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ESTILOS:  R.I.O.



Materia opinable:
Es común encontrar una asociación entre un estilo determinado de música progresiva y una vertiente bien identificable de rock más o menos evolucionado. En ese sentido, la conciencia de los aficionados avanza sobre el Rock In Opposition partiendo de un lugar falso: el R.I.O. no es un estilo musical en sí mismo sino que su nombre responde a una actitud frente a la problemática del desarrollo comercial y la forma de ser difundida la obra de los artistas que integran este movimiento. ¿Pero por qué entonces no se habla directamente de Movimiento R.I.O.? ¿Es una posición política, una forma de hacer musica comprometida, una reacción al sistema encabezada por algunas bandas desconocidas o una propuesta superadora?

Las reflexiones de Juvenal Aragón Figueroa y los comentarios de Humberto Luna Tirado permiten admirar una variedad de aspectos importantísimos relacionados con el movimiento que normalmente no se encuentran desarrollados en las menciones de las bandas. Esta sección intenta explicar que es en la diversidad de corrientes y estilos bajo una misma filosofía en donde radica la extraña belleza que cautiva a los amantes del Rock In Opposition.

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¿Qué es el estilo R.I.O.?

Durante su prolongada existencia, el término Rock en Oposición, ha sido reducido por la crítica a un estilo de música. Se le han adjudicado incluso diferentes atributos con los que se ha pretendido explicar su sustancia musical. Sin embargo, no es un estilo de rock adecuadamente establecido, aunque si bien tuvo como origen, el seno del grupo de rock progresivo británico Henry Cow. El Rock en Oposición, RIO (abreviando la connotación inglesa de sus iniciales), tuvo su gestación en el proyecto concebido por Chris Cutler baterista de Cow y Nick Hobbs administrador de la misma banda, como un objetivo que aspiraba emancipar a los artistas de las firmas disqueras, con el propósito de disponer, administrar, distribuir y negociar el producto de la música por sus creadores, los propios músicos.
Lo anterior no significa, que el Rock en Oposición haya sido una inclinación basada en alguna práctica artística, tendencia musical o moda. Simplemente se convino en una acción rebelde con el fin de evitar la explotación completa que sobre el producto tenían los sellos musicales y las confines que imponían éstos a los artistas sin tomarles en cuenta, Igual sucedía con las regalías que por concepto de ventas obtenían las empresas del disco, solo favoreciéndose ellas a costa del trabajo de los músicos.
Desde luego que se manifestaron para el surgimiento del pronunciamiento, una sucesión de ingredientes que contribuyeron al éxito de esta gran empresa; el relegamiento de los artistas de rock, en aras de las tendencias en boga como el Punk y la música Disco, el hecho de que las remuneraciones por venta de discos solo fueran al músico en miserables porciones y los grupos tuvieran que presentarse en directo para obtener algún fruto económico y aún así, la mayor porción de este ingreso terminaba en manos de las distribuidoras. En lo particular, la fractura de Henry Cow con su sello Virgin y, un factor adicional, que Henry Cow ya había participado en algún tipo de organización con otros grupos que simpatizaban con la idea de crear una asociación grupal independiente manejada por los músicos.
El paso preliminar fue convocar a los grupos conocidos y entusiasmados con la idea, algunos de los cuales tenían roce con Henry Cow, por haber participado en algún concierto o festival musical en Europa. Cabe mencionar, que mucho de los grupos relacionados amistosamente con Henry Cow, tenían además de ser grupos de rock progresivo o música innovadora, una tendencia política hacía la izquierda, Henry Cow, jamás ocultó sus simpatías por ideología Marxista-Leninista y el primer contacto se materializó con el grupo innovador italiano Stormy Six de nítida ideología comunista y con los izquierdistas Etron Fou Leloublan de Francia. A Partir de entonces estos grupos formaron el sello de Rock en Oposición "Recommended Records". Se establecieron las bases para la inclusión de más grupos y el mecanismo de operación de la nueva empresa bajo los siguientes lineamientos: Se trataría de coptar a grupos con música innovadora, aquellos que no encuadraban en los límites fijados por las políticas de los grandes consorcios musicales, tanto artísticamente como políticamente. Se buscó en la excelencia el requisito artístico para pertenecer a la asociación, y los criterios aplicados fueron el de seleccionar obras basadas en la recomendación de los propios integrantes y de otras fuentes independientes relacionadas al arte musical, aquellas alejadas del oportunismo y confrontadas por el estado imperante de la industria del disco y obviamente inmersas en el rock.
Fue en la primavera de 1978, cuando por vez primera, la asociación de grupos tuvo su lanzamiento al público. Se concertó un recital en Londres con la participación de Etron Fou Leloublan de Francia, Samla Mammas Manna de Suecia, Stormy Six de Italia, Univers Zero de Bélgica y Henry Cow por parte de Inglaterra. El suceso fue destacado y tuvo amplia cobertura mediática, que favoreció el arranque de una expedición por todo el Reino Unido con análogos resultados. Enseguida hubo presentaciones en el resto de Europa y el entusiasmo aumentó y propició la alianza de otros conjuntos atraídos por el proyecto.
Hasta la fecha, el impacto de RIO, ha sido fundamental para mantener vigente un enfoque musical orientado solo a la creatividad artística y no a los intereses comerciales de algunos vividores. Dentro del Rock en Oposición existen exponentes de las más variadas formas del arte, desde la avanzada, pasando por la electrónica, la música étnica, folklórica y experimental, logrando que el rock converja con las más variadas expresiones musicales del arte, combinando su fuerza con las más remotas demarcaciones estilísticas. No todos los grupos confluyen por una misma senda y quizás sea ese el meollo del éxito hasta ahora obtenido o radique precisamente en la inexistencia de un molde peculiar para todos sus asociados. No existe la uniformidad en la expresión de los valores musicales de cada conjunto. En otras palabras el estilo RIO no puede ser etiquetado a favor de una sola corriente, salvo en su carácter innovador.
Por lo que respecta a la vigencia de Recomendad Records, el sello ha logrado vencer las vicisitudes y ha establecido filiales en diferentes partes del mundo como en Francia, Suiza, Brasil y los Estados Unidos. Así mismo, el incremento de grupos participantes ha provenido de todos los confines de la tierra, algunos de ellos con sobresalientes aportaciones como After Dinner de Japón, Art Zoyd De Francia, Aksal Maboul de Bélgica, 5 uu´s de los Estados Unidos y hasta Latinoamérica ha hecho aportaciones como la de los mexicanos Decibel, y Nazca, entre docenas de conjuntos competentes de todo el orbe y en la actualidad el crecimiento del catalogo de Recomendad Records se ha incrementado en la cantidad de grupos que pertenecen a él.
En lo relativo a las coincidencias ideológicas que en un principio colocaron a la asociación grupal como tendiente hacía la izquierda, dicha situación ha prescrito, ya que muchos grupos están apartados de la política y solo se interesan en la producción de sus obras musicales.
En la actualidad el Rock en Oposición sigue vigente como una alternativa válida, para que el músico tenga la libertad necesaria y no se aparte del proceso creador, distrayéndolo de su concentración, obligándolo a estar más pendiente de las migajas que tenga bien en proporcionarle su empresa disquera. Pero los más favorecidos con él, somos los aficionados a la música, que hemos gozado de maravillosas obras, en todos los estilos y variantes imaginables. Otras asociaciones similares, han aprendido bastante de esta forma de trabajo y hoy por hoy abundan las compañías independientes, que ya no requieren de estar a expensas de elementos extramusicales para subsistir. Sin embargo la tarea ha sido ardua, no siempre exitosa, sobre todo en cuanto percepciones económicas, ya que es difícil competir con las gigantes corporaciones que cuentan con muchos recursos, pero RIO, con lo poco que tiene ha logrado superar en calidad musical a la gran mayoría de estas empresas. Un reconocimiento pues a esta gran revolución musical que nos sigue ofreciendo obras que quizás sin su existencia, no conoceríamos jamás.

