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REVISIONES POR PAIS Y/O ESTILO: Estados Unidos (EUA)  / Prog

Materia opinable: La escena del rock progresivo norteamericano en la década del '70 es absolutamente diferente a la de cualquiera de los otros países en los que se desarrolla el estilo. Ello se debe fundamentalmente a la participación de USA en los conflictos bálicos del sudeste asiático, lo que generará un cambio radical en la sociedad estadounidense, principalmente alrededor de la cultura de las generaciones más afectadas por estos conflictos. Otro componente importantísimo es el imparable desarrollo económico a partir de la II Guerra Mundial y la conciencia localista ("norteamericanista") del estadounidense, con lo cual el marco cultural completo se vuelve menos permeable a las influencias externas. El resultado es un continente sociocultural diferente que permite que las expresiones locales -folk y jazz primordialmente- se fusionen enrraizadamente con el rock y la herencia de la música clásica sinfónica europea del siglo XIX.

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CATHEDRAL
Stained Glass Stories (1978)
Por Cásar Inca

El grupo norteamericano Cathedral, al igual que Starcastle, basó su estilo en gran medida bajo la fuerte influencia de Yes, pero en el caso de este quinteto, fue el sonido de "Tales From Topographic Oceans" y "Relayer", discos más orientados hacia lo átnico y el jazz vanguardista los que sirvieron de modelo. Esto se hace evidente a partir de la profusión de estructuras jazzeras y la presencia de sonidos percusivos casi tribales, así como en los solos del guitarrista, los cuales nos recuerdan a varios pasajes de "Gates Of Delirium" y en general, del "Tales". también cabe resaltar el uso extensivo que el tecladista hace del mellotron, que para entonces ya estaba un poco pasado de moda en los círculos progresivos. Tuvieron que pasar tres años de continuas presentaciones públicas desde la fundación de la banda para que pudieran ver plasmada su obra en un disco de vinilo. El sonido, a pesar de ser grabado a fines de los 70s, resulta un tanto oscuro, como si se tratara de una grabación en un estudio rústico de fines de los 60s. Esto no resulta, sin embargo, un defecto necesariamente: más bien, de forma voluntaria o involuntaria, ayuda a resaltar la orientación casi gótica que Cathedral le da a su repertorio. Las letras no son muy abundantes, pero suelen resaltar la belleza y los beneficios de la introspección y la búsqueda del yo interior; la transmisión de este tipo mensajes hace un interesante contraste con los oscuros pasajes instrumentales interpretados por los músicos. Si bien la banda tiene áxito a la hora de construir ricos y oscuros ambientes musicales, no sucede lo mismo con la elaboración y composición de melodías: el factor melódico resulta más bien pobre, lo cual es una lástima teniendo en cuenta que se hace evidente en cada una de las canciones una verdadera habilidad tácnica de parte de los músicos. Tal vez este aspecto pudo haber madurado posteriormente, pero desafortunadamente Cathedral se disolvió poco tiempo después de terminar la grabación de SGS. Aunque el nivel de todos los temas es muy parejo, cabe destacar "Days & Changes", el instrumental "Gong" y "The Search", que cierra el disco.
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HANDS
Hands (1977-1080)
Por Cásar Inca

