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REVISIONES POR PAIS / ESTILO:  Francia / prog

  

Materia opinable:
Por Juvenal Aragón Figueroa

Rock Progresivo En Constante Evolución

La tradición cultural francesa en todos los ámbitos artísticos, en todas las artes, ha mantenido un nivel elevado. Siempre a la vanguardia de los movimientos estéticos, el país galo ha dotado al mundo de su excelencia creativa.
En el contexto del rock progresivo, como bien los señala el autor mexicano Roberto Vázquez, en su "Rock Progresivo", Francia es quizá el único país que ha mantenido una producción constante y evolutiva desde el inicio de este movimiento musical hasta la fecha.
La gesta progresiva francesa evoluciona bien tras los primeros contactos con el beat y el pop de los años sesenta. Pese lo anterior, no se puede decir que la música progresiva francesa en lo general, estuviera impregnada de manera notable por las corrientes principales provenientes de los Estados Unidos y de Inglaterra, aún y con la cercanía de la república francesa con el Reino Unido. Al contrario, la herencia artística gala logró preservar una identidad sólida y se amuralló con las condiciones sociales y políticas del período. El rock y el folk francés, fueron la música de fondo para el Mayo francés en 1968. Otros ingredientes lo han sido la popular "Chanson", el jazz, la música neoclásica y de manera trascendental el jazz.
Parte importante en la construcción del escenario francés, es la aparición de sellos discográficos independientes, que respaldaron el movimiento, con el registro de las obras mas valiosas del progresivo franc'es. Así aparecieron Crypto, Futura, Táleme, Hexagone, Urus Disjuncta, Ballon Noir, Cobra. también los sellos tradicionales como Phillips, Barclay, Fontana y Egg apoyaron en forma extraordinaria una manifestación poco comercial de arte. En la actualidad el apoyo al progresivo francés se mantiene con la reedición inmensa de tesoros galos del pasado y contemporáneos con los sellos Musea y Spalax. que han dotado a las nuevas generaciones de aficionados de la disponibilidad del producto progresivo, estimulando así el surgimiento de los grupos del futuro.
Entrando de lleno al material creado por los francos, tenemos ya las primeras manifestaciones del progresivo, al final de los sesenta y principios de los setenta. Los primeros en establecerse, son grupos emanados de las corrientes subterráneas de la piscodélia y el jazz como Cruciferius, Eden Rose, Martín Circus, Malicorne, Systeme Crapoutchick, Alice, Ame Son, Red Noise, Komintern, Catarsis, Ergo Sum, Sandrose, Chene Noir, Moving Gelatine Plates, Alain Markusfeld,Gong y Magma, estos últimos de gran significado no solo para el progresivo francés, sino universal. Gong arriba al panorama, con la llegada a Francia de un expatriado político de Inglaterra de origen australiano, Daevid Allen. Su paso por Soft Machine, uno de los pilares el rock universal, lo situaba en el vértice creativo del movimiento y prestigiaba cualquier proyecto en el que se involucrara. Gong creó un estilo singular, fundamentado en cuanto a su mensaje, en la existencia de un mundo de fantasía, en el cual la comunicación era por telepatía, con un estación radial llamada "Radio Gnome", transmitida igual, de radio a la mente de sus habitantes, los cuales se encontraban en estado de orgasmo perpetuo, con mensajes humorísticos que, ya en serio pugnaban por un mundo mejor. En la música, la aportación musical se le ha conocido como fusión espacial, con ingredientes psicodélicos y jazzísticos con abundante presencia de sintetizadores, estilo que se tornó más progresivo con la llegada del guitarrista inglés Steve Hillage, ex de Khan, que con Allen y le legión nativa encabezada por Didier Malherbe y Pierre Moerlen, así como Gilli Smith, la mujer de Allen con su suspiro espacial, lograron un sonido extraordinario.
Magma, por su parte, provenía del escenario más puro del jazz europeo. Su líder, el genial percusionista y compositor Christian Vander, fanático de John Coltrane, el icono del jazz negro norteamericano, llevó lejos la influencia de éste, su creación de la ahora conocida como Música Seúl, Una variante vanguardista de fusión entre el jazz y el rock. Con un idioma propio entre el teutón y el galo, y, al igual que Gong, con una filosofía, en la que unos seres de un planeta distante "Kobaia", llegan a la tierra y se percatan de lo nefasto de la humanidad, proclamando con su mensaje una lección para los terrestres de progreso y amor. Magma es un grupo complejo y conceptual, que dotó al progresivo de uno de sus baluartes máximos, por ellos es que merece mí mas alta recomendación, en cualquiera de sus múltiples obras, todas indispensables.
después de los grupos pioneros toca turno para los primeros grupos llamados "clásicos", dentro de los cuales y en la corriente sinfónica, existe una pléyade de conjuntos de calidad magnífica como Atoll, Carpe Diem, Clearlight, Mona Lisa, Pentacle, Pulsar, Shylock, Tai Pong, Terpandre y ante todo Ange que encabezó esta camada de grupos sinfónicos. Ange, quizá sea a nivel popular el grupo más exitoso en la historia del progresivo francés. Sus obras siguen deleitando en la actualidad al aficionado progresivo de toda las regiones aun y cuando su formación data de finales de los sesenta y su primer de 1970. No fue si no hasta 1972, en que con el registro "Caricatures" ingresó al primer circuito de bandas progresivas. Al igual que Magma, Ange tiene presencia contemporánea y se mantienen activo en la actualidad. Su estilo pasional, enfatiza los aspectos enérgicos de la música y la pasión por transmitir mediante sus vocalistas estados melodramáticos, los ha llevado a ser comparados con el grupo inglés Genesis, pero mas allá de ello, son completamente únicos en cuanto estilo, el cual es elegante y muy francés, con predominio de interacción entre guitarras y teclados, aunado a la voz ya descrita, hacen de Ange, el emblema francés del rock progresivo.
En otras corrientes del progresivo, cobra auge la música electrónica. Jean Michel Jarre, músico conocido a nivel popular en 1976 con Oxygene, donde populariza una música hasta entonces subterránea que habitaba hasta entonces, en forma casi clandestina la faz musical de Francia. Antes de él, en un nivel muy superior e infinitamente creativo, existían ya auténticos revolucionarios de la electrónica francesa, distinta en estilo a la pionera escuela electrónica alemana y los incipientes trabajos británicos y europeos que comenzaban a darse a conocer. Estamos hablando de Richard Pinhas y su ensamble electrónico Heldon, que a la par con otro genio Gilbert Artman y su Lard Free, llevaron la música progresiva electrónica francesa hasta su cúspide, muy lejos del insignificante trabajo de Jarre en el aspecto creativo, no comercial. Otros grupos importantes de la electrónica francesa son: Didier Bocquet, Flamen Dialis, Fluence, Georges Grunblatt, Hydravion, Spacecraft, Zanov y las obras de Pinhas como solistas, formaron una escuela propia dentro de este tipo de música basada en los sintetizadores.
En cuanto a otra clase de música progresiva vanguardista, surgen un nutrido contingente de grupos de fusión inspirados por Magma y el jazz europeo, donde destacan Zao, Alpha Du Centaure, Jannick Top, Archaia, Patrick Gauthier, Jean Luc Ponty, Priam, Arman, Rhesus, Spheroe. De música celta y étnica, Babel, Fubu, L Ange Vert, Emmanuel Parrenin, Shannon así como en lo tocante a Folk, Tangerine, Ripaille, Tarentule, La Bamboche, Gwendal, Asgard, Asia Minor etc.
Dentro de las músicas mas vanguardistas, la aportación francesa ha sido fundamental. De ello podemos hablar del llamado movimiento de Rock en Oposición. Una asociación de músicos convocada por el baterista inglés de Henry Cow, Chris Cutler que llamó a organizar la producción, manejo y distribución del producto musical, por los creadores de la música a través del sello Recomended Records. A este conglomerado de grupos independientes, Francia dotó de gran cantidad de grupos de primera línea, así llegan Art Zoyd, una fascinante agrupación que funde la música neoclásica, el rock y la electrónico, con instrumentos de cuerdas y percusiones al máximo, todo tipo de efectos, para establecer lo que podríamos llamar rock de cámara. Etron Fou Leloublan otra formación radical e innovadora, con fuerte presencia jazzística, humor, quizá con influencia de Zappa y Beefheart por sus ritmos complejos jamás escuchados con antelación. Una banda realmente revolucionaria, de lo mejor del mundo. Otro artista de la avanzada francesa que si bien, no pertenece a la corriente de rock en oposición, pudiera incluirse en este comentario por su rebuscamiento musical, por sus características semejantes a las de los grupos de dicha asociación, hablamos de Albert Marcouer. Su fascinante fusión de estilos complejos son muy inventivos, tan es así que se le conoce como el Zappa francés. Su trabajos siguen dando vida nueva a la música de vanguardia. Otro grupo como mención aparte lo percibimos en ZNR, creado por el dúo de Hector Zazou y Joseph Recaille, un par de artistas acústicos, que acompañados por piano, sintetizadores y vientos, crean un sonido neoclásico con buena dosis de humor. Otros grupos importantes de avanzada son Vortex, Hellébore, Urban Sax y otros mas recientes como Nimal y Debile Mentol, conforman lo sobresaliente de este tipo de música compleja.
Al final de los setentas una nueva oleada de grupos extraordinarios revitalizan el rock progresivo francás, en esta nueva oleada aparecen Arachnoid, Acintya, Grime, Orion, Skryvania y Terpandre. Ya en los ochentas surgen Step Ahead, Jean Pascal Boffo, Halloween, Neo, Wlud, Edhels y Tiemko. Los noventa, siguen propiciando aparición de grupos como Minimum Vital, Elohim, Hecenia, Versailles, Cafeine, Eclat y en el siglo actual aparecen Aside Beside, Ad Vitam, Outside, Taal que como otros mantienen fuerte la presencia francesa en la actualidad.
Francia es pues una veta inagotable de excelentes músicas progresivas. En unas épocas ha logrado encabezar la llama progresiva, en otras ha mantenido un lugar de privilegio en cuanto a cantidad y calidad de músicos, pero siempre y hasta hoy, ha sido un lugar donde lejos de morir o decaer, el rock progresivo ha tomado la nueva savia que alimenta su existencia.
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Ame Son
Catalyse (1970) 
Por HLT

Una de las primeras cosas que llama la atención en Ame Son es una afinidad con la primera etapa de Gong, particularmente en lo que hace a una forma irreverente de combinar la psicodelia con la fusión y en la forma de cantar. Esto no debe sorprender desde el momento en que se conoce que los integrantes de esta agrupación compartieron parte de los inicios del periplo de Daevid Allen en Francia, participando en bandas como Les Primitiv's Expression y Bananamoon. Sin embargo adentrándonos en la escucha del álbum, son las largas improvisaciones a la manera de trips sicodélicos las que cobran protagonismo, con la guitarra de Lavialle o la flauta de Garrel alternándose en general y a veces co-liderando sobre la incansable base. Probablemente en su búsqueda de libertad estética descuidan un poco la prolijidad, pero sin embargo es la frescura de su música (que no por esto deja de ser densa en algunos pasajes), la que se resalta en toda la producción. Un año después de registrar el álbum Ame Son se separa sin dejar otro testimonio durante los 70s.
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Ame Son
Primitive Expression (1969-71)
Por Joe Rocker 

Este fue el segundo y al parecer último trabajo del grupo francés Ame Son el cual recoge algunos outtakes, unreleased tracks y un demo en Directo de 1976 -aprox- en dicho "demo" hay varios cambios de la formación original y es cortesía del sello Spalax Music en la reedición de 1998. En esta obra de Primitive Expression podemos notar que estos músicos fueron de los pioneros del Early Prog francés además de combinar en forma interesante la música Underground & Psychedelic sounds de principios de los 70 con el Avantgarde Rock de mediano calibre. Esto da por resultado una música algo densa y experimental a ratos..., con pasajes muy viajados y freakys. Las vocalizaciones son en francés y alguna en inglés -sin embargo- no cantan mucho pero tienen la sustancia de prender al escucha cuando se oyen un tanto cuanto melancólicas, onderas y por añadidura con un feeling especial. En este disco sobresale su alucinado y largo tema titulado "Je Veux Juste Dire" de casi 25 minutos el cual está dividido en "6 partes" por demás efectivas y hasta dan un pequeño espacio para ciertas improvisaciones de tinte Avantgardista y Underground. En dicho tema se encuentra la música más rara del disco y está densamente arropada por pasajes de guitarras elogiables y un bajo de sonido un poco repetitivo, cadencioso y frío... más sin embargo en algunas partes resulta brioso; la batería es tocada en forma un tanto primitiva pero con buen ritmo y compás aunado todo eso a una narcotizada vocalidad de variada intensidad sin faltar tampoco algunos "toquecillos teatrales". En "Primitive Expression" persiste una magia sonora que nos remitirá efímeramente al grupo Can (en sus inicios) y otro tanto nos hará evocar a los también franceses de la banda Nyl. Los sonidos sicodélicos fluyen lisérgicamente en algunos temas para luego desaparecer por casi por completo. Este trabajo considero que es más profundo y confuso que su primer álbum de nombre "Catalyse" de 1970 el cual estuvo algo inspirado en el estilo de Daevid Allen y Gong. Cabe mencionar que en los 3 primeros temas que son destacables ("Le grand cirque de la lune" {1969}, "Hein! Quant a toi" y "Comme est morte I´Evocation") aún estaba el flautista Francoise Garrel quien proporcionaba los motivos más dulces y finos en la música de AS y el que le daba el toque Prog era el guitarrista y segunda voz del grupo Bernard Lavialle. El tema No.10 de nombre "Sweet Geogia" es el que está vocalizado en inglés y trae la influencia de Daevid Allen bien marcada y es una pieza de corte tipo Rock Steady muy rítmica y entusiasta cuya autoría es de Bernard Stisi uno de los 2 guitarristas originales del grupo y el primero en abandonarlos..., y que pertenece a la etapa del grupo Les Primitiv's -pero- que en el arreglo de AS resultó emotiva. En las dos últimas piezas que son "Dédoublement" y "Le Dédale" las voces vuelven a sobresalir con el tipico acento francés teatral pero de una forma más ágil la inflexión. En ambas las guitarras descollan en precisas armonías creando además buenos beats, con un dejo Underground de cierta calidad. En Le Dédale en algunos pasajes me traen cierto recuerdo de The Doors y en especial del guitar-man Robbie Krieger cuando fraseaba y metía pausados riffs en temas como "When the music is over" y "The End" aunque claro sin desprenderse de su onda bien original el guitarrista Lavialle. Pues ahora no me queda más que hacer la invitación a quienes gusten del Rock Francés con los estilos e incrustaciones que nombré al principio...
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Ange: 
En Concert (1971) 
Por HLT

Los shows donde se hicieron los registros de este álbum son previos a la edición del primer disco en estudio de Ange. Parte del CD contiene material (los primeros dos temas y el último) con la formación que grabaría Caricatures . El sonido no es perfecto pero es una excelente oportunidad de escuchar a la banda en sus inicios. Decamps todavía no adopta completamente la forma de cantar tan personal que posteriormente lo harían tan reconocible e imitado en el rock francés. La banda parece tener una orientación más rockera y progresiva sin que se destaquen tanto las partes vocales. Tienen relevancia los teclados que se encuentran a cargo de los hermanos Decamps alos que se suman aportes de guitarra y flauta, participando de largas sesiones instrumentales, particularmente en "Atome" y "Prophetie" de más de 17 y 22 minutos de duración respectivamente. Sin embargo Decamps, seguramente por la elección de los temas en los registros de meses antes se parece más al que conocemos en su posterior producción. El CD seguramente será disfrutado por los seguidores de la banda. Reedición en CD por Tempel, Spalax, con horrible tapa y escasa información.
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Ange
Caricatures (1972)
 


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Ange
Le Cimetiere des Arlequins (1973) 
Por HLT

Ange es el grupo que mayor popularidad logró en el ambiente del rock francés. Sus cds se encuentran en Paris en las bateas de música popular en lugar de en las de rock. También han ganado una gran cantidad de retractores que le inculpan responsabilidad en la pobreza general del rock progresivo francés. Si bien este disco no sale de lo convencional es interesante (y me gusta). Más cercano a la canción popular francesa (abren con un tema de Jaques Brel) que a cualquier intento experimental, me resulta de audición agradable y de hecho es el disco que habitualmente recomiendo a quien quiere conocer al grupo. El protagonismo de Decamps, el cantante es notable. Editado por Philips con nula informació.
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Ange
Au-dela du delire (1974) 
Por César Inca