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LOS CIMIENTOS DEL R.I.O.

Gestores y miembros fundadores del movimiento. Fueron como grupo los primeros en abandonarlo por su disolución. Una de la bandas de R.I.O. con discografía previa a la formación de este colectivo, como también lo fueron Stormy Six o Sammla Mamma Mannas, por ejemplo.
 

HENRY COW

Leg End, 1973
Álbum debut de esta maravillosa e innovadora banda, con Mike Oldfield como ingeniero de sonido. “Nirvana for Mice”es una agradable melodía, iniciada por los bronces e interrumpida por jugueteos de guitarra y teclados, a su vez interceptada por las exposiciones de vientos, y así sucesivamente, mientras el bajo trata de arribar a un protagonismo escapando al mero nexo entre las secciones rítmica y melódica, mientras la batería realiza un trabajo complejo, tanto como en todos los temas del álbum. Estéticamente cercano a la fusión y seguramente influenciado por vertientes del Canterbury, pero rompiendo esquemas previos constantemente. El comienzo de “Amygdala” nuevamente rememora el llamado jazz rock británico con una bellamente extraña melodía que se torna cada vez más intrincada aunque sin perder su esplendor. Insólitos zumbidos de los saxos abren “Teenbeat Introduction”, y son seguidos caóticamente por le bajo y la batería, para continuar en “Teenbeat” un camino de ordenamiento precedido por sombríos coros. Es a partir de aquí donde los músicos se turnan para intervenir en lujosos contrapuntos de diversa intensidad que abren a texturas polifónicas y armonías ocasionalmente disonantes. Tenemos un respiro con la delicadeza de “Nirvana Reprise” para pasar a la intrincada sutileza y ascendentes escalas de “Extract from The Yellow Half Moon and Blue Star”. En “Teenbeat Reprise” vistan los terrenos más intensos del álbum. Hay que destacar el alucinante sonido de la guitarra. Luego en “The Tenth Chaffinch” le toca el turno a la complejidad del atonalismo y a la ruptura de todos los esquemas clásicos del rock. Creo no estar equivocado al afirmar que la conmovedora y melancólica melodía de “Nine Funerals of the Citizen King” homenajea abiertamente a Robert Wyatt. El álbum cierra con otra demostación de ña necesidad de apertura hacia paisajes por explorar en “Bellycan”. De escucha obligatoria para quienes no se conforman con convencionalismos. Altamente recomendable. Participan Fred Frith en guitarras, violín, xilofón, piano, Chris Cutler en batería, percusión, piano. John Greaves en bajo, piano, voz, Tom Hodgkison en saxos, clarinete, órgano, voz y Geoff Leigh en saxo, flauta, clarinete, voz.
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HENRY COW

Unrest , 1974.
La salida de Geoff Leigh coincide con el ingreso de Lindsay Cooper (fagot, oboe, flauta dulce, voz) para conformar el equipo más reconocido de HC. El primer tema “Bitter Storm Over Ulm” nos advierte sobre los intrincados caminos que recorreremos en el álbum. Con enorme naturalidad desarrollan una obra de complejidad armónica, pero entretenida y cómodamente asimilable. “Half Asleep, Half Awake”, es otro ejercicio en el que dotan de belleza a una música que podría sonar poco convencional a los oídos del oyente promedio de rock. La gracilidad de los vientos contrastan con los contenido ataques de la guitarra que resuelven en un hermoso y discretamente enredado solo de piano. Más árido puede resultar “Ruins”, más inmerso en el atonalismo y en atípicas secuencias rítmicas, pero dinámico y contagioso con un afanoso trabajo de guitarra eléctrica que brota entre los fragmentos que honran a la composición contemporánea. Tenemos un respiro con la afable beldad de “Solemn Music”, pero es desde aquí que los temas desfilarán sin concesiones, con las desconcertantes sonoridades y voces de “Linguaphone, con la inteligente mordacidad de “Upon Entering the Hotel Adlon” con un soberbio trabajo grupal en los terrenos de la improvisación libre. Si bien “Arcades” es nuevamente un tema reposado y a estas alturas ya suponemos que es la calma que precede a la tempestad, “Deluge” es en realidad un tema oscuro, serpenteante e intrigante que culmina con un toque humorístico que nos permite respirar más tranquilamente sobre el final de los temas de la edición original.
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HENRY COW