Hands es una de las bandas norteamericanas más versátiles e interesantes de la escena progresiva setentera de su país, pero como en el caso de However y otras más, nunca pudo obtener un decente contrato de grabación, por lo que su primera presencia en el mercado discográfico consistió en una edición en CD del repertorio que acumularon en varios demos, entre 1977 y 1980. El sonido es bastante bueno en la mayoría de los casos, teniendo en cuenta la procedencia de sus fuentes. El grupo supo en gran medida sacar buen provecho de la versatilidad de cada uno de sus integrantes, no solo en lo que concierne a la eficacia de las ejecuciones, sino también en la integración de diversos elementos estilísticos para la conformación de una propia personalidad musical, interesante por su riqueza. Las composiciones exhiben un alto nivel general de creatividad, acorde con la variopinta ideología estilística del grupo. Algunos de sus temas los acercan al prog sinfónico de fuertes tonos rockeros y melódicos, similarmente al mejor Kansas, y en sus pasajes más extravagantes, incluso a Gentle Giant (‘Triangle of New Flight’, ‘Worlds Apart’); mientras que otros se inclinan más hacia climas más elegantes de corte jazzero y matices eficazmente armados, a lo Happy the Man (‘Zombieroch’, ‘Mutineer's Panorama’, ‘Mindgrind’). también encontramos temas breves de corte introspectivo, con una estructura típica de cámara (‘Prelude # 2’, ‘The Tiburon Treasure’) o de corte más tirado al folk (‘Greansoap’). Pero en definitiva, los temas predispuestos a llamar la atención de manera más notoria son los más extensos, pues por ello mismo dan espacio más que suficiente para la confluencia de las diversas facetas de Hands en un solo número; tales son los casos de ‘Dreamsearch’ y ‘Antarctica’. En suma, el repertorio de este CD es una verdadera gema progresiva, injustamente postergada por el mercado musical, pero afortunadamente rescatada por Shroom Productions para el deleite de los fans del progresivo que aun seguimos existiendo en la actualidad.
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HAPPY THE MAN
Beginnings (demos de 1974 y 1975)
Por Cásar Inca

Aunque la revisión de la trayectoria de Happy The Man seguirá un orden estrictamente cronológico, creemos que no es recomendable iniciarse en la carrera de este fantástico grupo norteamericano comenzando con esta compilación de sus primeros demos, editada a finales de los 90's. El sonido de los demos, aunque no cuentan con una calidad aceptable, refleja de manera inequívoca el virtuosismo interpretativo de los músicos y la delicada belleza de sus temas, aunque también se nota que en sus temas más extensos aparecen recurrentemente cambios de ritmo bastante forzados y poco fluidos. En sus inicios, la orientación de HTM apuntaba a la vertiente jazzística de tipo Canterbury, tal vez con una tendencia más oscura, junto con un sentido del humor abiertamente heredado de Frank Zappa, lo cual es recalcado por el estilo teatral del canto de Cliff Fortney. Éste solo aparece en los cuatro temas grabados a inicios de 1974, cuando el grupo estaba recién formado. Los otros tres temas, todos instrumentales, forman parte de demos grabados a mitad del año siguiente, y es justamente en ellos donde el ahora quinteto muestra un sentido más cohesivo en la interpretación y arreglos de sus temas, así como una mayor absorción de elementos sinfónicos añadidos a su estilo. Es esta amalgama de jazz y sinfonismo la que habría de marcar la orientación progresiva de HTM en el futuro.
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HAPPY THE MAN
Death's Crown (demos de 1974 y 1976)
Por Cásar Inca

Otra selección de demos, esta vez de la segunda mitad de 1974 y de inicios de 1976. En el primer rubro tenemos a la extensa suite progresiva (alrededor de 40 minutos de duración) que da título al CD. Basada en conceptos en torno a la muerte, el Purgatorio y la entrada al Cielo, lo cual explica su carácter predominantemente etáreo, a veces casi siniestro, en esta suite HTM experimenta con estructuras sinfónicas de herencia genesiana y cameliana, dadas las exigencias de un proyecto musical de tal envergadura. Se trataba de un proyecto multimedia, pues la interpretación en vivo de "Death's Crown" incorporaba coreografías, mímicas y proyecciones de slides. también de 1974 es el demo de "New York Dream's Suite" (que luego habría de aparecer en su primer disco oficial, editado por Arista). Ya sin la presencia de Dan Owen, HTM se luce como quinteto en el demo de 1976 de "Merlin Of The High Places", tema que sirve como un acertado adelanto de la riqueza de melodías y texturas que habrá de caracterizar al repertorio de esta banda durante su etapa de madurez. A partir del alejamiento de Owen, HTM decidió continuar estrictamente como un quinteto.
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HAPPY THE MAN
Happy The Man (1977)
Por Cásar Inca