El tercer disco de Ange sigue por la vena teatral de inspiración genesiana y la psicodelia inspirada en el primer King Crimson, pero en conjunto el sonido y el ambiente resultan un poco menos siniestros y oscuros que en el disco anterior. Aquí más bien se le da más espacio al sinfonismo, aunque por supuesto la típica emotividad oscura francesa sigue también presente. "Exode" y "Fils De Lumiére" (este último, uno de los temas más emblemáticos de la carrera de Ange) son claras muestras de la potencia rockera del grupo, donde la guitarra de Brezovar encuentra un espacio apropiado para su lucimiento. "Ballade Pour Une Orgie", por su parte, es una bella y relajada canción acústica de corte bucólico, mientras que "La Bataille De Sucre" exhibe una rica ambientación sinfónica; ambos aspectos se fusionan en el extenso tema final que da título al disco. La mayoría de los fans y comentaristas especializados consideran a este disco como exponente de la cima creativa de Ange y definitivamente se trata de un trabajo ampliamente recomendable. 
Sale Biger y lo reemplaza Jean-Pierre Guichard.
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Ange
Emile Jacotey (1975) 
Por César Inca

En su cuarto disco, Ange trama de forma obvia un distanciamiento estilístico del sinfonismo estilizadamente dramático que había caracterizado a sus álbumes anteriores, aunque la personalidad teatral de Christian Decamps sigue marcando la tónica histriónica de las canciones, y el ensamble instrumental (a pesar del cambio de baterista) suena tan bien compenetrado como siempre: cabe añadir que la guitarra eléctrica resalta más en la mezcla, la cual exhibe en general una producción de sonido más pulida que antes. En Émile Jacotey, que está conceptualmente basado en una serie de relatos populares de la campiña francesa, la banda juega de forma más marcada con el formato de canción, dando a ratos especial realce a la típica dureza rockera (‘Bêle, Bêle, Petite Chévre’, ‘La Nain de Stanislas’), y añadiendo toques casi vaudevillescos (‘Ego et Deus’, ‘Les Noces’). Los momentos menos trepidantes también incluyen ciertos momentos sinfónicos, como en el tema de cierre ‘Le Marchand des Planètes’; pero es tal vez en las baladas donde se encuentra un trabajo más inspirado de composición, como sucede en la medianamente fastuosa ‘Ode a Émile’ y en la más bucólica ‘Aurealia’. En líneas generales, un disco ciertamente interesante pero que en las primeras escuchas puede defraudar a los fans progresivos, especialmente aquellos que quedaron deslumbrados con los discos anteriores de Ange. Tal vez el mejor modo de apreciarlo sea colocarlo en perspectiva como un trabajo de transición hacia el siguiente disco. 
Sale Gérard Jelsch y lo reemplaza Guénolé Biger.
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Ange
Par le fils de Mandrin (1976) 
Por César Inca

Este trabajo de Ange es otro disco conceptual, esta vez basado en las aventuras de un grupo de bandidos. Par les Fils de Mandrin engloba a la vez una continuidad con su disco anterior y una retoma de su dirección sinfónica de antaño. Dos canciones en particular, la que da título al disco y ‘Des Yeux Couleur d'Enfants’, son claros ejemplos de ello: combinan tonadas rockeras pegadizas con arreglos orquestales de sintetizador y mellotron, que le añaden algo de sofisticación al asunto, sin menoscabar el despliegue de aspereza rockera que está siendo más concienzudamente trabajado en este punto de la carrera de Ange. Por su parte, ‘Atlantis’ y ‘Ainsi s’En Ira la Pliue’ nos recuerdan bastante a los ambientes oscuros de La Cimitière..., mientras que ‘Au Café du Colíbri’ y la emotiva suite de corte pastoral que concluye el disco titulada ‘Hymne a la Vie’ nos traen de vuelta el colorido sinfónico de Au Delà du Délire. No podían faltar, por otro lado, los números acústicos donde el quinteto explora su lado más meditativo y/o folclórico, como sucede en el misterioso ‘Autour du Fou’ o el circense ‘Saltimbanques’, temas realmente atractivos que sirven como un contraste de reposo en medio de un repertorio repleto de momentos más abiertamente intensos. Una vez más, el nuevo cambio en el rol de percusionista no alteró el ensamble instrumental, el cual parece tener una personalidad propia perenne independientemente de las ocasionales entradas y salidas individuales. En suma, Par les Fils... ciertamente habrá de complacer a los que tras escuchar Émile Jacotey, extrañaban la línea predominantemente sinfónica de álbumes anteriores.
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Ange
Tome VI (1977) 
Por César Inca 

Editado a partir de un concierto realizado en París en mayo de 1977, Tome VI es un genuino documento de la energía y sinergía que Ange eran capaces de producir en vivo, sabiendo establecer con su repertorio y energía interpretativa un intenso diálogo con su fiel público: todo eso queda claro a pesar de las evidentes deficiencias del sonido. El concierto comienza con uno de sus temas de estandarte, ‘Fils de Lumiere’, que sirve para enganchar al público desde un primer momento. Uno de los atractivos del repertorio consiste en la inclusión de un tema que no aparece en ninguno de sus discos de estudio: se trata de ‘La Chien, la Roubelle et la Rose’, una suite de 13 minutos que exhibe el característico sello teatral y dramáticamente emotivo de la banda. Otros momentos destacados del disco son las versiones alargadas de ‘Hymne a la Vie’ (del Par les Fils de Mandrin) y ‘Dignité’ (del Caricatures), en los cuales sale a relucir en su máxima expresión la fuerza interpretativa de Ange en el contexto más espontáneo de una presentación en vivo.
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Ange
En Concert (1978)

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Ange
Guet-Apens (1978) 
Por César Inca

En plena ebullición del movimiento punk en el mercado musical mundial, Ange emprende la grabación de su sexto disco de estudio. El estilo del grupo se mantiene bastante fiel a las coordenadas de siempre, estableciendo básicamente una continuidad con su trabajo de estudio inmediatamente anterior, Par les Fils de Mandrin: esto resulta especialmente meritorio si se tiene en cuenta que con la partida de Brézovar y Haas se perdía en principio buena parte de la fuerza creativa de Ange. Demet, el nuevo guitarrista, logra cumplir eficazmente con su rol dentro de la banda que le acaba de dar la bienvenida. Bien es verdad que en comparación con sus primeros cinco discos la energía rockera ha bajado un poco su nivel de intensidad, por otro lado, se nota en varios momentos que el nivel de sofisticación en los arreglos sinfónicos sigue manteniendo su cuota bastante alta, tal como sucede en el tema de apertura ‘A Colin-Maillard’, y en ‘Un Trou dans la Case’, pero sobre todo en la suite ‘Cap´taine Coeur de Miel’, la misma que dura 14 minutos y da cierre al disco. El lado acústico de Ange sigue presente en dos temas bastante bonitos como son ‘Dans les Poches du Berger’ y ‘Virgule’. En resumen, un buen disco que sin llegar a estar a la altura de sus clásicos de años atrás, todavía mantiene un muy buen nivel. 
Claude Demet y Gérald Renard ingresan en reemplazo de Jean-Michel Brézovar y Daniel Haas, respectivamente. Invitado: Itak Loury en flauta irlandesa.
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Ange
Vu d'un chien (1980)
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Art Zoyd 
Symphonie Pour Le Joir Où Brûleront Les Cités (1976) 
Por Juvenal Aragón. 
Publicado originalmente en el Parteaguas N° 10.

La primera manifestación editada de este grupo rock de cámara nos lleva hasta 1971 y al sencillo Sangria/Something In Love. Un trabajo que data de 1969 escrito por Rocco Fernández integrante de una primitiva versión de la agrupación llamada "Arzoide". Otros miembros de aquella época fueron: Serge Armelin, Sax. Claude Asencio, batería. Jean Paul Dulion, bajo. Patrick Zoltek, guitarra y el propio Fernández en guitarra. La música tal y como pudiera imaginarse es un rock jazzeado psicodélico muy rudimentario. Al sobrevenir los años este grupo desapareció totalmente y apareció una nueva versión, la cual grabo en 1976. Esta tenía el nombre de Art Zoyd 3 y entro a los estudios de registro para el lp "Symphonie Pour Le Jour Ou Bruleront Les Cites". Aquí es donde la verdadera historia comienza. La alineación inicial consta de: Patricia Dallio, piano. Daniel Denis, percusión. Alain Eckert, guitarra. Gerard Hourbette, violín y viola. Jean Pierre Soarez, trompeta y Thierry Zaboitzeff, Violoncelo y bajo. Es en aquel momento cuando se gesta el sonido Zoyd en un combo de jazz-rock con marcada influencia clásica de Stravinsky, cuerdas y metales. El resultado es una obra extravagantemente, desusada pero atrayente. No era habitual el uso de cuerdas y metales en el idioma del rock, salvo en el rock pop de Chicago o Nucleus. Pero acaso Art Zoyd tocaba rock?.  
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Art Zoyd 
Musique Pour L'Odyssée (1979) 
Por Juvenal Aragón. 

Un segundo álbum clarifica los conceptos. Musique Pour L' Odyssee en 1979 apareció después del éxito de Univers Zero con su primer álbum 1313 y del cual su líder y baterista había contribuido con Zoyd. Ya la música no era tan insólita. "Musique Pour Le Odyssee" contó también con otro miembro de U Zero Michel Berckmans en fagot y oboe. Tras las grabaciones era obvio que el grupo ingresara a la asociación de Rock En Oposición formada por Chris Cutler. Constituyendo pues la primera oleada de bandas de RIO. "Musique Pour L' Odyssee" es un disco casi sin instrumentos eléctricos y su contexto se puede colocar mas en el terreno neoclásico y camaral que en el del rock. A pesar de ello ingresa la obra en todos los catálogos de rock progresivo con éxito abrumador. Su contexto, una combinación de suspenso y horror lo coloco erróneamente como música incidental para filmes. Este segundo disco es una obra maestra con mayúsculas y primer disco clásico del ensamble.

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Art Zoyd 
Génération Sans Futur (1980) 
Por Juvenal Aragón. 

En 1980 salió al mercado subterráneo "Generation Sans Futur". En este álbum aparecen los primeros pasos para la electrificación de Art Zoyd. La participación de Zaboitzeff en la composición complementando a Hourbette, fue el inicio de esta dualidad compositora que sería el nuevo núcleo creador de la música de Zoyd. Los temas se tornaron más enérgicos y él título del disco sirve de arenga para su nuevo estilo. "Generation Sans Futur" es un paso adelante para la agrupación.
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Art Zoyd
Phase IV (1982)

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Art Zoyd
Les Espaces Inquiets (1983)
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Art Zoyd
Le Marriage Du Ciel Et De L'enfer (1984)
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Art Zoyd
Berlín (1987)
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Art Zoyd 
Phase IV
Por HLT

1982 fue el año de "Phase IV" que ratifica la dualidad compositora y un tranco mas en él acenso del grupo. Sale del grupo Patricia Dallio por este disco, pero se fortifican los metales con el ingreso de Didier Pieton. Existen varias características de este disco, pero en todas ellas sobresale la fuerza del conjunto, que hace más accesible la audición de la obra, que de todas, es la menos compleja. Sin dilación aparece al año siguiente el soberbio "Les Espaces Inquiets" un disco fenomenal. La electrónica toma un lugar preponderante sin opacar las tradicionales cuerdas y metales. El retorno de Patricia Dallio refresca el panorama. Un paso revolucionario doble el que dio Zoyd con este salto. Con esto Zoyd ocupo momentáneamente la cumbre de la vanguardia. 1984 evidenció el éxito de Zoyd cuando el bailarín de ballet Roland Petit, observó un documental de la música de Zoyd y quedo maravillado con las estructuras polifónicas del grupo. A partir de ello buscó al conjunto para que musicalizara su próxima obra de ballet "Le Marriage Du Ciel Et De L'enfer". Una vez cristalizado el proyecto en el disco del mismo título, Zoyd se presentó en las exhibiciones del ballet proveyendo la música en directo en un espectáculo que combinó lo mejor del arte del ballet y la música, ingresando Art Zoyd al universo de las artes escénicas. Para tal proyecto Soarez fue invitado a salir y no participó ya la sección de metales en la estructura híbrida de cuerdas y electrónica del nuevo Zoyd. La irrupción del grupo por nuevos confines los ubicó en la cúspide del rock de avanzada y no conforme con ello en 1987 sacaron "Berlín" para este autor el mejor disco de su historia y uno de los mejores discos que se hayan grabado en este tipo de música. En lo particular pienso que solo lo supera "Heatwave" de Univers Zero pero aparte de él no tiene match. Este nuevo lp que en la versión original de acetato solo tiene dos temas, excluye totalmente la utilización de metales. La presencia de Andre Mergentaller de Univers Zero en violonchelo y sax completa la banda apuntalando a: Hourbette, Zaboitzeff y Dallio. Los temas referidos son compuestos por sus lideres, uno cada uno. En el CD se incorporan cinco títulos mas de excelente calidad. La electrónica en su máxima expresión y Zoyd en su máxima expresión son la combinación perfecta de la mejor música de los ochenta. Quisiera decir mas, pero me reservaré para aquellos despistados que no hayan escuchado aun, así tendrán una gran sorpresa con el cambio electrónico y mínima del conjunto. No hubo nada registrado hasta 1990, cuando buscados para armonioso la película clásica muda, Nosferatu de Murnau, graban su primer álbum de los noventa. Esta cinta se exhibió en espectáculos multimedia. Simultáneamente Zoyd aparecía junto a la pantalla tocando la música. Este proyecto resultó muy adecuado para la música obscura del conjunto Francés, ya que el clásico del cine de terror cobró nueva vida. Para 1993 ya como protagonista respetado del arte escénico, Art Zoyd participó en otro evento similar a Nosferatu. Se trató de un evento maratoniano de doce horas de duración llamado precisamente "Marathonnere" I Y II. Esta representación de doce horas de permanencia de doce de mediodía hasta la medianoche sin pausar, consagró al ahora trío galo como exponente del arte abstracto. Quisiera dar mas detalles de este acontecimiento, pero en el CD no viene mas información. Solo unas fotos de la representación, con escenas de actores en el escenario con bloques de concreto ante la mirada displicente de dos hembras, también se advierten en el contorno del lugar docenas de envases de vino por doquier, y en la retaguardia, se percibe al conjunto en acción. Realmente fascinantes estas imágenes, que solo me permiten fantasear sobre lo que ocurrió en esa ocasión. La música ya completamente electrificada es acompañada ocasionalmente de sonidos guturales y algunas intervenciones de cuerdas. De los 27 temas, quince son de Zaboitzeff y doce de Hourbette. Patricia Dallio al igual que siempre solo interpreta a los dos genios compositores y ahora ejecuta todo tipo de teclados además del piano. En síntesis podemos concluir que la obra es el incesante fluir de pasajes cíclicos, con ambientes industriales y atmósferas mecánicas. Un disco cautivante que permite decir que Art Zoyd ha llegado a un sitio nunca investigado y se ha establecido en él para presidir la más avanzada manifestación artística. Dos años después de 'Marathonnere", nace "Fausta" de nuevo tras la huella de Murnau. Para el nuevo proyecto reciben la colaboración de Daniel Denis. Sin embargo la percusión predominantemente acústica del líder de Univers Zero, No mella en el basamento electrónico del nuevo Zoyd. De nuevo Zoyd musicaliza la obra del genio del horror fílmico primitivo. Con esta nueva incursión al mundo del cine, Art Zoyd abandona las audiciones para concentrarse mas en el desarrollo de los nuevos caminos trazados. La elaboración de cintas sonoras de películas clásicas y la presentación de espectáculos multimedia, aunque después aparezca en CD la música de esas producciones. Faust al igual que Nosferatu contiene expresiones abstractas y uso de efectos bizarros propios del acompañamiento de evento de terror. Algunas diferencias notables podríamos encontrarlas en la intensidad, así es como si el grupo no tuviera bastante con esa característica casi esencial en todas sus obras, en esta sobrepasa el resto de hecho antes. Situación lógica por el contenido de Faust, pero se extrañan algunos aspectos melódicos de la obra anterior que en lo particular me encantaron. Antes de finalizar el milenio, justo en 1997, surge Haxan. Continuando el paso de Zoyd por territorios de sonoridad fílmica. Esta obra que desilusionó al público ingles en su presentación en el Queen Elizabeth Hall de Londres, por ser considerada demasiado radical, criticas sustentada por la prensa no especializada y que al grupo le importaron un comino. Llevándose a cabo varias presentaciones en Europa, incluso se dijo que vendrían a México, con presentaciones en Bellas Artes junto con la Orquesta Sinfónica Nacional de México. En cuanto a la música, existe en ella continuidad en el planteamiento de panoramas cíclicos. El abuso de sintetizadores nos muestra un Zoyd casi divorciado de su planteamiento inicial. Sus nuevo enunciados musicales, divagan entorno a las imágenes cinematográficas complementándolas, inventando una expresión artística totalmente nueva, Haxan constituye el nuevo Art Zoyd en todo su esplendor. Ahora en el nuevo milenio esperamos mas aportaciones de un grupo que rompió con todo en aras de la creatividad, ya sean en la música, el cine, el teatro y cualquier manifestación del arte, abriendo caminos por los cuales nos invitan a conocer mucho mas, de lo que la cultura mediatizada y comercial puede ofrecernos. Es ahora nuestra oportunidad de conocer a un grupo que realmente revolucionó la música contemporánea.
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Arachnoid 
Arachnoid (1978) 
Por César Inca 