In Praise of Learning (Henry Cow/ Slapp Happy), 1975
Un álbum diferente a los anteriores, producto de la unión de miembros de Henry Cow con los de la banda alemana Slapp Happy. Las relaciones entre las dos agrupaciones se inician cuando el también conocido como realizador de historietas Peter Blegvad se encontraba de gira con los alemanes Faust en Holanda, coincidiendo allí con Henry Cow. En 1974 graban juntos un álbum de Slapp Happy, “Desperate Straights” y posteriormente “In Praise of Learning”. Sin embargo probablemente a instancias del mismo Blegvad la unión no prevaleció. Los desarrollos musicales de Henry Cow parecían ser muy complejos para el guitarrista. “War” llama la atención por las excentricidades vocales de Dagmar Krause y Begvad más que por su complejo tratamiento de la fusión con jazz. “Living in the Heart of The Beast” abre con un impresionante sonido de la guitarra de Frith que da lugar a la extravagante pero magnífica voz de Dagmar. Múltiples climas se desarrollan desde aquí en más con sucesivos protagonismos de los diferentes músicos, logrando los mejores pasajes cuando la intensidad y el trabajo grupal predominan. Como ya es costumbre rompen toda esquematización rítmica en el trabajo experimental de “Beginig: The Long March”. La enmarañada hermosura de Beatiful as the Moon – Terrible as an Army with Banner”, nos sitúa de nuevo en contextos mas conocidos, aunque este tema es solo un remanso para un provisorio. sosiego antes de volver a las facetas más experimentales con “Morning Star” y de una nueva confección sobre el material grabado en de “Beginig: The Long March” que lleva el nombre de “Lovers of Gold”. Un disco que por múltiples razones no logra la fuerza de la coherencia de los otros trabajos de la banda.
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HENRY COW

Western Culture 1978
El primer tema, “Industry” es un maravilloso equilibrio. entre la composición avantgarde y el sentimiento rockero. Percibo resabios canterburyescos, melodías abruptamente interrumpidas, atonalismo, cambios rítmicos y métricos que atrapan la atención, y entre estos una permanente cadencia que incrementa la tónica angustiante del tema y un desenlace intenso y casi violento. El comienzo de guitarra acústica de “In the Decay Of Cities” vuelve a desconcertar y el desconcierto se incremente con una ¡guitarra Hawaiana! que contrapuntea a los vientos. Imponente otra vez Cuttler paseando del jazz al rock y de allí al academicismo. De fondo se asoma la ahora desgarrada guitarra de Frith. La música no es solo el manejo de los sonidos sino también el de los silencios, y de ello dan cátedra en este tema. Dan un leve respiro a las neuronas del oyente con “On The Raft”, un tema más reposado con una línea melódica más constante, claro que solo en el primer plano, porque allí atrás están esos vientos, casi dadaístas. Ahora hacen su aparición las composiciones de Cooper. El klezmer es la referencia nada constante pero reiterativa de estos temas. “Falling Hawai”, otra composición compleja, para mi menos emocional que las anteriores aunque redundante en demostraciones de calidad interpretativa y con una maravillosa conclusión. “Gretes Tale”, es por el contrario una de las piezas que más he sentido, con una delicadísima melodía interrumpida por los accesos de jazz experimental y de composición contemporánea de la pianista invitada Irene Schweiser. Cierto clima introspectivo se prolonga en un lamentablemente breve “Look Back” y finalmente la composición conjunta de Hodgkinson y Cooper “½ the sky”, dignísimo final para esta obra, con esas cortinas de teclados sobre la que aparecen como pintados los golpes de percusión y los vientos que desembocan en un agraciado final en el que se combinan el recurrente klezmer, el clasicismo y la fusión jazz-rock. Participan entonces: Tim Hodgkinson en órgano, saxo, clarinete, guitarra hawainana, piano, Lindsay Cooper en fagot, oboe, saxo, flautas, Fred Frith en guitarras, bajo, saxo y Chris Cutler en batería percusión, piano, trompeta.
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HENRY COW

Concerts, 1976
Este doble álbum se inicia con una impactante versión de 22 minutos de "Beautiful as the Moon - Terrible as an Army with Banner”. Personalmente encuentro como el punto más elevado y atractivo el siguiente tema en el que se unen a Robert Wyatt para tocar "Bad Alchemy/Little Red Riding Hood Hit the Road", tema de Rock Bottom, el superlativo álbum solista de Wyatt. Están muy logrados la violencia y el caos controlado de "Ruins", el trabajo de guitarra en el crimsoniano "Groningen Again". A partir de aquí hay sobre abundancia de material experimental que, para mi gusto quita lucimiento a un álbum en vivo que se torna algo tedioso. Se trata sin embargo de un importante documento sobre las capacidades de estos músicos.
 

 

 

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Comienzan a registrar un álbum mientras sus miembros se consideraban aún inegrantes de Henry Cow. Los temas registrados marcan una diferencia con lo que venían haciendo y es si que Fred Frith, Chris Cutler y Dagmar Krause deciden bautizar a la agrupación como Art Bears, y por otra parte registrar un álbum final como Henry Cow, totalmente instrumental y por lo tanto con una tendencia opuesta a la que desarrollaban en la nueva agrupación. El primer LP de Art Bears que vería la luz antes que el Wester Culture de Henry Cow se llamó Hope & Fears.