Desde su álbum debut, Happy The Man exhibe un estilo y un sonido bastante maduros, que beben de las fuentes jazzísticas del Canterbury, el sinfonismo melódico de Camel y Genesis, y algunos toques pastorales y barrocos (similares a los que encontramos en los temas más delicados de Gentle Giant, por ejemplo). Con todo, HTM logran desarrollar una personalidad propia tanto en la composición como en la limpia ejecución de su material, casi completamente instrumental, el cual se caracteriza por alternar melodías de sublime y delicada belleza ("Upon The Rainbow", "Carousel", "Hidden Moods") con otras más juguetonas y moderadamente agresivas ("Stumpy Meets The Firecracker In Stencil Forest", "Knee Bitten Nymphs In Limbo"), siempre con su infaltable toque de elegancia: incluso, ambos aspectos se funden simultáneamente en los temas más largos ("Mr. Mirror's Reflection On Dreams" y "New York Dream's Suite"). El ensamble grupal se sostiene sobre el altísimo y muy parejo nivel interpretativo de los músicos de HTM, aunque quien logra destacar de todo el conjunto es el tecladista Kit Watkins, cuyo estilo se inspira por igual en la furiosa pirotecnia de un Keith Emerson, la sensibilidad jazzística de un Dave Stewart y el sentido melódico de un Pete Bardens. Con todo, cabe señalar que, bajo el virtuoso despliegue de solos de guitarra, sintetizador y vientos, HTM se preocupa principalmente por el trabajo de equipo, que presenta un trabajo armónico grupal consistente y bien construido. Imprescindible.
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HAPPY THE MAN
Crafty Hands (1978)
Por Cásar Inca

El segundo LP de HTM básicamente sigue por todas las vertientes iniciadas en el primero, mas no se trata de una simple copia de áste. El ingreso del nuevo baterista le da nuevos bríos a la banda: Ron Riddle exhibe, dentro de las coordenadas jazzísticas, un estilo más fuerte y compacto que su predecesor, lo cual no solo permite dar entrada a un sonido grupal más fuerte, sino que también ayuda a darle mayor consistencia a las complicadas estructuras rítmicas de los temas que componen este disco, empezando por el fascinante y breve instrumental de entrada, "Service With A Smile". también destaca "Open Door", hermoso tema medio sinfónico, medio pastoral, así como los juguetones "Ibby It Is" y "Steaming Pipes", el extremadamente melancólico "The Moon, I Sing", y "Wind Up Doll Day Wind", único tema cantado del disco, el cual exhibe el mayor nivel de agresividad instrumental de que son capaces HTM. Al igual que el primer disco, también se trata de un trabajo altamente recomendable, e incluso, comparándolo con aquál, áste exhibe una mayor madurez estilística y un ensamble grupal más compacto.
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HAPPY THE MAN
Live (1978)
Por Cásar Inca

Grabado a partir de un concierto realizado en Washington a fines de 1978, "Live" ofrece como su novedad más notoria la presencia del baterista francás Coco Roussel. Resulta que Ron Riddle decidió abandonar el grupo después de las sesiones de grabación de "Crafty Hands". El reemplazo resultó bastante adecuado: Roussel cuenta con la suficiente elegancia jazzística y precisión rítmica como para sostener con bastante solvencia los intrincados temas de HTM. En vivo, el sonido del grupo exhibe una fuerza rockera que no se muestra tanto en sus trabajos en estudio. Como parte del repertorio para este concierto, HTM interpretaron un arreglo más fuerte y psicodálico de "Carousel", inicialmente incluido en el disco debut.
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HAPPY THE MAN
Better Late... (1979)
Por Cásar Inca

recién remezclado y editado en 1989, "Better Late..." presenta lo que hubiera sido el tercer y último trabajo discográfico de HTM, a partir de un par de demos grabados en febrero de 1979. Tras una incesante y agotadora lucha frente a la incomprensión de la prensa musical y el desinterás de los sellos discográficos, junto con la irremediable partida de Kit Watkins a las huestes de Camel, HTM decidió separase, con lo cual se frustró cualquier plan de editar estos temas de manera apropiada. A pesar de tratarse de unos demos, el sonido es bastante nítido y eficiente. De los diez temas que componen este trabajo, cuatro son cantados. Uno de ellos, "Shadow Shaping", critica abiertamente el negocio discográfico, mientras que "Such A Warm Breeze" exalta las bellezas de la naturaleza con un tono extremadamente lánguido. Sin embargo, como siempre, los instrumentales son los que más destacan, en especial, "At The Edge Of This Thought" y "Eye Of The Storm" (luego versionado por Camel), rebosantes de melancolía, así como "Run Into The Ground" y "Labyrinth", más energáticos. Tras contemplar el resultado global, el oyente se da cuenta que los tonos melancólicos abundan tal vez en exceso, con lo que la dimensión más agresiva del sonido de HTM pierde lamentablemente bastante presencia. Aún tratándose de un trabajo recomendable, sobre todo por la delicada belleza que destila, no logra reflejar todas las aristas de la personalidad musical de HTM, y por tanto, no resulta un disco redondo. 
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HOWEVER
Sudden Dusk (1981)
Por Cásar Inca