Arachnoid se revela a través de su único trabajo editado como una banda interesada en continuar con la tradición progresiva teatral de Ange y Mona Lisa. Sin embargo, la presencia vocal es menos predominante que en estos grupos mencionados, y más bien se da más espacio para el lucimiento del ensamble instrumental. Los diestros solos de guitarra de inspiración abiertamente crimsoniana, en conjunción con los ambientes sonoros creados por los dos tecladistas, son los que llevan la batuta de casi todos los temas: ellos le otorgan un aspecto sinfónico a las armonías oscuras que sirven de perfecto complemento para el canto, susurros y recitaciones del vocalista, quien varias veces es acompañado por unos intrigantes coros casi circenses. La dupla de batería y bajo sostiene de manera firme el flujo emocional derrochado tanto en los pasajes instrumentales como cantados. La edición original en vinilo incluye siete temas, entre los cuales destaca la suite inicial "Le Chamadére", de casi 14 minutos de duración, así como también "Piano Caveau", tan bello como siniestro, además de "La Guépe", donde la parafernalia teatral de Arachnoid alcanza sus máximas cuotas en este disco. La edición en CD incluye cuatro bonus tracks, que son versiones en vivo de algunos de estos temas. Los amantes del progresivo teatral "exagerado" francés estarán de plácemes al escuchar el trabajo de este sexteto, que de haber tenido más tiempo de existencia probablemente habría logrado un mayor nivel de madurez en su estilo.
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Asia Minor 
Crossing the Line (1979) 
Por HLT

Grupo originariamente conformado por tres estudiantes turcos que se instalan en Francia en 1973. Prematuramente abandonados por el baterista convocan a un jóven de 16 años, unico integrante francés. El núcleo de la banda se forma en 1975 pero no es sino hasta el 79 que editan su primer LP. Sin ser un gran disco es bastante agradable. El uso de la flauta remite a Jethro Tull y de alguna manera cargaron con ese preconcepto. Musica bien ejecutada aunque dentro de un marco bastante convencional que se rompe cuando sacan a relucir sus origenes turcos con ritmos y letras cantadas en su lengua materna (son los mejores temas del albúm). El resto de los temas presagian el sonido neoprogresivo de los noventa. Es uno de esos discos que me agradan si no lo analizo demasiado. Edición en CD obviamente por Musea.
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Asia Minor 
Between Flesh and Divine (1980) 
Por HLT

Es un disco más compacto que el anterior, pero han perdido lo más atrayente. Ya no cantan en turco y el sonido es plenamente europeo con algún ritmo turco que aparece sutilmente. Quienes gustan del neo prog seguramente disfrutarán de este álbum. Personalmente no me convence y de a momentos me aburre bastante. Lo que más me gusta es el temita final que gira sobre un corto riff de guitarra que se repite en diferentes octavas, seguramente surgido en algún ensayo. Editado por Musea. 
Ingresa Robert Kempel en teclados. 
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Atlantide 
Atlantide (1976) 
Por HLT

Se trata de un proyecto musical liderado por el productor Jean Pierre Massiera quién trabajó en otras agrupaciones de similar orientación como Visitors, Human Egg y Horrific Child. Conduce aquí las actuaciones de por Patrick Attali en voces, Bernard Torelli en guitarras y mellotron, Aldo Iacomelli en bajo, Jean Marc Moutain e batería y Jean Luc Crema en percusión. Los resultados trascienden cualquier influencia para convertirse en una mera imitación de Yes. Algunos pasajes parecen incluso estar copiados de Flagile. Así es como temas como Atlantide y Soleil Noir presentan riffs muy similares a los de Heart of the Sunrise y Long Distance Runaraud e Images se asemeja tanto a las intenciones de Mood for a Day que entre los sonidos de guitarra acústica se escuchan los golpeteos contra la caja que hace en un momento Steve Howe. Cualquier otro pasaje de desarrollo personal queda completamente opacado ante la completa falta de originalidad comentado en estos ejemplos. La edición de Musea en CD se completa con cuatro bonus de Human Egg, proyecto de 1978 en el que también intervienen varios miembros de Atlantide integrando un conglomerado de músicos que tampoco aportan nada memorable, enmarcando estos temas dentro de las más desabridas vertientes del AOR.  
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Atoll
Musiciens Magiciens (1974) 
Por HLT

Como también ocurriera con Mona Lisa, Atoll es una de esas bandas francesas que recibieron el influjo de Ange en su bagaje musical. Sin embrago esta agrupación no vio limitado su desarrollo a una simple reproducción de manierismos sino que junto con sus otras notorias influencias, particularmente las derivadas de bandas británicas, entre las que se puede destacar a Yes, y una inclinación a la fusión que sin ser tan patente aquí como en L'Araignee Mal, ya está presente logran auto imponerse un estilo propio. Cierto es que Luc Serra, el guitarrista actuante en este álbum, posteriormente reemplazado por Cristian Béya de a momentos se acerca a Howe tanto como Jean Luc Thillot lo hace con el estilo de Chris Squire en el bajo, pero en la composición sola aparecen remembranzas y nunca imitaciones. Tal vez predominen los pasajes cantados que a veces se sienten un poco prolongados por los reiterados falsetes. Se trata sin embrago de un álbum bastante recomendable que llevó a la banda, junto con los simples editados previamente a un lugar de reconocimiento popular. La edición en CD de Musea se completa con 4 bonus de temas en vivo de 1973, con sonido bastante mediocre, pero inetresantes como documentación.
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Atoll
L'Araignee Mal (1975)
Por HLT

Atoll fue un grupo que conservó su raíz francesa a pesar de tener notables influencias anglosajonas. A lo largo de los temas es imposible evitar las comparaciónes con Genesis, Yes y Mahavishnu Orchestra. Los cambios de integrantes fueron otra de las caraterísticas de este grupo quien contó entre sus integrantes a John Wetton que aparece en los bunus de su ultimo álbum Rock Puzzle, de 1979. Es notable que en el cuarto disco no queda ninguno de sus integrantes originales. Este disco en particular me parece bastante bueno con pasajes dónde la guitarra lidera pero con un predominio de teclados y violín. Este da un toque que algunos han denominado "fusión" y que es lo que más los acerca al sonido de la MO. "La Araña Maligna" es un albúm conceptual (todo grupo progresivo de los 70, quiso tener uno), reeditado como es costumbre por Musea con un bonus track, uno de los temas del LP original (Cazotte N° 1) en versión en vivo más prolongada y con participacióncon saxo.
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Atoll
Tertio (1977)
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Atoll
Rock Puzzle (1979)
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Bedjabetch 
Subrepticement (1979)
Por HLT

Sobre esta banda de fusión instrumental se han tratado de establecer lazos con el estilo Canterbury. Puede decirse que hay un permanente cuidado en las líneas melódicas, se realza el trabajo grupal por sobre la para mi aburrida sucesión de solos instrumentales de la que suelen abusar varias poco imaginativas bandas de fusión, con el solo fin de alimentar el ego de sus integrantes e impresionar banalmente a los oyentes. En este sentido, afortunadamente, puede decirse que hay algunos parámetros que los acercan a los ingleses. Sin embargo, los otros aspectos musicales que pueden apreciarse en la obra son disímiles en este sentido. De hecho estos franceses parecen tener una directiva más convencional, menos explorativa y arriesgada. A su favor se destaca una notable capacidad de sus miembros en la faz instrumental con agradables jugueteos armónicos entre los acogedores teclados de Patricia Hue, dama que se encarga predominantemente del piano, la sobria y elegante guitarra de Merino y fundamentalmente los vientos de Olivieri, generosamente dominantes en el paisaje instrumental de la banda. Con esta forma de trabajo llegan incluso a tener pasajes realmente encantadores. Bedjabetch parece querer priorizar la belleza por sobre la innovación y querer emocionar más que conmocionar, lo que se traduce en una música diáfana, sin exabruptos, incluso cuando conducidos por una entusiasta y prolija sección rítmica arriban a los momentos de mayor intensidad. Pero al seguir este camino se corre el riesgo de caer en momentos anodinos al recurrir excesivamente en los convencionalismos de la fusión, tan frecuentes en este periodo de fines de los 70s. Aparecen entonces los clichés y la sensación ilusoria de haber oído esta música muchas veces en el pasado Cuando logran apartarse de esta recurrente tendencia, y por suerte hay varios tramos en el que bien lo logran, es cuando he logrado disfrutar de la música de este álbum. En balance general es, para mi gusto, bastante positivo sin llegar, por las razones expuestas, a deslumbrar.
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Carpe Diem
En Regardant Passer Le Temps (1975)
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Carpe Diem
Cueille Le Jour (1976)
Por César Inca

“Cueille le Jour” es una obra que apuesta frontalmente por la belleza serena y la creación pausada de ambientes emocionales cautivantes, a través del inteligente empleo de texturas y el sutil manejo de una envolvente energía poética por vía de líneas melódicas que no son ampulosas, sino más bien producidas a partir de variaciones y añadidos sobre una idea básica inicial que apunta hacia la llegada de un clímax eventual. El aire predominante en este bello disco es el de serenidad reflexiva. La manera en que se articulan las composiciones y el diálogo fluido mantenido constantemente por los músicos (destacan especialmente Tuchi y David) ayuda al repertorio a adquirir una magia extraña e irresistible a la vez. En medio de este manejo de texturas, los solos aparecen para añadir retazos de colorido que armonizan muy bien con la integridad de cada pieza. Por su parte, la sección rítmica funciona como un soporte preciso, muy puntual, aportando en numerosas ocasiones elegantes síncopas de corte jazzero que se condicen con los solos de viento y aportan exhuberancia a las orquestaciones de órgano y sintetizador. El lado A del vinilo consiste en una suite de cinco secciones, ‘Couleurs’, que se constituye en el punto máximo del disco, e ilustra a la perfección los puntos que he expuesto anteriormente. Pero los temas más concisos que siguen a continuación, a pesar de no ser tan brillantes, no suponen un desmedro para la calidad musical del disco: temas como ‘Naissance’ y ‘Le Miracle de la Saint-Gaston’ una belleza serena y elegante, la misma que adopta un tono más ‘ligero’ en ‘Laure’ y ‘Tramontane’, más circunscritas a lo jazzero. En general, pareciera como si la creatividad de Carpe Diem solo pudiera brillar de manera plena en los temas de ambicioso desarrollo, pero queda claro que el talento creativo de este ensamble está siempre presente. Finalmente, el dueto de piano y saxo soprano titulado ‘Divertimento’ cierra el disco con un toque de melancolía sazonada de solemnidad, con un tono marcadamente académico: un cierre hermoso para un gran discodisco.
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Chico Magnetic Band 
Chico Magnetic Band (1970)
Por HLT

Originariamente llamados Chico & The Slow Death. La inspiración hendrixiana del álbum es innegable y de hecho se remarca con una extraña versión de Cross Town Traffic. Sin embargo el trabajo de Chico Magnetic Band no se limita de ninguna manera a recrear el sonido del sonido el mago de la guitarra. La música de la banda es exultante y a veces primitiva. Sin embargo hay una constante búsqueda, que a veces incluso accede a lo experimental. Lo hace desde cierta puerilidad, es cierto, sin embargo estos momentos son tan atrevidos que terminan siendo regocijantes. La combinación de rock a lo Hendrix , cabalmente plasmada en “We All Come and Go” es combinada con voces guturales y fuerte presencia de percusiones casi a los Santana (una combinación que trae a la mente a los actuales The Mars Volta) en “Explosion” . Temas de esta propensión se alternan, por ejemplo, con “Pop Pull Hair”, una estructura bastante simple que cuenta con efectos de consola, pero pasada completamente en sentido inverso. Para matizar aún más, tenemos la voz de Chico aproximándose al Captain Beeffhart en pose negligente entre riffs desgarrantes en “Lot of Things”. “To Where I Belong” parece querer reintroducirse en la electrónica a juzgar por sus primeros sonidos, sin embargo rápidamente se sumerge en hipnóticos ritmos orientales que dan paso a cortantes riffs de guitarra eléctrica que se apoya en las acústicas y anuncian el retorno a la vertiente hendrixiana. Para “My Sorrow” uno ya reconoce los elementos típicos de la banda, sin embargo la voz de Chico y tal vez en menor grado la guitarra de Monneri traen algún nuevo hallazgo con remembranzas a Black Sabbath. El tema final es “Pop Orbite”, en una tónica mas liviana presenta aportes de órgano y una serie de efectos especiales bastante insólitos en un disco como este. Edición original por Box Office en 1970, para desprejuiciados amantes del la psicodelia dura, atestada de guitarrazos. Bernard Monneri Formará parte más tarde de Terpandre.
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Clearlight
Clearlight Symphony (1975) 
Por HLT

Clearlight es un proyecto liderado por el compositor y tecladista Cyrille Verdoux, el primer músico progresivo francés en firmar para un sello británico del nivel de la Virgin. Con este respaldo registra en 1975 su composición "Symphony" que consiste en una suite en dos partes, cada una de ellas ocupando un lado del LP original. Por cuestiones meramente comerciales en el lado A aparecía lo que en lo compositivo era la segunda parte. El motivo de este trueque fue que en esa parte grabada en los estudios Withe House participaban de la grabación nombres conocidos con Steve Hillage en la guitarra, Tim Blake en sintetizador y Didier Malherbe en vientos, todos provenientes de Gong. En el lado 2 registrado en The Manor los miembros eran otro excelente guitarrista, Christian Boulé y Gilbert Artmen en batería y vibráfono y Martín Isaacs en bajo. Predominan las atmósferas ligeras y agradables con melodías parsimoniosas. En lo personal prefiero el segmento en que se hace acompañar por los miembros de Gong, más rico en ajustados contrapuntos entre los teclados y la guitarra y con los característicos timbres de los instrumentos de Hillage y Blake muy patentes, que hacen más tempestuosa la atmósfera generada. En 1999 el sello Clearlight Music reedita este trabajo en CD con el orden de los movimientos con que fuera compuesta esta recomendable obra. Durante el año siguiente a esta grabación Clearlight se organizó como agrupación y realizó giras junto a Gong. Los argentinos recordarán que en esta agrupación durante un tiempo, en reemplazo del violinista David Cross participó Jorge Pinchevsky antes de su pasaje por Gong.
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Clearlight
Forever Blowing Bubbles (1975)
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Clearlight
Les Contes Du Singe Fou (1976)
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Clearlight
Visions (1978)
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Coeur Magique 
Wakan Tanka (1971)
por Joe Rocker