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ART BEARS
Hope & Fears, 1978
Los miembros de Art Bears adoptan inesperadamente el formato de canción. Por supuesto este conjunto de canciones se presentan con un acompañamiento musical de intrincadas armonías, fuera de todo convencionalismo. La voz de Dagmar Krause predomina, mientras Fred Frith ocupa un rol de instrumentista múltiple encargándose de guitarras, violín, viola, piano, harmonio, xilofón y bajo, aunque como siempre es su enorme habilidad con la guitarra lo más destacable. El clima de la obra de de gran dramatismo y parsimoniosa intensidad, otorgando un adecuado marco a la lírica. Es de remarcase que los miembros Henry Cow hacen sus aportes a lo largo de todo el álbum Lindsay Cooper en fagot, oboe, saxo, flauta y Tim Hodgkinson en, órgano, clarinete y piano. Colabora Georgie Born en bajo y cello. Parte de los temas finales del álbum fueron registrados en el estudio de David Vorhaus líder de White Noise.
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ART BEARS
Winter Songs, 1979
Un año más tarde aparece el primer trabajo pensado desde un inicio para Art Bears. Es interesante que este disco vera la luz a través de Ralph, el sello de The Residents. Las letras de los temas pertenecientes a Cutler comprenden desde la realidad política hasta relatos medievales. De la misma manera esta vez la música se permite mayor variación en ritmos y estilos que en el anterior álbum abarcando desde la furia roquera hasta los aires folk, aunque permanecen las extravagantes canciones que predominan en el anterior disco, con una duración de los temas que nunca llega a los 4 minutos.

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ART BEARS
World As It's Today, 1981
Si uno disfrutaba pensado que la música de Art Bears llegaba adonde nunca había llegado antes el rock, aquí los tenemos nuevamente expandiendo fronteras. Más extremos, mas vehementes y sarcásticos que nunca. La música adquiere ahora una impetuosidad que no había sido desarrollada en los anteriores trabajos, las líricas se concentran en los contenidos sociales y políticos, con una mirada marxista asumida. Los títulos de los temas lo reflejan: “The Song of the Dignity of Labour Under Capital” “Freedom (Armed) Peace”, etc. La dupla Frith – Cutler logra aquí uno de sus mejores trabajos, con una perfección armónica de alturas pocas veces alcanzadas en la música de rock.
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STORMY SIX

por HL
Cuando ingresan al movimiento, tenían ya una extensa carrera en Italia, con un explicito compromiso político y una abundante discografía.

STORMY SIX
Le Idee Di Oggi Per La Musica Di Domani, 1968
Para esta época, la banda que ya llevaba un par de años de actividad, como es de esperarse, estaba inmersa en el pop, con algunos toques psicodélicos y ciertas sonoridades orientales. Claudio Rochi, quién posteriormente desarrollaría carrera solista era su cantante y bajista. Junto a él Franco Fabbri en las guitarras, Luca Piscicelli an bajo y guitarra y Antonio Zanuso en batería. Todavía no habían incursionado en su tenaz compromiso político.
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STORMY SIX
L'unità, 1971
Se va Rochi e ingresa Massimo Villa en el bajo.Canciones con ritmos folk, canzonettas, resabios hippies, con letras ahora altamente politizadas, que no omiten la ironía y el buen humor. Instrumentaciones fundamentalmente acústicas entre las que asoman algunas guitarras eléctricas y órgano. Varias veces se encuentran puntos de contacto con los músicas de protesta norteamericanos e incluso en temas como Suite F&F se perciben ciertas semejanzas con Crosby, Still & Nash. Un álbum agradable en varios aspectos pero todavía lejano de lo más interesante que ofrecerá la banda.

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STORMY SIX
Guarda Giù Dalla Pianura, 1973
Aún más humor, aún más contenido político, mayor complejidad en las instrumentaciones. La música country norteamericana aparece en tono de parodia. Continúan ene la senda del compromiso ideológico con explicitas referencias de adhesión al marxismo, preocupación por la política internacional como expresan en “Cuba Si, Yanquis No”, cantada en castellano al igual que la maravillosa “Canción del Poder Popular”, sobre el proceso socialista chileno (Stormy Six fue el anfitrión en Italia de Inti Illimani, durante su exilio) o “La Balada de Ho Chi Minh” en envase de música de western a lo Morricone. Participan Umberto Fiori, voz, Franco Fabbri en guitarra y voz, Carlo De Martini en saxo y violín, Tommaso Leddi en teclados, Luca Piscicelli en bajo y voz, Antonio Zanuso en batería.

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STORMY SIX
Un Biglietto Del Tram, 1975
Siempre continuando con su temática política, Sormy Six da un gran paso adelante en los aspectos musicales. Tanto los tratamientos melódicos adquieren un nivel de belleza destacable con gran dramatismo en las interpretaciones, como las composiciones se tornan más complejas, asomándose a lo que realizaran en su etapa más conocida en la segunda mitad de los 70s. Predominantemente acústico. Un álbum de los llamados de transición que igualmente vale por si mismo.

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STORMY SIX
L'Apprendista,1977
Una de las maravillas del movimiento. Un álbum muy elogiado por los amantes del rock progresivo, probablemente por ser una obra que en muchos momentos se acerca bastante a los linimientos generales del estilo. En algunos pasajes recuerdan a Gentle Giant, en otros hacen reconocible su estirpe italiana con melodías características de las bandas de esa escena, suntuoso aporte de los teclados e incursiones barrocas. Carlo de Martín se encarga de violín, viola, mandolina, guitarras y voz, Franco Fabbri voz guitarras y vibráfono Umberto Fiori voz y guitarra, Salvatore Garau en la batería, Tommaso Leddi en mandolina, violín, guitarras y piano, Luca Piscicelli en bajo y voz. Participan además numerosos invitados en cuerdas vientos y percusión. Representa una muy buena opción para iniciarse en esta estupenda banda.

