Dejar esta casa Papá". Color Humano con "Mañana por la Noche" del tercer álbum (o del segundo CD). "Natural" de Tango y "Juana" de la Cofradía de la Flor Solar (solo editado en Pidamos Peras a Mandioca). El tema "raro" de esta recopilación es "El Tema de La Banda", lado B del único simple de la Banda del Oeste que cultivaba un rock duro con guitarras enárgicas. Disponible en CD.
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ALTERNATIVA 2 (1974)

ALTERNATIVA 2 (1974)

 

Segundo volumen de la serie "Alternativa, otra vez con arte de tapa de O. Gatti. Los temas : "Alguien más en quien Confiar", del segundo simple de El Reloj, "Rock de Matías", el tema que abre el único LP de La Banda del Paraíso. "Doña Laura" y "No hay Tiempo de Más" de Manal, "Vamos de Mano en Mano" de Alma y Vida. SE incluyen dos temas de Almendra: "Fermín" y Muchacha, Ojos de Papel", Los Gatos: "Viento, Dile a la Lluvia". Litto Nebbia con "Memento Mori (Recuerda que Debes Morir)" del álbum Melopea. "Mendigo del Dock Sud" de Moris. La perla (el tema "dificil") es un tema de una banda casi desconocida llamada Quistral que presenta un tema llamado "Tantas Cosas", con piano y guitarra acústicos, cantado a dos voces. Las comparaciones con Sui Generis son inevitables.
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ROCK PARA MIS AMIGOS
VOL. 1 (1973)

ROCK PARA MIS AMIGOS (1973)

 

Editado por el sello Microfón, con tapa realizada por Daniel Mergalejo (con varios trabajos en Mandioca, entre ellos la buscada edición del primer simple con portada desplegable de Miguel Abuelo). Contiene temas extraídos de LPs de bandas correspondientes a bandas del sello: "Blues de Cris" de "Desatormentándonos" (Pescado Rabioso), "Quiero ser una Luciárnaga" del álbum de la Cofradía de la Flor Solar, "Canción para mi Muerte" del LP Vida (Sui Generis), "Entonces quá" de Buenos Aires Blues (La Pesada), "Campesina del Sol" del álbum de Gabriela, "Fiebre de la Ruta" de disco de Claudio Gabis y La Pesada, primer álbum solista del ex Manal), "Obertura" de Cristo Rock (Raúl Porcheto), "Padre Sol, Madre Sal" de Color Humano y "Salve Salve Rock and Roll) extraído del único LP de Fá. No existe reedición en CD.
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ROCK PARA MIS AMIGOS
VOL. 2 (1973)

ROCK PARA MIS AMIGOS VOL. 2 (1973)

 

El nombre completo es "Rock para mis amigos Volumen 2, Los Pesados, por Supuesto". No poseo este vinilo en mi colección por lo que presento la promoción aparecida en la revista Pelo N° 43. Artistas locales como la Pesada, Claudio Gabis y Kubero Díaz presentan temas junto a bandas extranjeras como Yes, EL&P, Led Zeppelin, Faces, etc.






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ROCK PARA MIS AMIGOS
VOL. 3 (1974)
 

ROCK PARA MIS AMIGOS VOL. 3 (1974)

 

La reedición en CD lo presenta como Vol. 1. Aquelarre con "Violencia en el Parque" (tema solo editado en el primer simple, y que posteriormente aparece en la recopilación Lo Mejor de Aquelarre, prácticamente un himno del rock argentino). Pescado Rabioso con "Me Gusta ese Tajo" (del segundo simple de Pescado, posteriormente en la reedición en CD de Desatormentándonos como bonus track y en Lo Mejor de Pescado Rabioso). Mesías con "Nosotros en las Entrañas", muy en la corriente de Sui Generis, algo bastante lógico por tratarse de un dúo en el que participaba Juan Carlos Bellía, miembro original de los Sui). Espíritu aparece con "Hoy , Siempre Hoy", extractado del primer simple de la banda, todavía no inmersa en el rock sinfónico). "Va a Salir un Lugar" es un tema lado B de un simple de Color Humano que no se encuentra editado en LP. "Rock del Ascensor" es una expresión del peor gusto responsabilidad de los Hermanos Makaroff. Otros temas son "Copado y Colocado" de Pajarito Zaguri, "Haz tu Mente al Invierno del Sur" (la respuesta a "A travás de los Inviernos" de Color Humano) por Gabriela, "Hombre de Mala Suerte" por David Lebón.
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ROCK PARA MIS AMIGOS
VOL. 4 (1975)