Coeur Magique era un muy efectivo y prendido cuarteto francés de principios de los 70 -pero- que a la vez fue un efímero grupo que grabó tan solo este grato y armonioso trabajo que lleva por nombre el de aquella antigua Deidad o Gran Espíritu conocido como "Wakan Tanka" al cual los Lakotas y Chamanes le brindaban grandes ceremoniales para ganar su favor y bendiciones ya que para ellos WT estaba por encima de todo y lo gobernaba todo. En rasgos generales yo considero que la música de CM estaba ligeramente dentro el marco del reciente Early Prog francés y que además combinaba excelentemente el Hard Rock con elementos de Latin Beats muy bien puestos, sin faltar una incipiente "teatralidad francesa" en el canto el cual nos hará recordar por instantes aquella excéntrica "Belle Epoque"; agregando a su música también ligeras influencias del famoso San Francisco Sound que varios de los grupos de la Costa Oeste magnificaron a finales de los 60s, y de los cuales Coeur Magique añadia en volátiles tonos que pueden ir del Psych al Rock Power de tintes melódicos. La voz cantando en francés de Harry Seur es en verdad estupenda y en todo momento arropa y realza a todos los matices musicales que el grupo va desarrollando en los 7 temas del disco. También queda de manifiesto que la originalidad musical es una de las virtudes de este grupo en donde los temas imponen una belleza sonora y una limpieza cuasi-luminosa de un Rock francés que gusta por su perfección -además- de por su pasión y cierto sentido del humor. Definitivamente la pieza más significativa es la que da titulo al disco "Wakan Tanka" con duración de {9:22} y en la cual percibo se adentran en algo que podría considerarse como West Indian Progressive Music. Aquí se aprecia que este tema es el mejor en cuanto a arreglos y composición..., con unos cambios de ritmos bien realizados y bastante Beat en todo momento, aunado a cánticos indios efímeros y sonidos volátiles de tambores semi-chamánicos, percusiones, etc. El guitarrista y compositor Claude Olmos da rienda suelta a toda su técnica guitarristica empleando excelentes riffs llenos de feeling y además ejecuta en forma muy precisa una guitarra rítmica que por momentos se escucha en primer plano; y más adelante vuelve a sobresalir la potente tesitura vocal de Harry Seur el cual es un estupendo cantante. Otros temas importantes de resaltar son: "Mademoiselle Marie" estupenda rola que enseguida prende al escucha, y en donde uno tiende a moverse un poco debido al prendidote bajeo, batería idem y la siemppre efectiva guitarra de Olmos. Desde luego que también destaco a "Scène de Mènage" (excitante y algo Harsh), la preciosa "Ellocia" (melancólica y bien emotiva), y las dos partes humorísticas y bastante ritmicas latinas de la movida "Le Cocotier”. A este grupo francés es algo difícil emparentarlo con otros grupos -aunque- me atrevo a decir que les percibo ciertas influencias de bandas como: Mandrill, Alice (el grupo francés), Quick Silver, a los del grupo Free (por el bajeo tipo Andy Fraser), y de los noruegos de Titanic; más sin embargo CM tuvo su sello bastante personal y por ende muy original al crear su apasionada e interesante música. Por último quiero agregar como referencia que a CM le escuché dos temas inéditos y sin titulo de un cd pirata (grabación de 1973 -aprox-) en dónde ya no traen al cantante (completamente instrumental) -pero- lo más interesante es que andan un poco en la vía de la Zeuhl music y por ende algo evolutivos... añadiéndole a su sonido un violín y un sax.Yo traté de conseguir la grabación completa con su nueva formación pero todo fue inutil ya que al parecer solo compusieron esos 2 temas desconocidos y se desbandaron al poco tiempo. Pero bueno, está es otra historia que no tiene nada que ver con su disco Wakan Tanka.
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Dün 
Eros (1981)
Por René Osnaya

Este grupo es oriundo de Nantes, oeste de Francia. El disco LP fué grabado en 1981. El estilo del grupo es muy cercano al RIO de Sammla, con cosas muy a la Zappa y Magma. Este grupo se unió al manifiesto colectivo de Henrry Cow de Rock In Opposition. Musicalmente el grupo tiene una riqueza de de sonoridades cuidadas a gran detalle, hay mucho de música clásica contemporánea y jazz, como buenos franceses tienen mucha tendencia vanguardista. DÜN juega mucho con las texturas y ambientes haciendo que su música sea muy detallada y sobria. Su música no es tan intrincada como algunos grupos de RIO, más bien es muy fina. Él concepto musical es bien redondo y los músicos son muy buenos ejecutores. En los bonus tracks hay un concepto un poco diferente en cuestión musical , la presencia del sax acentúa el sabor RIO y además hay un poco más de similitud a la Etron Fou Leloublan.
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Dickens 
Royal Incarnations (1969)
Por HLT

Un pequeño gran hallazgo de la escena psicodélica francesa en los 60s. Se trata de una de las pocas bandas que llegaron a grabar un LP completo. Las influencias de las bandas psicodélicas post 67 de la costa oeste norteamericana son bien notables, con varias aproximaciones a Iron Butterfly y fundamentalmente a The Doors. Curiosamente, el tema en el que más de aproximan a la banda de Morrison no es estos ni de composición propia sino de una banda poco conocida también de EEUU, llamada Genesis (posteriormente The Wilde Knights) que adaptan y cantan en francés con el nombre de “Ange de Lune”. En algunos pasajes pueden recordar también a Pink Floyd, como en el tema final, “Opus” y en las canciones, para mi gusto menos atractivas acercarse a Fleetwood Mac como en ”Sugar Woman”, y hasta a Led Zeppelin en “Catacysme”, tema que abre el álbum. Sin embargo lo más interesante de Dickens no es todo esto que estamos comentando sino que en algunos pasajes y muy particularmente en su tema“Genoside”, sientan un precedente que poco tiempo más tarde será tratado con mayor desarrollo por bandas como Ange o Mona Lisa. Un desarrollo muy climático alternado con pasajes de mayor intensidad y una participación histriónica del cantante con dramatización, susurros y gritos. Los integrantes de Dickens no son grandes instrumentistas, pero al igual que el cantante saben cuales son sus posibilidades y las saben explotar adecuadamente para generar una obra que tal vez valga más por el lugar y momento en el que se produjo que por sus virtudes musicales intrínsecas, pero que para los amantes de las búsquedas de las raíces del progresivo se convierte en trabajo más que interesante de ser analizado. Como es de esperarse por lo anteriormente comentado son la guitarra eléctrica y el Hammond los instrumentos obligados a liderar los pasajes instrumentales siendo aceptablemente acompañados por el bajo y la batería. Las voces alternan el inglés y el francés, siendo más interesante cuando lo hacen en su propio idioma. Unico trabajo de la agrupación. El baterista participó posteriormente en Treponem Pal. Edición en LP por President en 1969. En CD por Fanny (F050993) en 1994.
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Emmanuel Booz
Au Restaurant d'Alice (1970)
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Emmanuel Booz
Le Jour Ou Les Vaches... (1974)
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Emmanuel Booz
Clochard (1976)
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Emmanuel Booz
Dans Quel Etat J'erre (1979)
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Etron Fou Leloublan
Batelages (1976) 
Por Juvenal Aragón Figueroa. 
Fragmento de la nota publicada originariamente en "El Parteaguas"

Dentro del contexto innovador del rock Francés, han emergido las más radicales expresiones musicales. Magma, Art Zoyd, Heldon y Albert Marcouer son algunos de los contribuyentes más trascendentales de esta alternativa artística. Dentro del rock en oposición Etron Fou Leloublan fue la primera congregación Gala que se ligó al pronunciamiento musical encabezado por Henry Cow. Estos pioneros tuvieron sus ciernes artístico en la escena subyacente francesa de principios de los años setenta. Las características únicas de su música gravitan en dos factores esenciales a decir: El manejo de la lengua gala para su expresión vocal, y el deseo de la banda en sostenerse al margen, esto como rechazo a la industria de la música, cuyo interés era eminentemente económico y no artístico. Su actividad creativa radicó en la exploración de espacios no contemplados en la dimensión de la música rock, fusionando aspectos de otras músicas como el Jazz, El folk y la avanzada. La naturaleza oscura de la banda no ha permitido reunir mucha información de los pormenores de su gestación y se reduce a algunos detalles de las solapas de sus discos. La cobertura informativa de las revistas especializada tampoco refieren grandes rasgos sobre ella, de hecho solo citan los títulos de sus obras y carecen de comentarios que vayan mas allá de su fecha de publicación. Lo exiguo que indagamos es que se forman 1973 en el sur Francés (Toulose), por su percusionista Guigou Chenevier, Este a su vez incorpora a Ferdinand Richard (bajo, guitarras y voz) y por último se les une Chris Chanet en metales y vientos
. . .
No es hasta 1976 que consiguen producir su primera muestra discográfica "Batelages". Para tal obra les acompaña Eulalie Ruynat en voz. La destreza adquirida por su andar en los puntos de música subterránea Francesa les permiten alcanzar un fruto excepcional. El corte inicial L'Amulette et le petit rabbin inaugura el trabajo con un solo de guitarra convencional y melódica, típica de alguna gema progresiva italiana, tras ello y detrás de dos ciclos de acordes, súbitamente se transforma en un asalto rítmico de guitarra eléctrica y batería que acompaña los primeros vocales que a manera de proclama incitan la tensión del estribillo, luego, vocales anárquicos colman la escena invitando el estruendo sonoro total del remanente de los instrumentos en una primera muestra del total esplendor de la banda. El contrapunto de maderas y bajo parece diseñado matemáticamente por su exactitud en los ciclos, una introducción memorable. Se suceden el tema percusivo "Sololo Brigida", la jocosa "Yvett blouse, "madame Richard", larika" y culmina con la "Histoire de graine", esta ultima es lo mejor de la selección arrancando con una especie de improvisación colectiva que se torna en la sutil base temática con los vientos en la vanguardia, con los más inauditos ritmos de comparsa, con el talento y técnica de Richard y Chenevier en foco. Vaya inicio pues, el que obsequia el conjunto francés como un breve aperitivo para subsiguientes banquetes. Un disco sublime entre los clásicos de la vanguardia progresiva.
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Etron Fou Leloublan
Les trois fou's perdegagnent (   ) 
Por Juvenal Aragón Figueroa. 

El segundo capitulo discográfico llevo por titulo "Les trois fou's perdegagnent". Ya sin Ruynat y Chanet, cubriendo a este ultimo Francis Grand que tocó alto y tenor sax, melódica, flauta, citara, harmonica además de agregarse a los vocales. También colabora con guitarra Jean Pierre Grasset quien separadamente funge como técnico de sonido suministrando una sucesión de efectos que tonificó de mas complejidad al ahora transitorio cuarteto. El alcance de los anteriores factores logra un refinamiento tanto en el sonido como en la estética de la banda. El humor propuesto en el primer disco tuvo considerable aparición, dicha extravagancia se proyecto primordialmente por el equipo de vientos, al tiempo que el apartado rítmico pululaba de un ámbito a otro con múltiples e inconcebibles variantes, aparecen en mayor rango una curso de efectos sonicos cortesía de Grasset los cuales hacen cavilar que no son solo cuatro los instrumentistas. Otra mejora armonica fue el incesante interlinear entre la guitarra y los vientos como en la tripartita "Recherche Pour un jornal..." con el guitarrista navegando por secuencias muy Frippianas o quizás a la Heldon, el ritmo tenaz se mantuvo hasta que una progresión de saxofones que parecen mas de cien encaran a una guitarra que se les evapora por cada hueco permitido sin ser doblegada por dicho estruendo, conservando intacta y diáfana su presencia, un corte prodigioso que legitima por si solo el disco. El lado b del acetato entra con "Le desasterux voyage de piteux python" con una anárquica tertulia inconclusa por una armónica seguidamente flanqueada por el remanente del instrumental y la cual parece extraída de una versión francesa del álbum Strictly Personal del Captain Beefharth, en el modo clásico de la banda mágica. Los demás tracks deambulan por una sucesión de propuestas inéditas que posisionan a la banda como prototipo de la vanguardia progresiva complementando este álbum que resulta otro clásico cardinal del sonido RIO.
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Etron Fou Leloublan
En public aux Etais Unis D'Amerique (1979)
Por Juvenal Aragón Figueroa. 

Tanto se asemejó la naciente estética de la banda por los sonidos revolucionarios que fueron acogidos por el grupo ingles Henry Cow para una excursión por el Reino Unido formalizando la adhesión de los franceses al conglomerado de Rock en Oposición, el cual tuvo su aparición oficial en Londres a lado de dichos ingleses, Samla Mammas Manna, Univers Zero y Stormy Six toda una pléyade de celebridades de la nueva música. Ciertamente dicho contacto permitió una afinidad estrecha con Fred Frith líder de Cow ahora transmutado en Art Bears y el músico ahora residente de Nueva York, influyó a los galos para una expedición en los Estados Unidos. Esta tuvo efecto en 1979 en el este yanqui y esta documentada en el álbum "En public aux Etais Unis D'Amerique" en noviembre de ese año. Para tal evento Francis Grand ya no estaba en la banda y el reemplazante Gerard Boule abandono a la banda semanas antes de la marcha al nuevo continente siendo substituido por Bernard Mathieu que se encargo de los vientos. El anhelo de exhibir su música en "el país de las oportunidades" motivo además la obsesiva idea de grabar algún recital como testimonio de su recorrido. El tour tuvo repercusiones en la prensa francesa la cual difundió el éxito de los Etrons en las publicaciones especializadas. Las tocadas en si muestran a la banda en todo su esplendor, ejecutando frenéticamente temas de sus primeros trabajos y nuevas composiciones, también expusieron material espontáneo de gran calidad, este percibible ya en el documento grabado con "Ida trop hard", que parece ser un fragmento no grabado del Soft Machine "Third". El estilo de Mathieu también aporta nuevo material excelente, como en "Rose" y "Et puis", y colaborando en jams como en "Binet d'eau chaude". Sin duda la gira resultó exitosa y él público gabacho apreció en verdad al grupo recibiendo de este una lección de buena música lejos del AOR típica que se escucha en ese país de poca cultura musical.
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Fille qui Mouse 
Trixie Stapleton 291: Se Taire pour una Femme Trop Belle (1971) 
Por HLT

Otra de las obras reeditadas por el sello Futura Records para su "RED series, musiques rock & pop" y otra de las bandas representativas de la vanguardia subterránea parisina liderada por Henri Jean Enu. Me resultó un álbum inquietante, estimulante, movilizador, provocador de muy diversas sensaciones, entre ellas la angustia. Hay segmentos que arrastran mi imaginación hacia una hipotética banda de música de una imaginaria obra cinematogáfica que cruza la nouvelle vague con la psicodelia. La obra esta absolutamente balanceada y sin embargo es sorprendente a cada paso,incluso el sorpresivo e interrupto final. Describir la música es dificultoso. Evidentemente formados en la escuela del jazz, se sumergen definidamente en la psicodelia sin proponerse fronteras, fracciones de electrónica, relatos despojados, insinuaciones a la música concreta y absorbentes jams forman parte de esta obra imprescindible. Anteriormente publicado con diferente edición por Spalax y Mellow.
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Heldom 
Electronic Guerilla (1974) 
Por HLT

En el mismo año en que abandona su doctorado en filosofía en la Sorbona el eje central y unico protagonista permanente de Heldon, frecuentemente el único, publica la primera de sus obras musicales. Richard Pinhas no ha hecho ningún esfuerzo por ocultar la influencia que Robert Fripp ha tenido en su obra, y tal vez en parte por esta actitud de honestidad intelectual es que su música ha sido siempre creíble. Por supuesto hay que decir que las estructuras musicales presentadas por Fripp en sus álbumes con Brian Eno, se encuentran como una referencia casi constante en “Electronic Guerrilla” y los timbres sonoros rememoran permanentemente la audición de “No Pusifooting” o “Evening Star”, sin embargo todo esta cuerpo musical es tomado por Pinhas como una materia prima para generar su propia y personal obra. Heldom presenta un cariz más agresivo, probablemente más visceral y una variante de sonoridad más electrónica que la de la experiencia británica. La mayor parte de los temas está interpretado por Pinhas como solista utilizando un sintetizador AKS y una Gibson Les Paul del ’57, teniendo como colaboración a Alain Renaud en guitarra en “Northernland Lady” El contexto del álbum es fracturado por la presencia de “Ouais Marchais, mieux qu’en 68 (ex Le Voyageur)” un tema que cuenta con la participación de una banda, con la intrigante voz de Gilles Deleuze y la compañía instrumental de George Grumblatt en VCS3, Patrick Gauthier en piano y VCS3, Coco Roussel en batería y Pierrot Roussel en bajo. Los textos pertenecen a Nietzsche (años más tarde al retomar su actividad como filósofo, Pinhas nalizaría las relaciones entre es escritor y la música). Se trata de lo más análogo a una estructura de rock que se puede escuchar en esta muy recomendable obra. El álbum está dedicado a Robert Wyatt, aunque no debe esperarse concordancia musical alguna con la obra del héroe canterburyano. El sello Cuneiform a publicado este álbum junto al tercer disco, "It's Always Rock and Roll" en un doble cd.
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Heldom
Allez Teia (1975) 
Por César Inca