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STORMY SIX
Macchina Maccheronica, 1979
Solo por algunos momentos pueden parecerse, y solo eso, a una banda de rock. Hay un título que se repite cuatro veces en disertes versiones que van de los 10 a los 50 segundos y es allí donde aparece alguna estructura roquera. También en pasajes de “Vervale”, el tema más largo con sus más de 8 minutos. Por el resto e la obra podemos aducir que se trata de uno de los trabajos más complejos de la banda en la que echan mano a sus influencias provenientes de Aernold Schomberg, Luciano Berio y la canción popular italiana. Bella melodías se alternan con pasajes instrumentales herméticos, propios del estilo. Las voces suelen remarcar tanto las melodías como el costado humorístico y se torna alucinantes en el tema vocal Enzo. Casi sin términos medios esta música puede odiarse o amarse, pero la manifiesta calidad de la obra es indiscutible. Participan: Tomaso Leddi en violín, mandolín, saxo, guitarra y órgano, Georgie Bornen chelo, Leonardo Schiavone en clarinete y saxo, Umberto Fiore en voz, Franco Fabbri en guitarra, trombón, vibráfono, Salvatore Garau en batería y Pino Martini en bajo.

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STORMY SIX
Al Volo, 1982
Un gran cambio se observa en este trabajo. Una mayor accesibilidad con incorporaciones de estructuras pop, aportes tecno, electrificación de la música Humberto Fiore abandonado su delirante estilo por uno más asimilable al empleado por los músicos de rock italiano más convencionales. En la mayor parte de los temas en algún momento al menos, ponen el sello tan característico de su música de los 70s, pero solo como para dejar en claro que se trata de Stormy Six. En líneas generales su música, a pesar de sonar elegante, se tornado algo desabrida.
Franco Fabbri se encarga de las guitarras, eléctrica, acústica y sintetizada, además de vibráfono, cajas de ritmo y Tommaso Leddi en teclados y guitarra, nuevamente junto a Garau, Fiori y Martini.
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AQSAK MABOUL

por HL

Incorporados en la segunda oleada de reclutamiento del R.I.O. los belgas aportaron dos trabajos, uno previo y otro posterior a su ingreso. Mas que una banda representó al menos en su inicio un emprendimiento personal del tecladista Marc Hollander

 

AQSAK MABOUL
Onze Danses Pour Combattre La Migraine, 1977
Es el debut discográfico de la banda liderada por el ex tecladista de Coz, Marc Hollander. Un verdadero collage musical, producto de la experimentación en estudio que sería más largo de explicar que de escuchar. El mayor mérito del trabajo es el de darle unidad de contenido a referencias tan distantes como Kraftwerk, Satie, la composción minimalista y las músicas étnicas. Incluso quienes detesten las secuencias electrónicas podrán disfrutar de las primitivas “baterías electrónicas” que de alguna manera contribuyen a la atmósfera hilarante que se respira de a momentos. Participan de la obra junto a Hollander, Vicent Kenis en acordeón, guitarra, bajo y piano y Jeannot Gillie en violín. Holander hace las veces de multiinstrumentista ocupandose de teclados, vientos, flautas y mandolina.
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AQSAK MABOUL

Un Peu De L'âme Des Bandits, 1979
Con la incorporación del Univers Zero Michael Berkmans en clarinete y los Henry Cow Chris Cuttler en batería y Fred Frith en guitarra se presenta en segundo trabajo de la agrupación que continúa ensayando la posibilidad de mostrar personalidad propia a través del eclecticismo. Parte de estos temas podrán recordar a Univers Zero o a Henry Cow pero invariablemente Hollander se las arregla para poner bien visible su sello. Dosis medidas de improvisación, aportes musicales humorísticos que evitan en general las atmósferas tétricas tan frecuentes en la Nouvelle Music Belga, rítmicas orientales, rock & roll violento y hasta tango se incorporan con naturalidad al rompecabezas musical de la banda y conforman uno de los discos imprescindibles de la escena.arriba

UNIVERS ZERO

por HL
Difícil es detectar la presencia de un líder en esta banda con tantos músicos talentosos. Sin embargo es Daniel Denis el único miembro que ha permanecido estable a lo largo de los años y el único en haber participado en todas las grabaciones registrando la autoría de la mayor parte del material.
En años recientes UZ ha retornado a la actividad publicando nuevo material. En 1999 fue The Hard Quest, en el 2001 Crawling Wind, en el 2002con Rhythmix y luego con Implosion, un álbum en el que la banda de Daniel Denis demuestra su vigencia.

 

UNIVERS ZERO

1313, 1978.
Con influencias que van desde Magma a Soft Machine por el lado del rock, de Stravisky al poco conocido autor belga Albert Huysbrechs por el lado de la composición contemporánea e incorporando elementos del free jazz, fusión y música medieval, según sus propias declaraciones, los miembros de UZ hacen converger todo este contenido en su obra debut 1313. Lejos de lo que puede reconocerse habitualmente como rock en lo que a términos estéticos se refiere, se acuna el término rock de cámara para intentar clasificar su música. La elección de los instrumentos pasa fundamentalmente por lo acústico pero esto no es un impedimento para que la banda exhiba enorme intensidad e incluso momentos de agresividad en su obra. Las intricadas armonías cono un muy esmerado trabajo entre los integrantes es un sello característico de la agrupación, ya presente en este álbum. Michel Berckmans en fagot, Daniel Denis en percusión, Marcel Dufrane en el violín, Patrick Hanappier violín, viola, cello, Emmanuel Nicaise en harmonio y spinetta y Roger Trigaux en guitarra.
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UNIVERS ZERO