ROCK PARA MIS AMIGOS VOL. 4 (1975)

 

Puede prestarse a confusión que la reedición en CD lo presenta como Vol. 2 (no existen reediciones de los volúmenes 1 y 2 de los vinilos originales). Se presentan varios temas editados en LPs de los respectivos autores: "Silencio Marginal" (Aquelarre, Brumas), Jugo de Lúcuma (Invisible, Idem), "Porque Hoy Nací" (Manal), "Todas las Hojas son del Viento" (Pescado Rabioso, Artaud), A Travás de los Inviernos (Color Humano), "En una Tarde de Sol" (Moris), "Blues de una Vez Más" (Carola). Temas de simples: "Mamá, Mercurio ha Venido por Mí" (la segunda parte, es decir el que fuera lado B del simple de Gabriela, con arreglos de Rodolfo Alchourrón) y "Alto en la Torre" (Sui Generis, en realidad del EP editado el mismo año). Por último tres temas que solo se encuentran en esta colección" Tendrás en tus Manos" (Los Barrocos, aún sin violín en un predominantemente acústico), "En un Domingo" de Martín Maguceno, un tema muy atractivo con abundantes teclados y cuerdas y "Canción para Elegir" por el ex Sui Generis Alejandro Correa en una balada acústica con arreglos de teclados.
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A TRAVÉS DEL TIEMPO (1981)
 

A TRAVÉS DEL TIEMPO (1981)

 

Sería una de las tantas recopilaciones que aparecieron periódicamente durante fines de los 70s y principios de los 80s. Sin embargo este ábum tiene una particularidad. Entre el material recopilado hay temas que no son facilmente hallables en su edición original en singles o LPs. Por ejemplo, "Pipo , La Serpiente" (ó "Estoy aquí Parado, Sentado y Acostado") por Los Abuelos de la Nada, la versión de Invisible del tema de Tanguito, "Amor de Primavera", y el históricamente trascendental "Rebelde" por Los Beatnicks, compuesto por Pajarito Zaguri y Moris (con Moris simulando con la voz el sonido de la primera guitarra). Aparecen además temas de Moris ("Un Amigo de Cinco años"), Manal ("Doble en una Esquina"), Vivencia ("MI Cuarto"), Pedro y Pablo ("Catalina Bahia"), Vox Dei ("Ritmo y Blues con Armónica"), Melimelum (la banda de Jorge Durietz, ex Pedro y Pablo, con "Pinamar de Ayer") y Spinetta ("Toda la Vida Tiene Música Hoy").
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ACUSTICAZO! (1972)
 

ACUSTICAZO! (1972)

 

En un intento de demostrar que no siempre son necesarias las "paredes" de equipos y de dar una oportunidad a músicos que de otra manera no lograban mayor acceso al publico se realizó un festival en el Teatro Atlantic de Bs As el 16 de junio de 1972. Como figuras atrayentes estaban Edelmiro Molinari que en el disco aparece junto a Gabriela y David Lebón en "Abre el Día" y "Rodando" y Litto Nebbia quien toca junto a Domingo Cura "Vamos Negro". Completan contenido del disco Miguel y Eugenio con "Cuando", Carlos Daniel con "Si Vos Si, Si Vos No, Si", Raúl Porchetto con "Cortar el Viento" acompañado por Pety (Guelach) y Alfredo, Miguel Krochik con "Guilmar" y León Giecco con Hombres de Hierro. Por supuesto todas las actuaciones son acústicas. Existe reedición en CD, en la que el arte de tapa original fue bastante maltratado, y que a la vez presenta la curiosidad de que los lados están invertidos, confusión probablemente inducida porque en el LP se hace la presentación en el lado B.
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ROCK HASTA QUE SE PONGA

EL SOL (1973)

ROCK HASTA QUE SE PONGA EL SOL (1973)

 

Imprescindible documento del rock argentino, presentado como la banda de sonido de la película del mismo nombre. Lamentablemente por problemas de sellos discográficos quedan afuera otras bandas que se presentaron en el B.A.Rock III en noviembre de 1972 como Arco Iris, Orion's Beethoven, La Pesada, etc. Los temas que aparecen son "Larga Vida al Sol" y "Coto de Caza ("Cosas Rústicas") de Color Humano, "Campesina del sol" de Gabriela (con Edelmiro Molinari y Lito Nebbia entre otros), "Raga" de Claudio Gabis, "Canción para mi Muerte" de una banda "nueva": Sui Generis y dos temas de Pescado Rabioso: "Despiertate Nena" y Post - Crucifixión. Existe reedición en CD.
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