Para el segundo proyecto discográfico de Heldon, Richard Pinhas reclutó a George Grunblatt como un firme colaborador en mellotron, segunda guitarra y sintetizador adicional; también contó con la ocasional participación de Alain Renaud en guitarra acústica, y Alain Bellaiche en el bajo. Sin una sección de batería, los instrumentos encuentran un espacio más amplio para ejecutar densas e intensas texturas eléctricas, sobre las cuales se extienden alucinados solos de guitarra de una tendencia claramente inspirada en los cánones establecidos por Robert Fripp en sus discos a dúo con Brian Eno. Éstos son los delineamientos seguidos en los temas “In The Wake Of King Fripp” (título a modo de tributo no demasiado sutil), “Omar Diop Blondin” y “Michel Ettori”. Hay otros temas, específicamente “Fluence” y “St. Mikael Samstag Am Abends”, donde la presencia exclusiva de teclados electrónicos sirve para edificar ambientes oscuros y ‘casi minimalistas’, que no por ser aparentemente reposados dejan de transmitir una sensación de abierta tensión: aquí podemos ver una fuerte influencia de los grupos germanos basados en los teclados (como Tangerine Dream o Cluster). Intercalados entre estos ejercicios de psicodelia visceral, encontramos un par de temas de corte pastoral, hermosos e introspectivos, interpretados a dúo de guitarras acústicas (“Aphanisis” y “Moebius”), los cuales sirven como peajes de descanso momentáneo para el oyente. En fin, aquí tenemos un disco bastante variado, básicamente una colección de pasajes instrumentales compuestos y arreglados a partir de diversas vertientes musicales; pero es en los temas de inspiración frippiana donde se concentra la mayor dosis de atención y elaboración de parte de Heldon.
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Heldom
It's Always Rock and Roll (1975) 
Por HLT

Pinhas y su banda continúan la tarea de exploración de los paisajes electrónicos ya característicos. Más rítmicos que Fripp & Eno, más accesibles que Cluster y sin concesiones igual que los anteriores. Con un título que inevitablemente se relaciona con el de un álbum de The Rolling Stones, inmediatamente se advierte que el la único lazo posible de establecer es la contraposición conceptual. Un disco doble que en la reedición de Cuneiform Records se une a Electronic Guerilla en un doble CD, presenta nueve temas de enorme densidad, con un enfoque casi industrial, con un desarrollo casi minimalista, con acercamientos al ambient y a los consabidos frippertronics, la guitarra de Pinhas repetidamente recurre a los timbres del Rey Carmesí, pero puede desarrollar desde los resonancias espaciales más apacibles a las sonoridades más violentas. Se trata de un collage musical lejano de las estructuras tradicionales del rock, aunque de cualquier manera lo sea.
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Heldom
Heldon IV (1976)
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Heldom
Un Reve Sans Consequence Speciale (1976) 
Por César Inca

Richard Pinhas, en el quinto disco de Heldon, se codea con el baterista / percusionista François Auger, y también con Patrick Gauthier, a cargo de algunos sintetizadores adicionales, además de contar con la participación incidental de los bajistas Didier Batard y Janick Top. Aquí el ‘invitado estrella’ es el primero de los mencionados, por lo que la sección rítmica adquiere un protagonismo mayor al que se podía encontrar en cualquiera de los trabajos previos de Heldon. El sonido aquí le pone mucho énfasis a las secuencias de sintetizadores y estructuras rítmicas tribales, las cuales sirven para edificar un cimiento sonoro bastante agresivo; esto obliga a que los juegos de guitarras eléctricas y efectos de sonido se tengan que expandir de forma más frontal y violenta. Toda la parafernalia psicodélica de inspiración frippiana y germánica, de la cual bebe el Sr. Pinhas, debe aumentar sus decibeles y contener lo menos posible la inmensa fuerza expresiva que caracteriza a las composiciones de Heldon. En este sentido, son los temas “Marie Virginie C.” y “Toward The Red Line” los más emblemáticos (y también los más extensos) de este disco, tomado en su conjunto. Lo mismo encontramos en otros temas menos prolongados, como son “Perspective IV Ter Muco” y “MVC II”. También merece una mención especial “Elephanta”, tema compuesto por Auger: se trata de un hipnótico ritual de ocho minutos y medio de duración donde la batería y una serie diversa de instrumentos de percusión asumen el protagonismo, y el sintetizador Moog de Pinhas es utilizado para añadir texturas percusivas. En suma, tenemos aquí un disco bastante compacto, donde se muestra de forma más directa (y si cabe decir, más ‘rockera’) la personalidad visceralmente oscura de la música de Heldon.
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Heldom
Interface (1977)
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Heldom
A Dream Without (1978)
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Heldom
Standby (1979) 
Por HLT

El último álbum de Heldon es una verdadera aplanadora. Pinhas y su troupe desarrollan aquí algunos de sus costados más "pesados", rítmicos y oscuros. La base rítmica conformada por Auger y Gautier aportan los cimientos sobre los que se construye el resto de la elaboración musical con el arsenal de teclados ejecutados por Gauthier y Pinhas y la guitarra del líder de la banda esta vez t'imbricamente algo más lejos de las guitarras frippianas en la mayor parte de las intervenciones. El álbum presenta solo tres temas. En los más de catorce minutos de Stand Bay los cambios rítmicos que se suceden son solo una excusa para la mayor y mayor intensidad en la que se despliega una furia musical que no por agresiva deja de ser puntillosa y ornamentada. En "Une drole de journée" la introducción rítmica que rememora al Tangerine Dream post Phaedra pronto se abre a una sesión de fusión pletórica de matices electrónicos. Bolero transita a lo largo de sus casi veitidós minutos y sus ocho partes (Apprehension, Bolero proprement dit, Recognition, Repetition, Rote Armee Fraktion, Production, Distribution, Deterrioration), diferentes aspectos de alternante raíz frippiana, cósmica berlinesa y hasta pop electrónica con abundantes sonidos espaciales montados sobre teclados y guitarras de acción casi percusiva y el ahora delicado tandem Auger - Batard. No falta en la segunda parte un motivo rítmico que da sentido al título del tema. Sobre la mitad del tema se inicia una escalada sutil pero resoluta liderada por la guitarra alternando la posta con los teclados. Absolutamente recomendable.
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Horrific Child 
L’Etrange Monsieur Whinster (1976)
Por HLT

Otro más de los diversos grupos fantasma producidos por Jean Pierre-Massiera (Visitors, Atlantide, Human Egg, etc). En este caso Massiera construye la banda sonora de un film inexistente. Solo tres temas componen el disco que apenas supera la media hora de duración. En el primero de ellos, Frayeur se percibe un clima de permanente suspenso, terror y oscuridad en el que abundan los efectos de sonido, relatos, jadeos, gritos, pasos, resonancias electrónicas, ambientaciones sonoras urbanas y rurales que acompañan a una historia de pesadilla que desde el influjo sonoro podemos imaginar. La música, en el sentido convencional del término, tal como lo hace en una película, aparece de a momentos marcando determinadas situaciones, pero la estructura general del tema evidentemente no la contempla como un componente principal. Esbozos de orquestaciones y algunas sonoridades floydianas inciden tímidamente en un recurrente amago de inicio de la sección musical. El segundo tema, llamado Angoisse es un pastiche en el que aparecen canciones tribales africanas entre referencias a Pink Floyd y a Yes. Incluso durante unos segundos hay una cita a Relayer demasiado cercana para ser casual. H.I.A. (Horror Indescriptible et Acumulée) es el tema final, una suerte de relato acompañado de batería y órgano. La portada, bastante coherente con el contenido musical del álbum nos muestra al protagonista enfundado en su armadura y apoyado sobre un cráneo humano rodeado de reptiles y vampiros. En la parte inferior una advertencia desaconseja su escucha a las personas sensibles. La contratapa remeda a un antiguo prospecto de fármacos. Se trata más que nada de una curiosidad y un objeto de búsqueda de los coleccionistas más que de una obra musical de valor artístico.
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MAGMA

por Joe Rocker

Magma es un grupo que ha venido para transportarnos a espacios intergalácticos, en un Rock que evoluciona las ideas y los preceptos, enfrentando un movimiento construido en dimensiones y contextos extraordinarios para eliminar toda resonancia de matices convencionales. Comprender, captar y asimilar estas propuestas, requiere de una disposición completamente abierta, objetiva y concentrada, ya que la esencia musical que provocan sus interpretes, resulta una increíble fantasía. La actitud de la música de Magma surge de la conciencia de que vivimos un tiempo en el que se presta mucha atención a todas las expresiones de arte popular y trabajan activamente por el re-descubrimiento de una "nueva conciencia". Los miembros de Magma están en contra de una visión del mundo que reduzca a la persona a un simple observador impotente, con su dignidad creativa reprimida y su libertad coartada. Están en contra también de las formas de vida imitativas cuyo reino es una suprema mediocridad. Sin embargo Magma no olvida lo tradicional, pero con la idea de que hay que hacer presión para que la imaginación se libere, particularmente en los medios de comunicación contemporáneos. Magma fue integrado en París en 1969 por Christian Vander, un extraordinario baterista que había tocado con gentes de la talla de: Chick Corea, Dave Holland, Grachan Monchur III y John Hicks. En ese entonces al grupo lo conformaban 12 elementos: una sección de vientos, 2 bajistas (eléctrico y acústico), 2 cantantes femeninas, una tecladista, 1 percusionista, 1 guitarrista y 2 músicos más (efectos, ruidos, etc.). Magma en términos geológicos es la materia incandescente que se encuentra bajo la corteza terrestre; el grupo intentaba funcionar en base al espíritu, ya que les proporcionaba una profunda inspiración. Esto alimento la imaginación de Vander, para hacer surgir una nueva música de compases extraños e inesperados y un nuevo lenguaje al que denomino "kobaiano" ; utópicamente hablado en el planeta Kobaia donde los nuevos conceptos algún día podrán florecer y donde un nuevo hombre (Univeria Zekt), podrá encontrar nuevas energías que le permitan desarrollar sus capacidades al máximo.
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Magma
Kobaïa (1970)
por HLT

Liderada por el inefable Christian Vander, Magma desarrolla una obra conceptual que se extiende a lo largo de varios álbumes. La historia del planeta Kobaia, de su civilización y de su relación con los habitantes de la Tierra comienza en este disco. El oyente debe estar advertido de que las liricas están en cantadas en Kobaiano, el idioma de esta civilización y de que la musica de Magma corresponde también a una civilización que se encuentra culturalmente más evolucionada que la terrestre. La coninacion de trabajos vocales dignos de Carl Orff y de una fusión de jazz y rock, intrincada, agresiva, ampulosa, atrapante y siemre impecablemente ejecutada hacen el sello del estilo que Magma introduciría y sería llamado Zehul. Este primer capitulo se desarrolla en álbum doble en el que se narra la migración desde la Tierra de los futuros habitantes de Kobaia, la instalación en el nuevo destino, el desarrollo de una nueva sociedad y de su armonía con el medio ambiente. En la segunda parte una nave terrestre extraviada es rescatada por los Kobaianos. Sus ocupantes se sorprenden del avanzado desarrollo de la sociedad de Kobaia y relatan el triste destino al que ha arribado la sociedad terrestre. Se organiza una misión para visitar la Tierra. Desde el punto musical se ha tratado de emparentar la música del álbum con la de otros desarrollos que tengan como componente al Jazz: el Canterbury , la fusión norteamericana o los trabajos de Sun Ra, pero más allá de algunos puntos de contacto es evidente un desarrollo propio, marcado por la ausencia de concesiones y la aventura musical. Un marcado trabajo rítmico en el que la contundencia de Vander Y Moze no cede jamás. El aporte del piano de Cahen brinda un enorme dramatismo que subraya el aportado por la alucinante voz de Klaus Basquiz. Muy buen trabajo de guitarra tanto eléctrica como acústica, aunque en ocasiones opacado por la enorme preponderancia que tienen los vientos, que por otra parte son de una contribución brillante. En los momentos en que se ofrece una labor contrapuntistica de los vientos y guitarras es cuando la obra alcanza sus momentos de mayor brillantez. La musica de Magma estimula las emociones y éstas son siempre intensas, las escalas son llevadas a extremos angustiantes y las resoluciones son variadas y siempre interesantes, los pasajes cantados son de logrado dramatismo y los pocos tramos reposados son de una extraña dulzura. Vander Refiere haber compuesto Kobaia en base a las emociones provocadas por la muerte de John Coltrane.
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Magma
Kobaïa (1970)
por Joe Rocker

Su primer trabajo como grupo se resuelve en un álbum doble titulado
simplemente "Magma", que inicia la increíble fantasía. Este disco aparecido en 1970, descubre nuevas concepciones artísticas, nunca antes hechas por nadie y cantadas en la lengua kobaiana. La idea se enfocaba a una historia que principiaba narrándonos las aventuras de un gran número de personas en la Tierra quienes fastidiados de la degradación humana, deciden construir una nave espacial, para abandonar la Tierra en busca de un lugar donde comenzar una nueva existencia. Tras vencer grandes dificultades, logran escapar del control terrestre; para iniciar un pesado viaje que los lleva a un planeta al que ellos bautizan como Kobaia. Ahí muy lentamente comienzan a construir una nueva sociedad dirigidos bajo la sabiduría de Nebehr Gudahtt, quien les enseña las formas correctas para utilizar la energía y la comunicación, misma que los hace alcanzar y perfeccionar una armonía y tecnología con la naturaleza.
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Magma
1001° Centigrades (1971)
por HLT

La misión arriba a la Tierra. Allí relatarán la experiencia de la civilización de Kobaia, los principios filosóficos por los que se rigen y los avances sociales que disfrutan. Los visitantes son apresados en la Tierra, pero son liberados al sufrir los captores la amenaza de utilización de un arma destructiva. Finalmente los Kobaianos son liberados y regresan a su planeta. Se trata de tres largas composiciones. El trabajo de voces de Basquiz es algo más moderado que en el anterior trabajo. Hay cambios de miembros en la sección de vientos, pero estos no afectan al lucimiento de la banda. Las teclas se enriquecen con el aporte del piano eléctrico. Es una enorme pérdida la ausencia de guitarras en el álbum. La primera y más larga de las composiciones, perteneciente a Vander se ubica más en el estilo del primer álbum, con un sonido considerado característico de Magma con intensos cambios rítmicos, que igualmente dejan lugar para el repetitivismo y las escalas ascendentes, las voces orffianas y el opulento dramatismo. Las otras dos composiciones pertenecientes al saxofonista Lasry y al pianista Cahen, son también de la característica complejidad aunque más pobladas de puntos de contacto con el jazz experimental. Para mi gusto personal esta obra es menos apetecible que el álbum debut y el Mekanïk Destruktïw Kommandöh.
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Magma
1001° Centigrades (1971)
por Joe Rocker

La historia es -cortada-, hasta que en 1971, aparece su segundo álbum titulado "1001 Centigrade", que continua la fantasía bajo unamusicalidad igualmente enigmática."....Años después de haber desarrollado una civilización avanzada, una extraña nave tiene dificultades orbitales alrededor de Kobaia, por lo que es rescatada inmediatamente por los kobaianos, salvando a sus tripulantes de una muerte segura.Los asustados sobrevivientes resultan ser terrícolas, quienes narran los esafortunados desastres ocurridos a la humanidad por su incapacitada conciencia de vida. Como quedaran impresionados por ello -los kobaianos- no saben que pensar, hasta que los terrestres viendo el avance armónico del planeta deciden pedirles que viajen a la Tierra para propagar la esencia de su Filosofía y organización social. Después de mucho analizar la situación un grupo de kobaianos [junto con los terrícolas] aceptan viajar a la Tierraen plan de misioneros para enseñarles lo que les interesará o necesitarán.La misión kobaiana desciende a la Tierra, con un recibimiento efusivo y amistoso; tanto el personal k, como su nave, maravillan a todo mundo. Sin embargo cuando se entrevistan con las Autoridades, y al declararles que necesitan de una purificación universal que los salve de sus catástrofes, estos son arrestados y su nave confiscada....."Nuevamente el relato queda cortado y el concepto, paralelamente con la música causa revuelo a nivel "underground", ya que Magma se proyecta someramente y con un lenguaje que nadie entiende.
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Magma
Univeria Zekt-The Unammables (1972)
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Magma
Mekanïk Destruktïw Kommandöh (1973)
por HLT