Heresie, 1979.
La tapa del álbum es tan oscura como la música que contiene. Una foto en blanco y negro muestra a uno de los miembros en silla de ruedas rodeado del resto, con ropaje y anteojos negros. Solo tres temas. “Lafaux” de Denis, con mas de 25 minutos de ondulantes, entrelazadas y complejas armonías, “Vous le Saurez en Temps Voulu”, de Trigaux , verdadero catalogo de climas que engloban desde una sobria parsimonia a una taciturna tenebrosidad y el cinematográfico relato musical de “Jack The Ripper” de ambos autores, con pasajes en los que la música renuncia al blanco y negro preponderante y conquista el color... rojo sanguinolento, por supuesto. La pregunta que muchos se hacen ya al escuchar los primeros compases es: ¿Se trata de rock? Más aun: ¿Se trata de rock progresivo?. Que es lo que empalma a esta música con el rock. Ciertamente no la actitud, al menos no la mas generalizada en estos tiempos. Mientras la mayor parte de los músicos del progresivo migran hacia terrenos mas fructíferos en lo económico, Univers Zero se auto condena a ser escuchado solo por algún sector inquieto y explorador de nuevas corrientes. El haber participado de un movimiento llamado Rock en Oposición. Justamente este movimiento reúne a varias bandas de las que puede hacerse el mismo planteo. Repasando el historial del personal que interviene se observa que no han tenido educación clásica y si un pasado ligado al rock, aunque siempre en la avanzada del mismo. Probablemente solo una fracción del publico del rock progresivo, no conforme con los rumbos de la música digitada desde de las discográficas, encontró en UZ lo que necesitaba escuchar. Mas emparentados entonces con la composición contemporánea que con el rock, despojados de electricidad y con instrumentación absolutamente inusual para el rock, se erigen en una de las reservas creativas de finales de los 70s. Participan Michel Berkmans en oboe y fagot, Daniel Denis en batería y percusión, Patrick Hanapier en violín y viola, Guy Segers en bajo y voz, Roger Trigaux en guitarra, piano, órgano y armonio. Luego de realizar este trabajo Trigaux se aleja para dedicarse a su proyecto personal, Present.

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UNIVERS ZERO

Ceux Du Dehors, 1981.
Una colección de registros efectuados en 1980 y 1981 que muestra a la banda en un amplio margen de trabajos que comprende temas como Dense, que abre el álbum, con un claro testimonio de como la accesibilidad al oído promedio puede compatibilizarse con la complejidad compositiva, hasta improvisaciones colectivas como La Musique D'Erch Zann inspirada en una historia de H.P.Lovercraft. En temas como La Corne du Bois des Pendus vuelven a esas obras sombrías y sinuosas que les son tan características. Un disco descollante en el que UZ muestra destellos de su costado mas luminoso, conservando su estilo punzante. Michel Berkmans en oboe, corno y fagot, Daniel Denis en batería y percusión, Patrick Hanapier en violín y viola, Guy Segers en bajo, clarinete y voz, Andy Kirk en armonio, piano, órgano, mellotron. Invitados como Thierry Zaboitzeff en cello , Jean Luc Aime en violín entre otros.

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UNIVERS ZERO

Crawling Wind, 1982-1984.
Previo al periodo de transición entre el Rock de Cámara más puro y las incursiones electrónicas, se registró este material que en su momento fue publicado en Japón en formato EP. La edición en CD de Cuneiform del año 2001, con dos temas adicionales, nos permite actualmente disfrutar de la banda en uno de sus mejores periodos.arriba

UNIVERS ZERO

Uzed, 1984.
De la formación original participan en bajista Genet que retorna a la agrupación y por supuesto Daniel Denis, autor de todas las composiciones, encargándose del sintetizador además de su tradicional rol en batería y percusión. Existen opiniones diversas sobre los resultados de este álbum en que introducen una transición entre lo acústico y lo eléctrico. Es sin duda un álbum bien logrado como toda la obra de UZ. Sin embargo puede acotarse que si uno disfrutó de la oscuridad, las armonías espinosas y la energía provocadora de los anteriores álbumes, encontrará referencias en Presage, el tema que abre el disco y muy pocas veces a lo largo de toda la obra, posiblemente en Parade, el cuarto tema. Intervienen Michel Delory en guitarra, Dirk Descheemaeker en clarinete y saxo, Andre Mergen en cello, saxo y voz y Jean-Luc Plouvier en teclados y percusión.arriba

ETRON FOU LELOUBLAN

por HL
Representan la vertiente francesa del R.I.O., con seis trabajos discográficos en su haber.
Guigou Chenevier ha continuado sus actividades en la estupenda banda francesa Volapük.
 

ETRON FOU LELOUBLAN

Batelanges 1977
Participan Ferdinand Richard en cuerdas y voces, Chris Charnet en vientos, Guigou "Samba Scout" Chenevier en percusión y la colaboración de Eulalie Ruynat en voz. La música de EFL es absolutamente desconcertante. Preciosas melodías se alternan con pasajes circenses, fuerte presencia de las percusiones, instrumentación algo despojada, voces de perturbado dramatismo que sin embargo no eluden propuestas humorísticas, siempre con descontrolado histrionismo, buenas dosis de improvisación y aportes del avant garde y el klezmer que se alternan en frecuentes cambios rítmicos. Un debut magistral en el que EFL no renuncia al rock sino que modifica sus formas habituales.
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ETRON FOU LELOUBLAN

Les 3 fous Perdegagnent, 1978
Con cambios en la formación. Francis Grand en vientos, citar y voz, Guigou Chenevier en batería y percusión y Ferdinand Richard en bajo y voz y la colaboración de Pierre Grasset en la guitarra, desarrolla una obra menos extravagante y más cercana a los cánones del rock progresivo sin caer en ningún momento en lo vanamente convencional. Lejos de esto se trata de una obra más contundente, con un excelente y complejo trabajo armónico. En algunos pasajes parecen no querer ocultar referencias al Gong, Crimson o Captain Beefhart. Las voces, ahora menos histriónicas, conservan alguna dosis de humor y excentricidad.