después de ocho años de formada, recién en 1981 However pudo editar su primer disco de vinilo. Éste consistía en una colección de temas grabados entre 1974 y 1980, la cual lejos de ser una compilación caótica, más bien mostraba una secuencia a la vez coherente y variada. El estilo de However fusiona en dosis equitativas la onda jazzera satírica de Frank Zappa y del Canterbury (Soft Machine, Hatfield And The North) con las disonancias armónicas masivas del RIO (Henry Cow, Art Bears), dando como resultado un concepto musical sumamente intrincado, contundente y creativo. Prueba de ello son temas como "It's Good Fun", "Beese", "Grandfather Was The Driver" y "Trees For The Forest", en los cuales los solos de vientos y guitarra, junto con las florituras de Peter Mark Prince en el bajo, se despliegan sobre una base melódica y rítmica complicada. A la par de todo esto, el ensamble grupal logra mantenerse sólidamente compacto. Mención aparte merece el tema que da título al disco, formado de ambientes sonoros etáreos, así como los temas de corte pastoral titulados "Louise Sitting In A Chair" e "In The Midst Of The Making", llenos de una belleza serena y envolvente: lejos de desentonar con el ambiente integral del disco, sirven como necesarios momentos de reposo. En líneas generales, "Sudden Dusk" resulta una muestra de alta calidad del progresivo jazzero más radicalmente vanguardista.
En 1983 editan otro álbum llamado "Calling".
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LEVIATHAN
Leviathan (1974)
por Rená Osnaya

Disco del 74, grabado en Menfis, Tenesee, Estados Unidos.El estilo del album es una mezcla de heavy prog bien equilibrada. En cuanto a las piezas hay buen uso de teclados y se incluye un mellotron. Este es un disco en los cuales se cuidan los arreglos y existen desarrollos sinfónicos , en momentos es muy agresivo y en momentos es muy lento y melodioso. Sobre los músicos no se sabe quien toca quá pero en los créditos las piezas son de Grady Trimble , Wain Bradley y Don Sweringer. Sobre la tendencia existe mucha influencia del progresivo que se hacía en Europa por los arreglos tan clásicos pero con un toque muy propio. Sobre el diseño de portada es un excelente concepto con alegoría a una serpiente marina típica de un mapa de navegación de la edad media.
El disco está dividido de la siguiente manera:
Chapter one
Section One
Arabesque: Pieza abridora con gran fuerza utilizando guitara, organo , mellotron , bajo y batería
Angela: Tiene atmosferas suaves de guitarras psicodáilicas en la apertura, y se sigue desarrollando acompañada por unas tonadas de flauta y usando el mellotron como una orquesta, y con armonias de piano durante el desarrollo del tema.De base estan el bajo y la bateria. .
Endelss Dream: Piezas ligada al anterior con un puente de mellotron como atmosfera y siguiendo el tema con bajo y usando el piano, organo y guitarra para acentuar , se crea una buena atmósfera un tanto oscura- piscodálica hacia lo místico.La batería marca un ritmo suave con tintes a lo jazz. En esta pieza hay un buen solo de organo.
Section Two:
Seagull: Esta es una pieza más tradicional dentro del hard rock con teclados que hacen pensar en Deep Purple, esto contrasta con la secuencia intermedia totalmente arreglada en forma clásica usando piano, percusiones y el mellotron como orquesta; este contraste es bien llevado por el gran ingenio musical de este grupo.
Angel Of Death: Esta pieza sigue la tendencia hard rock con una bella y cuidada sencillez que no la deja caer en lo trivial.
Always Need You: Pieza hecha a manera de balada usando piano sobre la base tradicional (bajo y batería) pero siempre utilizando el mellotron como orquesta, dandole la dirección hacia el rock progresivo.
Quicksilver Clay: pieza final donde se cojugan todas las endencias que se escucharon durante el desarrollo del disco , a veces oyendose a la Uriah Heep. 
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THE LOAD
Praise The Load (1976)
por Rená Osnaya