La Tierra parece condenada a la autodestrucción. Nebehr Gudahtt uno de los individuos que conserva la memoria de la visita Kobaiana a la Tierra, predica que la unión espiritual con el ser supremo Kreuhn Kohrman es el único camino a la salvación. Como es de suponerse este mensaje es inicialmente rechazado par luego aceptarse paulatinamente. Nos encontramos ante el tercer movimiento del Theusz Hamtaahk (periodo que transcurre entre la visita de los Kobaianos y la iluminación). Sin embargo hasta este momento no había noticias de los dos movimientos anteriores (Más tarde aparecerán 'Wurdah Itah' en 1974, y 'Theusz Hamtaahk' en 1980 en 'Retrospektiw 1&2'). Se trata de la obra que Vander cita como su favorita (y es también mi preferida). Es notable que las voces adquieren una enorme preponderancia. Basquiz en su mejor perfomance se acompaña de un coro femenino que visita las tonalidades más altas con voces operísticas, repetitivas, intensas y muchas veces desgarrantes. Sin embargo este predominio de voces ocurre en un contexto de enriquecimiento instrumental con la incorporación de teclados, concretamente el órgano, la reintroducción de la guitarra, que cumple un rol de sonido cordial junto a las flautas y ocasionalmente el piano, que compensan el clima marcial, tenaz y acometedor de la obra. Las escalas se desenvuelven no hacia una resolución convencional sino a la saturación y a un estado de éxtasis repetitivo. Una obra enorme y altamente recomendable.
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Magma
Mekanïk Destruktïw Kommandöh (1973)
por Joe Rocker

Pero al parecer el tercer álbum, hasta el año de 1973, bajo el nombre de "Mekanïk Destruktïw Kommandöh", la historia que se había concebido para 9 discos, muestra su parte final. ".....Al ser capturados, los kobaianos alcanzan a transmitir un mensaje a su planeta, en donde se organizan las operaciones de rescate. La alternativa a que llegan los altos jefes de Kobaia es obligar a las autoridades terrestres a devolver a los prisioneros k o de lo contrario estarán en condiciones obligadas de destruir al mundo con el Arma "Ultimátum K",.....con-llevando el terrible "Mensaje Apocalíptico" del Profeta Nebehr Gudahtt, quien es secundado en todo momento por el temible < Zebëhn Straïn Dë Geustaah" (ampliamente conocido por nosotros como Christian Vander). Ante esta situación, los ya decadentes terrícolas y sus actitudes estúpidas, dejan en libertad a los kobaianos, mientras el profeta Nebehr
Gudahtt....exclama que la humanidad es humillante, vulgar, cruel y ciega....y perdona al planeta entero. A la vez que los kobaianos toman la determinación de no volver jamás a la Tierra, aunque su llegada quede como un recuerdo imborrable en todo el mundo..."
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Magma
Mekanïk Kommandöh (1973)
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Magma
Wurdah Ïtah (1974)
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Magma
Köhntarkösz (1974) 
por Joe Rocker

Para 1974, aparece "Kohntarkosz", un álbum que se distingue por contener un "homenaje" a John Coltrane, músico tradicional y a la vez revolucionario del Jazz, que tanto inspiraba a C.Vander desde sus primeros años. También contiene una extraordinaria composición de Jannik Toop intitulada "Ork Alarm", extremadamente opresiva y no apta para paranoicos, y la pieza que da nombre al disco Kohntarkosz, donde escuchamos una voz etérea de Stella Vander. A estas alturas el grupo había conseguido llamar la atención en elites a nivel mundial y entre la gente joven que buscaba nuevas propuestas y alternativas en el Rock-Prog, ya que se gestaba el movimiento en forma fenomenal, un privilegio de completa integridad.
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Magma
Live-Hhaï (1975)
por Joe Rocker

En ese mismo año y debido a las constantes giras del grupo por Europa que tuvieron gran aceptación, deciden realizar un álbum doble en vivo que fue grabado en el Teatro Olympia de París, que refleja el talento que cada uno de los músicos ha cultivado por méritos propios en un dejó de superación e inspiración. El álbum titulado "Magma Live" 1975, ha tenido un buen recibimiento, lo que hizo que la Cía. disquera lo distribuye en los E.U., apoyarlo más en publicidad y promoción masiva.
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Magma
Üdü Wüdü (1976) 
por HLT

Un álbum en el que predominan los temas cortos y las responsabilidades compositivas compartidas. El que da el nombre al álbum es una pieza bastante liviana con reminiscencias latinas y un deagradable ritmo computado. "Weidorge" intenta retornar a la habitual altisonante solemnidad y presenta un exquisito contrapunto entre los teclados que lleva a una tensión creciente que alcanza el final del tema. Paganotti y Gauthier usarán este nombre en su próximo proyecto, (comentado más adelante por Joe Rocker) . Los sintetizadores buscan el protagonismo, mientras los bronces y las voces intentan vanamente no quedarse atrás en "Troller Tanz". "Soleil d'Ork" presenta aires orientales, que van siendo invadidos por sonidos cuasi biológicos, aunque el tema parece no resolverse. Como en gran parte del álbum es el bajo de Paganotti quien se lleva los laureles. Es en “Zombies” donde entran en un clima de alta intensidad y oscuridad, con fuerte presencia de las percusiones y del piano y por fin en "De Futura" es donde se sumergen un un tema extenso con mayores posiblidades expresivas, cambios rítmicos siempre intensos, alcanzando los mejores momentos del disco, aunque bastante lejanos a los de sus mejores obras.

Magma
Üdü Wüdü (1976) 
por Joe Rocker

El siguiente álbum aparecido en el año de 1976, lleva por titulo "Udü-Wüdü", mismo que desgrana una incontenible música vanguardista que resume varias incursiones o ramas de este arte. En realidad Magma que viene siendo totalmente dirigido por Christian Vander, que acoge en este disco como en los anteriores sus principales puntos de vista respecto a la intelectualidad, el espíritu y la energía, encauzadas a proponer un sistema cotidiano de mayor relevancia y pureza, aunque en algunas composiciones se nos deja liberar por medio de macabros y extraños sonidos. También retrata un virtuosismo bastante cualitativo, que han originado que varios críticos europeos viertan conceptos positivos respecto a ellos. El personal viene tan variado como siempre ha sucedido en el grupo, ya que constantemente los elementos entran y salen periódicamente, sin alterar la calidad u originalidad que Magma ha impuesto a través de estos años de Rock-Jazz quizá inclasificable.
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Magma
Inedits (1977)
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Magma
Attahk (1978) 
por Ramón Sellares

Excelente álbum de la legendaria formación francesa que, liderada por el inconmensurable batería, compositor e ideólogo Christian Vander , consiguió sacudir el mundo de la música a principios de los setenta con una compleja mitología futurista basada en la historia del planeta Kobaia y sus habitantes . Así, con unas estructuras musicales inclasificables y un idioma propio, Magma crearía su propio estilo la "Zeuhl Music". Aquí Vander y compañía narran las aventuras de Gorgo y Ourgon, repelentes personajes que se nos presentan ya en la magnifica portada a cargo de H.R.Giger, artista muy conocido tanto por los amantes del rock progresivo ( "Brain Salad Surgery") como por los aficionados al cine de ciencia ficción ( "Alien" ). En "Attahk" la música se adentra mas profundamente en el terreno del jazz-rock que en el pasado, lo cual la hace mas accesible nuestros oídos "terrícolas". Hace ya cinco años desde aquellos coros apocalípticos de su obra maestra, el imprescindible "Mekanik Destruktiw Kommandoh", y no se pueden repetir las mismas formulas. No obstante en absoluto podemos hablar de un producto comercial, eso es imposible teniendo en cuenta el estilo de la banda. Con una gran producción y mejor sonido que trabajos anteriores, se parte como siempre de una base rítmica espectacular y muy compleja ( a veces incluso suenan dos bajos) . Y con el trabajo vocal que hace de lo grotesco arte de Klaus Blasquiz y su apoyo coral, van transcurriendo temas tan trepidantes como "The Last Seven Minutes " , "Lirik Necronomicus Kant" con su bella introducción "Rindë", la descriptiva "Maahnt" y "Nono". No tan destacables son el ¿¿gospel kobaiano?? "Spiritual"; y "Dondaï", corte supuestamente romántico. Aunque son de agradecer algunos respiros a tanta acción. Si no habéis escuchado nunca a estos geniales franceses, este es un buen inicio para introducirse en su mundo. Aunque os aviso, si lo hacéis mas vale que os preparéis para ver la cara de la gente a vuestro alrededor escuchando los eructos que aparecen en el quinto corte,"Maahnt". Solo por eso ya vale la pena.
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Martin Circus
En Direct Du Rock 'N' Roll Circus (1969)
Por Joe Rocker

Desde Francia llegó este estrambótico quinteto y posteriormente sexteto de finales de los 60s y de nombre Martin Circus con su disco debut en "Direct du R&R Circus" que trae 12 emotivas piezas ejecutadas con buena técnica y capacidad musical aunado a un sentimiento un tanto especial. MC grabó aproximadamente 6 discos elepés y otros tantos singles -pero- con este álbum "En Direct du Rock 'n' Roll Circus" nos dejaron constancia de que eran una agrupación de Early Prog y del cual entre-mezclaban estilos como el Rock-Pop "sofisticado" de letras penetrantes con voces en francés, aparte de ciertos tintes del Canterbury Sound en forma tenue, además se capta la vibra inequívoca del Underground Rock parisino y otro tanto del Comedy-Rock de alto rango que era excitante y muy freak por aquella lejana época. Este trabajo "En Direct du R&R..." para la edición digitalizada y remasterizada en CD por Mam Productions 1997 y con permiso para publicación del sello Magic Records nos ofrece 6 bonus tracks grabados en Estudio del año 1970 y de los cuales 4 temas son de su disco en Vivo 1969, más 2 rolas de un single todas ellas muy bien logradas y estructuradas. Este cd también contiene un booklet de 8 páginas en dónde viene parte de su historia, discografía y fotos de los integrantes. En cuanto a las influencias e inspiraciones musicales de MC es notorio percibir los influjos de Frank Zappa & The Mothers Of Invention y de Gong en primera instancia..., pero sin embargo la calidad y estilización de estos franceses los hizo diferentes y auténticos con composiciones propias en sus corrientes sonoras. También en algunos pasajes musicales me parece que andaban -circa- Colosseum pues se les aprecian ciertos acentos bluesy, jazzy & rock. Su flautista/saxofonista de apellido Pisani es muy versatil al tocar y su sonido con los instrumentos de viento puede tener algunos visos o guiños moderados con los de Ian Anderson (JT), con Didier "Bloom" Malherbe (Gong) y también con Dick Heckstall-Smith (Colosseum). Como había mencionado la influencia de Zappa/Mothers periodo 1966-1969 está presente en varias piezas del disco y le da cierto humor negro a la música de estos músicos-trovadores-freaky's-franceses en dónde sobresale su buen Comedy-Rock en temas como:"La 3ème -Ouverture-", "Tomahawk", "C'est pas D'La Soupe" y "La 3ème -Final-". Ya en la onda Gong -inicios- (Escena Canterbury) nos deleitan con rolas como "Barbe-Bleue", "Troika" y "Chanson pour un cadavre" (bonus) las que probablemente sean las más elaboradas de esa actuación en "Direct..." en un afamado night-club parisino. En cuanto a la Balada y Canción francesa con un pincelazo de Rock-Pop nos entregan dos "emotivas rolas" como lo son:"Tout tremblant de Fievre" la cual me fascina y por cierto que en algún pasaje me recuerda a algun efectivo tema de la banda argentina Alma Y Vida pues la voz en dicho tema es de cierta manera parecido a la tesitura vocal del tecladista y cantante principal Carlos Mellino. El otro temazo es la sensible pieza "Le Matin des Magiciens"... toda una gozada en la cual el respetable ovaciona en 2 o 3 ocasiones en plena representación. En lo tocante al Underground Rock se reventaron una de las rolas más movidas y de tintes Psych que lleva por nombre "Moi je lis les Bandes Dessiness" en la cual lleva un breve solo de flauta muy en la vena de Ian Anderson. Otra pieza a resaltar es la focal "Nos larmes tombaient" en la cual me hacen evocar al gran Colosseum -pero- sin Chris Farlowe en la poderosa voz. Pienso yo que Martin Circus y su música que abarcaba el Early Prog y otras combinaciones sónicas de su tiempo debieron de haber sido más conocidos -pues- la calidad, presencia y sensibilidad acompañaban en todo momento a está extravagante pero efectiva agrupación francesa. Bueno, al menos ahora se puedan conseguir algunos de sus trabajos en cd y eso me parece sustancial para así poder tenerlos en cuenta..., para quienes gustamos del Progresivo francés en sus inicios..
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Mona Lisa
L'Escapade (1974)
Por César Inca

Éste es el disco debut de Mona Lisa, que aunque era un sexteto a la hora de iniciarse las sesiones de grabación, quedó sin Solves como quinteto en la culminación. Producido por Jean-Michel Brezovar, el guitarrista de Ange, ‘L’Escapade’ exhibe un sonido áspero similar a ‘La Cimitière des Arlequins’ de Ange, y ciertamente, justifica en buen grado las comparaciones con la banda de Dechamps y cía., comparaciones que siempre incomodaron a Mona Lisa. Con todo, es justo señalar que, a pesar de que su estilo aun no está del todo curtido, se nota que la banda se siente cómoda en composiciones de largo aliento (tres de los seis temas duran más de 8 minutos), mostrando con ello unos patrones musicales más ambiciosos que los de sus “padrinos”. Esto permite un mayor campo de acción para la exhibición teatral del vocalista Le Guennec, tal como consta en Le Colporteur y Petit Homme de la Terre, en mi opinión, los mejores temas del disco. Una mención especial debe ir para el breve instrumental pastoral de entrada, Prelude a l’escapade, por su serena y cautivante belleza. La edición de Musea trae dos bonus tracks (Diableries y Les Vielles Pierres) muy acordes con el estilo de los temas oficiales del disco. 
Dominique Le Guennec: voz, flauta, saxo soprano, percusión.
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Mona Lisa 
Grimaces (1975) 
por HLT

Mona Lisa hace muy poco por evitar las comparaciones con Ange. Así como el grupo de los hermanos Decamps abre Le cimetiere des arlequins con un tema de Jaques Brel, ellos abren Grimaces con La Mauvaise Reputation de George Brassens. El álbum es prolijo en la instrumentación pero el protagonismo lo tiene la voz y el histrionismo de le Guennec. Reeditado en CD por Musea con un bonus de una grabación de "Maneges et chevaux de bois" (tema que también cierra la parte en estudio) en un show en 1978. Si bien este álbum representa un avance con respecto a su anterior obra, Mona Lisa nunca alcanzó niveles de excelencia. El álbum sonará agradable a los fans de la música de Ange.
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Mona Lisa 
Le Petit Violon (1977) 
Por HLT

Mona Lisa presenta claras influencias de Ange en lo musical y de Genesis en lo conceptual. Su cantante Dominique le Guennec aparece frecuentemente maquillado o disfrazado al estilo Peter Gabriel, incluso la máscara de Mr Grégoire, personaje protagónico de Le Petit Violon recuerda a la del King Cole de The Musical Box. La música presentada en el álbum es agradable, prolijamente instrumentada con elementos actorales que se perciben a través de la dramatización del canto ( en francés), aún no viendolos en escena, Es de notarse que frecuentemente le Guennec recita efusivamente en lugar de cantar para resaltar sus dotes teatrales. Habitualmente se habla de este álbum como de la mejor obra del grupo. Reeditado en CD por Musea en 1995 con información en francés e inglés.
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Mona Lisa 
Avant Qu'il Ne Soit Trop Tard (1978)
Por César Inca