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ETRON FOU LELOUBLAN

En Direct Des Etats-Unis d'Amerique, 1979
Se trata de un registro en vivo durante una gira por Estados Unidos. Otra vez con cambios de formación, ingresa Bernard Mathieu en los vientos en lugar de Francis Grand se registra material de los primeros discos y también inéditos.arriba

ETRON FOU LELOUBLAN

Les Poumons Gonfles, 1982
Do incorporaciones en la banda: Jo Trillón en teclados, trompeta y voz y nada menos que el productor del álbum, Fred Frith en violín y guitarra. Este hiato de tres años no enfrió el progreso musical de la banda que nos muestra ahora una aún mayor complejidad compositiva desarrollada con enorme soltura por el ahora mas numeroso equipo. Trillón hace notar su presencia ocupando parte del protagonismo con su peculiar manera de tocar el órgano. Otro de los puntos altos en la carrera de la banda.

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ETRON FOU LELOUBLAN

Les Sillons De La Terre, 1984
La incorporación en esta ocasión es Bruno Meller, quien ocupa el lugar de Mathieu en los vientos. La banda suena más poderosa que nunca, con percusiones machacantes muy al frente como en sus primeros trabajos aunque con una labor armónica menos compleja y cambios rítmicos menos recurrentes. Algunos pasajes demasiado pegados a los convencionalismos de la fusión jazz rock enfrían la obra que sin embargo sigue siendo atractiva.

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ETRON FOU LELOUBLAN

Face Aux Elements Dechaines, 1985.
Para la despedida discográfica, el ahora nuevamente trío (Ferdinand Richard, Jo Trillón y Guigou Chenevier) vuelven a convocar al ex Henry Cow, Fred Frith para la producción. Para esta época casi nada del humor de los primeros tiempos está presente. Más bien se trata de una obra sombría y circunspecta, seguramente reflejo de las nuevas ambiciones musicales de sus miembros. Tal vez la propuesta pierda algo de originalidad, recordando en partes a algunos trabajos de Univers Zero, Henry Cow o Art Zoyd. Sin embargo deja la impresión final de una banda que conserva poder creativo hasta sus últimos momentos, algo desafortunadamente poco frecuente en la historia del rock progresivo

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ETRON FOU LELOUBLAN

Etron Fou Leloublan : 43 Songs, 1991.
Edición en 3 CDs de Musea que contiene la totalidad de los temas de Batelanges, Les 3 fous Perdegagnent, Les Poumons Gonfles, Les Sillons De La Terre y Face Aux Elements Dechaines.

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SAMLA MAMMAS MANNA

(ZAMLA MAMMAZ MANNA – VON ZAMLA)

por HL

Los representantes suecos del R.I.O.. Quienes suponen que el movimiento es en realidad un estilo musical suelen sostener que SMM no parece R.I.O.. A no dudarlo, las sucesivas encarnaciones de SMM, con sus matices, constituyen uno de los mejores ejemplos del rock progresivo.
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SAMLA MAMMAS MANNA

Samla Mammas Manna, 1971.
Grabado en un estudio llamado The Chicken House, tal como se puede sospechar, un viejo criadero de pollos, este maravilloso álbum nos muestra a SMM en un trabajo con constantes referencias humorísticas, de corte principalmente circense entre las que asoman la fusión jazz rock y el folk nórdico. De entrada podemos apreciar que estamos ante notables instrumentistas que dejan la impresión de estar disfrutando enormemente de lo que hacen. La música es tan atrapante, luminosa y entretenida que uno hace caso omiso a la irregular calidad de grabación de algunos de los temas. Todavía no se había incorporado el guitarrista Coste Apetrea a la banda que contaba con la siguiente formación: Hans Bruniusson en batería y percusión, Lars Hollmer órgano y piano,
Lars Krantz en bajo y Bebben Oberg en percusión, quien se aleja de la agrupación luego de grabar el álbum.

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SAMLA MAMMAS MANNA

Maltid, 1973.
La incorporación de Coste Apetrea coincide con un notable desarrollo y expansión del universo sonoro de la banda. Conservan la grata combinación de folk, fusión y exquisito humor, pero suman mayor complejidad a los temas que se hacen más largos y permiten exponer aún más el virtuosismo de estos músicos. Bruniusson incorpora todo tipo de percusiones imaginables, Hollmer incorpora un mellotron y conforma uan extraordinaria dupla con Apetrea, que es indudablemente un guitarrista que pertenece a la primerísima línea. Asoman más claramente referencias a Zappa y para ser descriptivo el espectro sonoro abarca incluso pasajes que se acercan al kraut y al rock progresivo sinfónico.

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SAMLA MAMMAS MANNA

Klossa Knapitatet, 1974.
SMM sigue creciendo Durante el año que media entre estas dos producciones discográficas han tocado muchas veces en publico, han salido de gira y desarrollado su capacidad de composición espontánea y colectiva. Tal es la manera en que ellos se refieren a su metódica de trabajo creativo. Los temas obviamente son firmados en nombre de toda la banda y demuestran una profundización de lo ya demostrado en Maltid. En ningún momento pierden frescura a pesar de la incrementada complejidad. Para muchos se trata del mejor trabajo de la agrupación.

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SAMLA MAMMAS MANNA

Snorungarnas Symfoni, 1976
Se trata en realidad de una colaboración en la que el compositor norteamericano residente en Suecia Gregory Fitzpatrick actúa como compositor y arreglador de todos los temas.