En mi opinión este grupo es uno de los mejores grupos estadounidenses que han existido. La banda se forma en Columbus,Ohio en marzo de 1973.El tecladista Sterling Smith tocó con The Grayps y en 1970 con J.D. Balckfoot. después se reorganizaron a finales de 1970 y Deve Hessler se unió al grupo tocando el bajo y se nombraron "Osiris". Osiris abrió conciertos para Alice Cooper, Iron Butterfly, The MC5 y tres shows con la Mahavishnu Orchestra, después se separan. The Load hicieron su propia compañía de discos llamada "Owl Recording Studios Inc." en Noviembre del 73, rentaron una grabadora Scully de ocho canales que grabó el festival de Woodstock. El estudio se construyó dentro de una casa de 165 años de antigüedad en las afueras de Columbus. Praise The Load es el primer álbum de tres que debieron salir editados por Owl Recording Studios. Este album es edtidado en cd por Laser's Edge incluyendo dos bonus tracks "Sit Down" y "She Calls My Name".Este primer álbum es de una tendencia claramente clásica a decir de Sterling Smith es un gran tecladista que gusta de hacer revisiones de los clásicos e incluirlas en sus álbumes. este grupo puede ser considerado al lado de los grandes grupos de tendencias hacia la música clásica y gran uso de teclados como The Nice, ELP, Collegium Musicum, Trace y Ekseption. Praise The Load es una verdadera obra de arte dentro del progresivo sinfónico. Quizás sea un poco aventurado pero al mismo tiempo es posible que sea cierto decir que Sterling Smith fue el mejor tecladista de rock progresivo estadounidense que ha habido. Praised The Load (CD): Fandango, Flyaway, Brandenburg # 3 ( tercer movimiento), Dave's 'A' Song, The Betrayal, The William Tell Overture, Sit Down, She Calls My Name.
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THE LOAD
Load Have Mercy (1977)
por Rená Osnaya

Este es el segundo álbum del grupo, existen partes de lo que hubiera sido el tercer disco, el cual nunca salió. Las piezas que corresponden al tercer album son: "One Is Gone, Choices, Too Much To Believe". Los tracks restantes del tercer álbum fueron guardados, excepto "The Betrayal" que se incluyó en su primer álbum. "Load Have Mercy " fuá concluido en 1977 el sonido de este sigue la tendencia del primero, un claro predominio de teclados con influencias clásicas y jazz, los arreglos son más cuidados y hay más participación de la guitarra enriqueciendo el sonido. En el cd se incluye Eitel's lament, pieza nunca antes grabada. Se dice que esta pieza épica de más de 12 min. fue uno de los grandes áxitos tocados
en vivo del grupo. Para grabar esta pieza se le sugirió a Sterling Smith que la banda se reuniera y entonces este viajó a a Ohio para reencontrarse con Dave y Tom. La pieza fue escogida de la segunda toma.
Sobre esta pieza hay una leyenda que esta el el booklet del cd y dice: "Se ha dicho que nunca puedes regresar. Un frío día de invierno, tres amigos regresaron el reloj y recrearon 12 minutos de magia de rock progresivo"
Ken Golden -The Laser's Edge
8/95.
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MAHAVISHNU ORCHESTRA
The Inner Mounting Flame (1971)
Por Humerto Luna