La cuarta entrega de Mona Lisa es un concept-disc inspirado libremente en la novela "La Peste" de Albert Camus. Musicalmente hablando, no ofrece mayores novedades estilísticas respecto a los anteriores, pues continúan explorando en el rock abiertamente teatral de cierta inspiración genesiana y crimsoniana temprana: tal vez quepa destacar una producción de sonido más pulida. El ensamble instrumental sigue funcionando de manera muy integrada. Los pasajes de teclado, los poderosos solos de guitarra y la diversidad de instrumentos de percusión ayudan a crear un paisaje bastante colorido sobre el cual el cantante expone toda su pasión, sarcasmo y exaltación: mientras tanto, la firme base rítmica ayuda a la música a asentarse en los parámetros de cada canción. Cabe destacar la fuerza rockera de "La Péste", que no otorga descanso al oyente; los atractivos pasajes acústicos de "Léna"; y también las dos suites sinfónicas "Souvenirs De Naufrageurs" y "Créature De La Steppe", ésta última con un memorable final siniestro. Existe una buena proporción de fans de Mona Lisa que consideran a este disco como su favorito. En general, bastante recomendable.
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Mona Lisa
Vers Demain (1979)
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Moving Gelatine Plates
Moving Gelatine Plates (1970) 
Por HLT

Esta es la primera producción de MGP y ciertamente la mejor. Las influencias de Zappa y de los grupos de Canterbury están presentes aunque en algún menor grado que en en la siguiente producción. El álbum es a la vez complejo en su construcción musical y fácil de ser escuchado. Los frecuentes cambios rítmicos lo hacen entretenido. Es de destacarse el nivel de los instrumentistas. Si bién a menudo se habla de ciertas semejanzas con Magma, debe suponerse que al ser grupos contemporáneos y al haber compartido escenarios la influencia debe ser mutua. También se les atribuye tomar prestado algo de Gong, si bien esto es algo más creíble, de ninguna manera va en mora de la magnitud de MGP. Llegan al estudio luego de meses de haber tocado los temas en vivo, shows y festivales en los que compartieron escenarios con Gong, Zappa, Magma y Amon Dull II. Esta es seguramente el motivo por el cual un álbum grabado en seis días puede sonar así. Altamente recomendable. La edición en CD de Musea se completa con parte del disco "Moving" de 1980, en el que Didier Thibault hace lo que puede para refundar el grupo, pero la historia ya no es la misma, aunque toque con su compañero de Gong, el saxofonista Didier Malherbe.
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Mo Moving Gelatine Plates
The World of Genius Hans (1972) 
Por HLT

No puede decirse que el sonido de MGP sea absolutamente original. De hecho recuerda inmediatamente a Gong e incorpora elementos de Zappa y Magma. Sin embargo el disco es excelente aunque no fue exitoso en su momento. La música es divertida, de ritmos frecuentemente cambiantes, pletóricamente instrumentada. Para cantar eligieron el inglés, lo que explicaría parte de su fracaso comercial junto a la complejidad y cierta sofisticación musical. Fundamentalmente instumental con tramos de improvisación. La edición en CD de Musea viene con 5 temas del LP Moving (Los otros temas están en el CD "Moving Gelatine Plates" del 71).


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Moving Gelatine Plates
Moving (como Moving) (1980)
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Pataphonie
Le Matin Blanc (1979) 
por Joe Rocker

Trío francés de finales de los setentas. Su trabajo lleva el titulo de "Le Matin Blanc" de 1979 -aprox-. Todas las composiciones son de ellos: 4 de André Viaud (guitarra, efectos y guitarras preparadas), 4 de Pierre Demouron (bajo) , y 3 de Gilles Rosseau (batería, vibrafóno y percusión), que hacen un total de 11 temas y de los cuales -cuatro- son en Vivo, y dicho cd tiene una duración de {73:28}. El trío no mete voz salvo en el primer corte en dónde una corista desarrolla un cántico muy de fondo y cuasi operístico por breves instantes. Me llamaron mucho la atención ya que despliegan una gama de tonalidades sonoras muy extrañas, diversas y poco convencionales. Ya más adelante denotan cierta experimentación musical que por breves lapsos se convierte en improvisación.... pero que también toman en grande la vertiente de RIO music. Tienen excelente ejecución instrumental que los acerca al Sonido Progresivo de KING CRIMSON (setentas), principalmente por la técnica y sonido de la guitarra; pero a otros maestros que se acercan en forma vaga es a HENRY COW en algunos compases complejos. Otra impresión que me da es que desarrollan unas líneas melódicas un poco semejantes a HATFIELD & The NORTH, pero que al continuar tocando envuelven ese estilo con lúgubres atmósferas de Sonidos muy Subterráneos para volver a caer sin previo aviso al más elemental RIO.Para mí PATAPHONIE es uno de esos tríos de música heterogénea que existen en los parajes más escondidos que conforman la línea fronteriza entre el Rock Progresivo y el RIO -amen- de que a la vez incursionan en la experimentación, y algunas otras corrientes poco protocolarias. ..."Disco imprescindible para los que gustan de alguno de los grupos arriba señalados".
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Pentacle 
La Clef Des Songes (1975)
por René Osnaya

Pentacle es uno de los grupos que mejor aprovechan el sonido Ange, siendo un poco más suaves y sinfónicos que Mona Lisa. Este álbum es producido por Christan Decamps y tal vez por eso sugiere la innegable similitud con Ange. El estilo del grupo es muy sinfónico y suave, esto se hace evidente en la suite de Le Raconteur de 10:42, los teclados son muy de fondo y crean texturas mientras que la guitarra y la voz son los principales instrumentos. Este es un disco de delicadas melodías, suave y sinfónico, bien hecho pero sin ser excepcional.



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Philipe Besombes 
Libra (1974)
Por HLT

Músico inicialmente influenciado por Pierre Henry y autor de obras para ballet y teatro, escribe este trabajo como banda sonora de la película avant-garde Libra. De hecho en el aspecto sonoro la película no muestra más que esta música. La combinación de sonidos electrónicos y gemidos humanos que abren con La Plague (y se repiten en “Ceremonie”) recuerdan al Zoolook de Jean Michel Jarré (músico con el que en algún momento colaboraría), pero estas sonoridades son interrumpidas por acordes bluseros que su vez se ven impedidas en su desarrollo por jugueteos electrónicos a veces sobre dinámicas bases rítmicas otras como única expresión sonora de un terreno desolado. En ocasiones que se repiten hay referencias inequívocas al sonido cósmico floydiano con larga notas de órgano sobre las que se apoyan letárgicos coros. Intercalados entre estos temas afloran otros en los que incluso la guitarra acústica lidera. Dentro de esta tónica, y ya tal vez un poco inducido por lo anteriormente comentado puedo decir que los vientos de “Bailade en Velo” parecen estar lejanamente inspirados en Unnmagumma. La electrónica suele ganar paso en varios tramos del disco, allí donde Besombes parece verse más cómodo para desarrollar un sonido propio. Sin embargo para remarcar lo heterogéneo de los recursos musicales empleados puede agregarse que Raggacountry es una justamente una raga cuyas percusiones y citar matizadas con disparos electrónicos se interrumpen intempestivamente con música disco o de Rock&Roll, o que “Hache 06” es un acercamiento al funk, bastante desconcertante en este contexto, que parece ser empleado como elemento de distensión en la obra. Para poder plasmar la obra Besombes trabajó con músicos de sesión, cintas, osciladores sintetizadores y todo elemento que un estudio de grabación podía brindar en 1974. Mio Records que en su reedición en CD del álbum completo originalmente editado por Tapioca, incluye material de las mismas sesiones de grabación como bonus tracks, ha reeditado junto a esta, otras dos obras de Philipe Besombes: Cesi est Cela (1972-1979) y uno de sus trabajos con Pole, agrupación que compartía con J.L. Rizet en la segunda mitad de los 70s. Libra es un álbum que ha recibido comentarios de todo tipo, de los más elogiosos hasta otros que casi lo defenestran. Debe decirse que es un trabajo casi híbrido de tan heterogéneo pero aún así seductor por el adecuado ensamble de las piezas que lo componen y por el buen trabajo de producción. Besombes además de la ya mencionada banda Pole participará mas tarde, a fines de los 70s en Hydravion.
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Pulsar
Pollen (1975)
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Pulsar
The Strands Of The Future (1976)
por César Inca

El segundo trabajo discográfico de Pulsar es (junto con "Halloween", el tercero) uno de los más generalmente aclamados tanto por los fans como por la crítica especializada. Es en TSOTF que este quinteto empieza a madurar y afianzar su estilo progresivo, el cual bebe indudablemente de la psicodelia floydiana de la época 73 - 75 y de los experimentos electrónicos de Tangerine Dream y Jean Michel Jarre (prestar atención a las envolventes capas de sintetizadores y mellotron que aparecen en varios momentos del disco), pero aún así le insuflan un sentido dramático y oscuro propio del rock progresivo francés, aunque no con la teatralidad propia de un Ange o un Mona Lisa, sino más bien tendiendo hacia una actitud más abiertamente melancólica y lánguida. Esto último se nota particularmente en el estilo vocal serenamente entristecido del guitarrista, así como en los pasajes acústicos de corte pastoral que aparecen de vez en cuando. Toda la diversidad de registros de que es capaz esta talentosa banda francesa se expresa a través de la extensa suite de 22 minutos de duración que da título al disco. El siguiente tema es "Flight", un breve aunque variado instrumental con una introducción y conclusión jazzísticas en medio de las cuales se ubica un hermoso pasaje sinfónico bastante romántico y etéreo. Los dos últimos temas, "Windows" y "Fool´s Failure" siguen por la vertiente abiertamente floydiana del álbum (la conclusión del último tema se inspira claramente en el final de "Welcome To The Machine"), aunque sin olvidar los aspectos propios que Pulsar supo otorgarle a la suite mencionada más arriba. En líneas generales, un disco bastante recomendable que refleja uno de los puntos más altos de la carrera de Pulsar.
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Pulsar
Halloween (1977) 
por HLT

Grupo erróneamente ubicado junto a Ange, Mona Lisa, etc. Pulsar se diferencia de ellos en poner la instrumentación por delante de las secciones vocales. Acusados de émulos de Pink Floyd, comparten con estos la capacidad de crear atmósferas oníricas con su música. Sin embargo en lo estrictamente técnico se desprenden de los británicos luego de sus primeros tiempos. En Hallowen logran una obra elegante, agradable, algo melancólica y oscura pero finamente instrumentada. Dividida en dos partes, a diferencia de sus dos primeras obras con letra en inglés sobre una historia de tono surrealista. Los músicos atribuyen el clima de la obra a la influencia que tuvo sobre ellos "Muerte en Venecia", el film de Visconti con música de Malher. El álbum salió a la venta en plena explosión del punk, lo que colaboró con la escasa difusión que recibió. Edición de Musea con cuadernillo informativo muy completo. No es un álbum excelente pero es bastante recomendable.
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Pulsar
Bienvenue Au Conseil D'Administration (1978)
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Richard Pinhas
Rhizosphere (1977)



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Richard Pinhas
Chronolyse (1978)
 


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Sandrose 
Sandrose (1972)
por HLT

Único álbum de esta banda francesa que desarrolla un rock sinfónico con ingredientes del jazz y del pop. Se destaca el amplio rango de capacidades del guitarrista y compositor Jean-Pierre Alarcen, con una virtuosa y delicada labor en guitarra eléctrica y capaz de entonar inmejorables melodías con la acústica. El tecladista Henri Garella, verdadero coprotagonista de la banda ofrece estupendos colchones con su primoroso Hammond y un placentero mellotron de rol destacado que hace las delicias de los entusiastas de este enraizado instrumento del genero progresivo. Nota aparte merecería la voz de Rose Podwojny, quien modula en algunos temas como una cantante de los 50s lo que da un toque casi kitsch a los tramos más cercanos al pop. Sin embargo en otros momentos se desarrolla un enorme histrionismo ofreciéndole a la banda un toque de dramatismo. Sin pretensiones de abrir nuevas fronteras para el rock es un álbum recomendable.
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Shylock 
Giarlogues (1976) 
por HLT

Lamentablemente Shylock quedó en la injusta categoría de grupo de culto. Este disco merecía un destino más popular. Es en mi opinión uno de los mejores discos producidos en Francia. Si bien se nota un acercamiento a Crimson, no deja de ser original. Muy bien ejecutado con equilibrio en el uso de los teclados (nunca suenan aparatosamente) y la guitarra (con muchas "escalitas" y riffs), sin estridencias pero con intensos cambios rítmicos. Tal vez la batería está demasiado en primer plano casi abusando de redobles y platillos, pero no llega a molestar. Puramente instrumental. Muy, pero muy recomendable. La edición en cd de Musea trae 5 temas grabados en el 81 por el guitarrista y el pianista.
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Shylock
Ile De Fievre (1978) 
por HLT

Los miembros de Shylock se retiran de la música durante el tiempo en que cumplen con el servicio militar, cuando regresan incorporan a un bajista: Christian Villena con quién no llegan a grabar. Cuando tienen la oportunidad de un segundo LP, cuentan con Serge Summa para tocar el bajo. Los resultados de esta nueva producción que llamaron Ile de Fievre contribuyen a la expansión del rock progresivo aunque está quién opina que se filtra por sus limites. El fundamental aporte del bajo ha sido otorgar absoluta libertad a la guitarra y a los teclados que ya no deben apoyar la base. Calificar de extravagante el disco es dudar injustamente de la intenciones estéticas del grupo y desconocer la belleza y complejidad de las composiciones. El sonido, la armonía, los ritmos, tienen códigos nuevos en esta producción. El bajista enriquece el aporte técnico del resto de los integrantes, que esta lejos de ser despreciable. Como nexos con el resto del rock progresivo siguen existiendo los puntos de contacto con Crimson (ojo solo puntos de contacto) Shylock compone una obra genial, reservándose el lamentablemente el destino de grupo de culto al ser tomado por icono del rock progresivo francés aunque no hayan recibido gratificaciones durante su existencia como grupo. La CBS abortó el proyecto del tercer álbum. Los miembros del grupo no aceptaron los condicionamientos de la compañía que requería un cambio de rumbo hacia terrenos más convencionales. Se separan en 1979, tal vez sonaban anacrónicos en la era New Wave. La excelente edición de Musea contiene un bonus de la última grabación de la banda en 1979 y un cuadernillo con abundantes datos biográficos.
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Spacecraft
Paradoxe (1978)
por HLT

El ex tecladista invitado de los provocadores Red Noise en su único álbum Sarcelles-Lochères, John Livengood y el guitarrista de Musica Electronica Viva, Ivan Coaquette presentan en Paradoxe los registros que habían acumulado en los años precedentes. Catalogado bajo los rótulos de música experimental, electrónica y ambient, ofrece largos viajes electrónicos con reminiscencias al krautrock berlinés (algunos los han comparado con Cluster) pero son manifiestas las notables influencias de los trabajos previos de Richard Pinhas y Heldom (no es de extrañarse que en los 90s Livengood dentro de su aparentemente inconstante carrera musical se una a Pinhas para grabar Cyborg Sally). Los resultados del álbum son muy satisfactorios aunque lamentablemente este dúo no realizó con posterioridad ningún otro trabajo. La edición en CD de Spalax contiene como bonus un temprano registro 11 minutos grabado por ambos en 1973.
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Red Noise
Sarcelles-Lochéres (1970) 
por HLT

El primer álbum de la banda que data de 1970 nos muestra una extraña combinación de psicodelia, jazz con importante contenido de improvisación y dadaísmo musical. Representantes del ala extrema de la vanguardia parisina de fines de los 60s y principios de los 70s, junto otras bandas tan demenciales como maravillosas como Fille qui Mousse. En el momento de la edición del álbum estaba integrados por su líder Patrick Vian en guitarra y voces, Jean Claude Cenci: en saxo, flauta y voces, Daniel Geoffroy en bajo y voz Philip Barry en batería y voz, John Livengood en órgano en órgano, Austin Blue en percusión. Algunos titulos son muy descriptivos: “Cosmic Toilet Ditty", “Caka Slow”, “Obsesión Sexuelle”. Nos ofrecen también un escatológico manifiesto antisistema en "Petit Précis D’instruction Civique”. Debo remarcar que solo una cosa no me termina de convencer de la banda y es una marcada presencia de muy heterogeneas influencias de abrazan el Pink Floyd de Barrett hasta Sun Ra, pasando por Zappa y Beefhart. Cuando se sueltan y son ellos mismos son simplemente excelentes. En lo personal he disfrutado muco sus psicodélicos jams. Un documento imprescindible del under parisino de principios de los 70s. Reeditado por el sello Futura Records para su "RED series, musiques rock & pop".
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Skryvania
Skryvania (1978) 
por César Inca