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SAMLA MAMMAS MANNA

Schlagerns Mystik/För Äldre Nybegynnare, 1977
Con el alejamiento de Coste Apetrea y el ingreso de un nuevo guitarrista, Eino Haapala el nombre de la banda sufre una pequeña mutación. Se llaman Zamla Mammaz Manna. Ya han establecido contacto con Chris Cuttler. Para ese entonces la agrupación estaba muy interesada en explorar la improvisación y es por este motivo que esta es la metodica de trabajo que emplean en För Äldre Nybegynnare (algo así como “Para Principiantes Mayores”). Probablemente por lo dificultosa que se suponía la audición de esta obra es que se edita como doble vinilo, complementado con Schlagerns Mystik (Misterio de la Música Popular), una obra más llana, pero a la vez más cercana a lo que venían desarrollando en sus discos anteriores, aunque en un formato más inclinado a las canciones de melodías más simples, entre las que entre el habitual buen humor asoma una cierta melancolía. Como dato curioso, la carátula de la edición original en vinilo tenía una línea punteada y venía provista de unas tijeras para poder separar y desechar För Äldre Nybegynnare. Una muestra más del excelente humor de estos músicos.

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SAMLA MAMMAS MANNA

Familjesprickor, 1980
Último episodio de la existencia de ZMM. Han girado por Europa como integrantes del R.I.O y ha pasado bastante tiempo desde el último disco. Ahora es Hans Bruniusson (curiosamente más conocido por sus batante posteriores colaboraciones con The Flower Kinas) quién se aleja. Los cambios en la banda probablemente sean el origen del nombre del álbum (algo así como “Ruptura Familiar”). Es reemplazado por Vilgot Hansson. Como ellos mismos reconocen, la música que hacen no es tan optimista y divertida como antes, pero siendo casi totalmente instrumental, se trata de otra obra altamente recomendable.

A partir de 1982 cambian nuevamente su nombre. Ahora se hacen llamar Von Zamla. El núcleo se integra con el tecladista Lars Hollmer y el guitarrista Eino Haapala. Editan Zamlaranamma en 1982 con Jan Garret en el bajo y Denis Brely en vientos y No Make Up! En 1984 con Michel Berckmans de Univers Zero. La música conserva la esencia de SMM, pero hay notorias influencias de Henry Cow y Univers Zero. La calidad conserva la excelencia de siempre. En 1999 la reunión con Coste Apetrea deja como legado el álbum Kaka, editado bajo el nombre originario de SMM.arriba

 

ART ZOYD

por HL
Si bien estos franceses enrolados en el Rock de Cámara graban su primer álbum en 1976, la gestación de la banda se remonta a principios de los 70s con una banda llamada Arzoide que sienta las bases sobre la que se desarrolla con posterioridad el estilo de la agrupación. Ingresan al movimiento R.I.O. junto a los belgas de Aqsak Maboul.

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ART ZOYD

Symphonie Pour Le Joir Où Brûleront Les Cités, 1976
Participan Patricia Dallio en piano, Daniel Denis en percusión, Alain Eckert en guitarra, Gerard Hourbette en violín y viola, Jean Pierre Soarez en trompeta y Thierry Zaboitzeff en cello y bajo. Como ya nos ha ocurrido con otras bndas comentadas es una tarea difícil la de sostener que el contenido de este álbum es catalogable como rock, más allá de que la instrumentación es predominantemente acústica. Solo escudriñando trabajos previos de estos músicos, tal vez en alguna obra de Zappa y seguramente en algún pasaje de Henry Cow o Magma podamos encontrar alguna equivalencia. Más cerca de Bartok y Stravisky que de cualquier manifestación roquera, solo algunas estructuras rítmicas ocasionales y aportes de guitarra de Eckert traen sonoridades que suenen confortables a quienes acostumbramos a escuchar rock. El resto es una maravillosa exploración por músicas extrañas, tétricas y oscuras en general pero que dan luz a un género como el de la música progresiva que comenzaba a flaquear en otras de sus vertientes.
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ART ZOYD

Musique Pour L'Odyssée, 1979
Tres años tarda la agrupación en publicar otra obra Gérard Hourbette, Thierry Zaboïtzeff y Jean-Pierre Soarez continúan trabajando con Daniel Denis y se les suma otro Univers Zero, Michel Berckmans en oboe y clarinete, Michel Thomas en saxo y Frank Cardon en un segundo violín. No están aquí las guitarras que conservaban alguna remembranza roquera. Las atmósferas de características definidas como cinematográficas (secuencias épicas, sonoridades y percusiones tribales) suman a la banda un nuevo perfil que desarrollaran con el tiempo. Probablemente no alcance el nivel del álbum debut pero aún así es, sin duda, un clásico de la escena.
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ART ZOYD

Génération Sans Futur, 1980
En 1980 salió al mercado subterráneo "Generation Sans Futur". En este álbum aparecen los primeros pasos para la electrificación de Art Zoyd. La participación de Zaboitzeff en la composición complementando a Hourbette, fue el inicio de esta dualidad compositora que sería el nuevo núcleo creador de la música de Zoyd. Los temas se tornaron más enérgicos y él título del disco sirve de arenga para su nuevo estilo. "Generation Sans Futur" es un paso adelante para la agrupación.
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ART ZOYD

En Phase IV, 1982

Sin Patricia Dallio se vuelcan a a un sonido más fácilmente asequible. La tecladista regresa para el álbum siguiente Les Espaces Inquiets de 1983, con mayor participación de la instrumentación electrónica. Le Marriage Du Ciel Et De L'enfer de 1984, sin la participación de Jean-Pierre Soarez y está conformado por la música compuesta para una obra de ballet. Art Zoyd ha continuado su actividad a lo largo de los años con una extensa discografía y la calidad de siempre: Berlín (87), Nosferatu (90), Marathonnerre I (93) Marathonnerre II (93), Faust (95), Häxan (97), Metropolis (00), Ubique (01), Expériences de Vol (02).arriba

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