Talentosa y precoz banda francesa que se inició por la iniciativa de unos jóvenes que aún seguían estudios colegiales. Tras pasar dos años en presentaciones públicas, lograron grabar lo que será su único trabajo discográfico, siendo así que ninguno de los músicos había llegado a la veintena. Desafortunadamente, el estudio de grabación no carecía de un equipo técnico de nivel profesional, por lo que esta grabación oficial tiene el mismo sonido deficiente que ofrecería cualquier "bootleg" pirata. A pesar de esto, es posible detectar todas las virtudes inherentes al repertorio de Skryvania, el cual se enmarca en los patrones típicos del sinfonismo con una clara influencia de los Yes y Genesis clásicos. Largos temas llenos de cambios de ritmos, ambientes y acordes, con una participación vocal muy ocasional, lo cual permite darle un amplísimo espacio a los solos de guitarra y teclado. La presencia de bastantes momentos de clima reposado puede hacernos recordar a veces a Pulsar, pero a diferencia de éstos Skryvania se preocupa mucho por poner una buena dosis de agresividad rockera en su estilo sinfónico. La sección rítmica es bastante sólida, sin que el bajo deje de aportar bastante al aspecto melódico de los temas. El nivel de composición y arreglo de éstos es bastante complejo y parejo, destacando especialmente "Tristan & Iseult", "La Chateau d´Orphée" y la trilogía instrumental conformada por "Intro", "Epopée" y "Final". La edición en CD contiene algunos bonus tracks, consistentes en breves covers de temas del "Topographic Oceans" y del "Lamb Lies Down On Broadway". Un trabajo sumamente interesante, que sin embargo resulta eclipsado por su propia producción de sonido: aun así, recomendable.
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Taï Phong 
Taï Phong (1975)
por César Inca

Taï Phong debutó con su álbum homónimo en 1975, cuando ya el género prog sinfónico estaba en su máximo nivel de ebullición en el país galo. El origen de su nombre tan exótico se debe al origen vietnamita de sus dos co-fundadores, pero es tanto su locación como las vertientes de su estilo los que colocan a esta banda dentro de la historia del prog francés. Su estilo se decanta claramente por un recurso marcadamente melódico, inyectado con bastantes ambientes etéreos producidos por cortinas flotantes de teclado y retazos efectistas de guitarra (al estilo del Pink Floyd de WYWH), lo cual acerca a Taï Phong a sus compatriotas contemporáneos de Pulsar. Sin tener la especial genialidad de éstos, la banda logra crear climas emotivos de manera fluida. Esto se muestra de manera muy clara en ‘Fields of Gold’ y ‘Out of the Night’, dos de los temas más largos del disco: el primero comienza como una balada enmarcada en un ambiente notablemente sentimental, hasta que finalmente gira hacia un viaje sonoro hipnótico que se prolonga durante los últimos cuatro minutos; el último contiene una estructura más cohesiva, lo cual le permite al grupo realzar su herencia floydiana con un brillo más notable, permitiéndose así cerrar el disco con esplendor. Otro tema destacado es ‘For Years and Years (Cathy)’, el cual también exhibe una interesante riqueza progresiva similar a la de ‘Out of the Night’. El registro agudo del vocalista principal (Khahn) es aprovechado para capitalizar el gancho potencial de los momentos más rockeros del disco: ‘Goin’ Away’ y ‘Crest’, un tanto cercanos al mainstream de tenor glam, aunque ciertamente ambos temas mantienen unos interesantes cambios de ritmo. La balada ‘Sister Jane’, por su parte, muestra la faceta más complaciente de la música de Taï Phong, una faceta que en realidad es esencial, pues creo que es palpable que para el grupo lo progresivo no es tanto un estilo como una estrategia. En todo caso, esta estrategia les ha permitido crear algunas gemas en su debut.
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Travelling 
Voici La Nuit Tombee (1973) 
por HLT

Al escuchar esta banda que definitivamente representa una de las filiales extranjeras del Canterbury tuve una sensación similar a la que, salvando las distancias, sentí al escuchar por vez primera a los holandeses de Supersister. Hay una notable influencia de varias bandas del movimiento británico, particularmente Soft Machine, pero sin embargo estas referencias son tomadas como punto de partida para un desarrollo personal. Su cantante oscila entre modular para las melodías del a canción francesa y el acercamiento tímbrico y estilístico tan personal de Robert Wyatt, cayendo de a momentos en la mera imitación. Imagino que Yves Hasselman quien es además del dueño de la voz, un más que interesante tecladista tiene en su lista de favoritos no solo a Ratledge sino también a Keith Tippett y Sun Ra. Oscilan entre las formas propias del jazz y excelentes incursiones de fusión en las que la base formada por Jacques Goure en bajo y Roger Gremilliot en batería, se desempeña con ductilidad. Para mi gusto el saldo es favorable, aunque no pueda elogiar su originalidad.
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Triode 
On N'a pas Fini D'avoir Tout Vu (1971) 
por HLT

Liderada por el flautista Michel Edelin Triode presenta un trabajo puramente instrumental algo desparejo, con saldo satisfactorio, en el que se combinan temas con bases extremadamente simples para permitir la labor de la flauta, con otros que ofrecen estructuras más complejas y dinámicas que permiten apreciar un interesante trabajo armónico a cargo del resto de la banda. Igualmente aun en estos casos suelen transitar los senderos más accesibles de la fusión. De a momentos se puede apreciar también un encantador trabajo de guitarra a cargo de Pierre Cherez, quien se encarga de elevar los decibeles de la agrupación. El trabajo en flauta de Edelin es satisfactorio aprovechando todos los recursos del instrumento, aunque cayendo ocasionalmente en los lugares comunes tan propios de estos instrumentistas. El punto más bajo es en mi impresión una inncesaria versión de "Come Togheter" de The Beatles.
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Igor Wakhevitch
Logos (1970)
por HLT

El compositor avant-garde Igor Wakhevitch ha producido una obra difícil de clasificar. La composición contemporánea y la musica electrónica son áreas en las que es habitualmente distinguido, pero sin poder ser considerado un músico de rock en forma estricta, sus acercamientos a la música progresiva son innegables. Amante confeso de Soft Machine y con trabajos que después de la mitad de los 70s se acercan en algo a Tangerine Dream y Klaus Shultze, éste compositor que estudió junto a personajes de la talla de Terry Riley, Olivier Messiaen ó Pierre Schaeffer, y que en 1974 compuso una ópera llamada Etre Dieu para Salvador Dalí, realiza en 1970 su primer trabajo discográfico, una obra de difícil digestión para quienes busquen estructuras convencionales de rock pero que puede ser del agrado de los amantes de las formas más experimentales del rock, la música cósmica y el avant-garde. Se destaca dentro de lo presentado en el álbum un esfuerzo hacia el desarrollo de climas, dicho sea de paso, más espaciales que terrenales, y por otro lado decididamente tendientes a lo lúgubre. Para desarrollar la obra que fue compuesta para un ballet de Norbert Schmucki presentado en el Festival D' Avignon de 1970 Igor Wakhevitch, se vale del aporte una banda de rock de cierto éxito comercial llamada Triangle, de la participación de un coro y de sus trabajos con cintas magnetofónicas ("Sound Ritual For Pop Group, Mixed Choir & Tapes”). Sonidos electrónicos, coros hipnóticos, percusiones machacantes intervienen en forma conjunta o a veces aislada como cortinas que se despliegan. El temple general de la obra es parsimonioso, pleno de sensaciones oníricas que de a momentos se quiebran con breves pasajes en que la música parece incursionar en ritmos tribales (“Homo Sapiens Ignorabimus”) y en algunos tramos en los que se insinúan estructuras más asimilables al rock (“Danse Sacrale”), situaciones que irrumpen conservando la atmósfera luctuosa que caracteriza a este trabajo.
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Igor Wakhevitch
Docteur Faust (1971)
por HLT

Igor Wakhevitch presenta Docteur Faust, su segundo trabajo discográfico, en 1971 a muy pocos meses más tarde de haber sido editado Logos. Quien vea la portada del álbum, bizarra y propia de una historieta sesentista, poco podrá prever del sorprendente contenido musical. Pasajes recitados, percusiones tribales que se alternan con tramos decididamente roqueros, incluso de a momentos, de notable inclinación psicodélica, pueden ser interrumpidos por orquestaciones que manifiestan su relación con la composición contemporánea, el minimalismo y la música concreta. Como también lo hiciera en “Logos”, la banda de rock Triangle, participa de la grabación. Los arreglos corales virulentos y demoníacos se alternan con un discurso del Papa Pablo IV, a su vez interrumpido por una impresionante, y chocante, ráfaga de sintetizadores. Contrastes como este, abundan en la obra. En Docteur Faust, donde también la música electrónica convive con el free jazz, y el rock aparece en sus facetas más experimentales, todos estos componentes, lejos de conformar un trabajo heterogéneo, resultan de una absoluta coherencia. Evidentemente un mérito más de este asombroso trabajo. Se ha editado una caja de seis CDs llamada “Donc...” en la que se recopilan recopilan todos los trabajos de los 70s de Igor Wakhevitch excluida la ya comentada colaboración con Salvador Dalí.
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Igor Wakhevitch
Hathor (1973)
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Igor Wakhevitch
Etre Dieu (1974)
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Igor Wakhevitch
Les Fous D'Or (1975)
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Igor Wakhevitch
Nagual (1977)
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Igor Wakhevitch
Let's Start (1979)
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Weidorje
Weidorje (1978)
por Joe Rocker

Ex-integrantes de Magma, Heldon, Cruciferius entre otros, componen a este grupo francés que estuvo muy en la vía de Magma (sobre todo), Zao y otro poco quizá de Ergo Sum, ya que dicha influencia es muy marcada. Y desde luego Weidorje orienta su música en la corriente Zeuhl, y hacía la fusión del Jazz-Rock demasiado evolutivo. Las sensaciones que me produce está música tan compleja como bien ejecutadaes algo así como: que uno se encuentra a muchos años luz de la Tierra, inmerso en una civilización super-avanzada (no necesariamente estamos en el planeta Kobaia) y en donde se observan "flotar" o pasar lentamente varias naves intergalácticas de ese gran Imperio. Siguiendo con el alucine podrían imaginarse edificaciones tipo "imperio romano" pero construidas con una tecnología muy sofisticada; más algunos jardines colgantes con fuentes que contienen líquidos de colores muy hermosos, grandes monumentos -así- como estatuas gigantescas entre muchas cosas más. Eso tan sólo es en el aspecto imaginativo, ya que en el musical... uufff que les puedo decir, el excelso bajista y baterista son una aplanadora de ritmos y cambios espectaculares que hacen que las rolas nos mantengan vibrando todo el rato. Los 2 tecladistas también resultan bestiales en todas sus intervenciones (hasta en las partes más tranquilas), el guitarrista con una buena técnica mete los riffs exactos en su parte de lucimiento (que son pequeñas por cierto), para que luego acompañe sacando efectivos sonidos para darle más penetración e intensidad a los temas. Avientan coros en la onda más Magmiana o como se diga, y sus metales -sax tenor y trompeta- hacen las partes más explosivas musicales pero cuando tienen que ser armoniosos, lo son y en que forma.Recomiendo este viejo trabajo de estos franceses para quienes son seguidores de Magma y Zao especialmente, o para quienes se sientan atraídos por la "Zeuhl Music" en su máxima expresión.
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Zao
Shekina (1975)
por Joe Rocker

A mi juicio este tercer álbum titulado Shekina es el trabajo más versátil, estructurado y representativo de 4 de los discos que he escuchado de está banda francesa. Tanto su tecladista Francois Cahen como el saxofonista, clarinetista y vocalista Jeff Seffer quienes son los compositores de todos los temas de dicho álbum... provienen de la viajada y estrambótica banda Magma a principios de los 70s. En ZAO Jeff Seffer se hace llamar Yochk'o quien es el símbolo principal, y esto aunado a su grandiosa y bien modulada voz que es otro instrumento más... ya que le imprime cierto canto tipo yodeling (?) mezclado con un delicioso y estupendo scat-jazzero y en donde también llega a crear ciertos sonidos guturales un tanto cuanto espeluznantes pero a la vez cadenciosos. Yo percibo que la música de Zao oscilaba entre el Jazz-Rock Fusion, la Zeuhl music y algunos pincelazos del Movimiento RIO. Al abrir el primer tema de nombre "Joyl" la primera palabra en forma de grito que se escucha dice: ZAO! y proviene de la garganta de Yochk'o Seffer para enseguida mostrar un estilo sonoro muy en la vena de Magma. En lo sucesivo el canto de Seffer parece como si fuera articulado en la lengua kobaiana y dónde la primera impresion fuera la de estar frente a un trabajo algo denso, confuso, hipnótico, cósmico, -pero- sin que deje de ser embriagador un solo instante. En varias de las piezas se escucha una sección de cuerdas y los melodiosos metales de Yochk'o matizando unos pasajes instrumentales muy precisos, transportadores y que por instantes logran arrastrarnos a lugares miríficos; aquí yo insisto que no es necesario el sonido de la guitarra (que no utilizan, por cierto) ya que tanto el violín, viola y cello suplen eficazmente la Lira. Siguiendo con mis consideraciones -creo- que este álbum derrama grandilocuencia por momentos y tiene elogiables cualidades compositivas de elevada estimulación sonora..., dónde los instrumentos que más sobresalen son los teclados de Francoise Cahen, el bajazo de Gerard Prevost (ritmazo que nace necesariamente del deseo de mostrar una expresión sónica variada y viva), y la batería del estupendo maestro Jean-My Truong (colosal aporreo siempre preciso-técnico-pomposo... magistralmente apoyado en ocasiones por el percusionista: Pierre Guignon), y un poco más abajo los saxos y clarinete siempre bien metidos y equilibrados de Y.Seffer. Sobre Zao, siento que andaban -circa- Weidorje, Henry Cow, Musique Noise (estos últimos son de la segunda mitad de la década 80..., y por supuesto que su gran inspiración fue Magma y su Zeuhl music. Las dos piezas que más me gustan del álbum "Shekina" son Zohar y Metatron (que por cierto son las de más duración) y que junto a las otras cuatro (6 piezas en total) conformaron un álbum estupendo que dado el nivel de intensidad interpretativa me parece quizá su mejor trabajo y junto con los discos: "Z=7L" y "Osiris" presumo que fue lo más granado de está agrupación francesa.
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ZNR 
Barricade 3 (1976) 
por Daniel Varela

Zazou ´n Racaille son dos extraños personajes que gestaron un sobresaliente cruce de caminos entre la música de cámara, el “art rock”, las formas extendidas de canción y un claro sentido compositivo. Otra perla rescatada por el catálogo Recommended bajo la mirada cuidadosa y el concepto claro de Chris Cutler. Un extraño cabaret donde la música de cámara con armonías impresionistas y un claro perfil surrealista remitían a Erik Satie o al Stravinsky más sereno en tanto que los textos reconocían sus deudas a Raymond Roussel y a la tradición de los cadáveres exquisitos. Se dice que el original de Barricades vendió sólo 155 copias y que fue muy difícil de localizar por mucho tiempo.La fina música para teclados y las voces procesadas más algún instrumento inusual harían distintivo al dúo de Hector Zazou y Joseph Racaille al punto de incluírlos en una especial familia sonora junto a Pascal Comelade ( y sus instrumentos de juguete) o Harold Budd ( las recientes colaboraciones de Zazou dan cuenta de ello). En todos ellos puede pensarse en la extraña huella de Satie pìsando la tierra fértil de las experiencias de composición ligadas al rock.
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ZNR
Traite de Mecanique Populaire (1979) 
por HLT

Segunda y última obra de la dupla Hector Zazou-Joseph Racaille. Salvo David Ruef en vientos cambian su pelotón de acompañantes. Alejados de las corrientes más convencionales del rock, dentro del entorno del rock de cámara, con recursos estilísticos y rítmicos varias corrientes, entre las que no esta ausente el tango. Menos electrónico y divertido que su anterior obra, escuchar esta obra no deja de ser una hermosa experiencia para quién goza de esta corriente musical Ya no está la profusión de voces procesadas y se escucha menos el sintetizador y el mellotrón. Se podría decir que los elementos que más los acercaban al rock, en esta ocasión se diluyen. Son 19 temas con títulos a veces descriptivos de la música: "Chanson Triste", "Deux Pieces Elementaires pour Piano et un Prelude".
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