Un debut deslumbrante. Los antecedentes de los trabajos con Miles Davis (Bitches Brew es algo que nadie debería dejar de escuchar) o el trabajo solista previo de JML no dan la pauta de lo que aquí se desarrolla, ms allá de que en este último, "My Goals Beyond", JML se hace acompañar con Goodman y Cobham. Ante nada esto es realmente fusión, hay un verdadero equilibrio entre el jazz y el rock, JML recurre a riffs rockeros y estira las cuerdas como un músico de blues, además de mostrarnos su sorprendente digitación. Cobham sienta pautas en la batería que influenciarán a muchos bateristas del rock. No es necesario hablar mucho sobre la calidad de Hammer en los teclados, pero lo que inevitablemente llama la atención son los duelos permanentes entre la guitarra y el violín eláctrico de Jerry Goodman con discantos, contrapuntos y todos los ejercicios armónicos imaginables en escalas infernales que llegan a su máxima expresión cuando tercia el mismo Hammer. La precisión, y contundencia de Cobham se acopla a esta conjunción (no lucha) de egos. Rick Laird en el bajo sale airoso aunque es indudablemente el miembro más discreto. En algunos temas como "A Lotus on Irish Streams" la banda reposa en una buena melodía para permitirnos un descanso de los tempos alucinantes que predominan en el álbum. No es demasiado arriesgado afirmarr que MO nos adelanta ciertos aspectos de lo que tan magistralmente desarrollará el Crimson de Fripp, Wetton, Bruford algunos años despues. 
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MAHAVISHNU ORCHESTRA
Birds of Fire (1972)
Por Humerto Luna

Al igual que el anterior álbum, salvo "Miles Beyond" del propio Miles Davis las composiciones pertenecen íntegramente a JML, . Sin embargo puede notarse un mayor reparto e los espacios de lucimiento personal. Hammer incorpora el sintetizador Moog incrementando el potencial sonoro de los teclados. Cobham de a momentos tiene un protagonismo inusitado para un baterista en una banda como esta. El primer álbum es tal vez más compacto y homogáneo. Este presenta mayor variación, incorporación de elementos sinfónicos, algunos ritmos folk y búsqueda melódica. No están ausentes los temas de tempo vertiginoso y los característicos contrapuntos. Inner Mounting Flame y Birds Of Fire conforman lo mejor de esta etapa de la MO. Como hecho curioso este álbum instrumental figuró en el Top Twenty del ranking de Billboard.
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MAHAVISHNU ORCHESTRA
Between Nothingness and Eternity (1973)
Registro en vivo. Se comenta que se notaban ciertos conflictos internos en la banda y probablemente esto tenga que ver con un descenso de nivel en la calidad musical de este disco con respecto a los anteriores. Tengo la impresión de que se ha roto el delicado equilibrio existente entre las personalidades musicales avasallantes que conforman la banda y salvo en algunos pasajes, en lugar de trabajar como una unidad los miembros se pasan la posta para liderar mientras el resto de los musicos se limita a acompañar. Solo tres temas, con una composición, la de menor duración, llamada "Sister Andrea" perteneciente a Hammer. La calidad sonido no es exactamente deslumbrante pero es aceptable para un disco en directo. En definitiva: algo lejos de la calidad de los dos primeros discos.
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MAHAVISHNU ORCHESTRA
The Lost Trident Sessions (1973)
Por Humerto Luna

Grabado en Londres en 1973 este álbum recién fue editado en 1999. Primero dejado de lado por decisión de los miembros de la banda que prefirieron publicar el disco en vivo Between Nothingness and Eternity, luego estas cintas se consideraron perdidas hasta que fueron casualmente encontradas. Los tres primeros temas son Dream, Trilogy, y Sister Andrea, que en versiones diferentes conforman lo que fue el disco en vivo. En principio podría hacerse de estos temas los mismos comentarios ya hechos para el otro trabajo. Sin embargo en mi opinión el trabajo mostrado por los músicos es mas más amalgamado en la producción en estudio y lo encuentro superior. Solo la mitad de los temas pertenece al guitarrista británico, repartiándose Goodman, Hammer y Laird la autoría de los tres restantes. Debe tenerse en cuenta que a pesar de ser un álbum de estudio está grabado en un solo día. El que hubiera sido el tercer álbum de MO, y último de la formación original, está para miA mitad de camino entre la majestuosidad de los dos primeros discos y el registro en vivo que es para mi algo decepcionante.
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MAHAVISHNU ORCHESTRA
Apocalypse (1974)
por REP

John McLaughlin decide disolver la original Mahavishnu Orchestra para dar lugar a una idea que será un enorme paso adelante en su carrera compositiva.
Con su renovada formación alinea un nuevo violín solista de la mano de Jean Luc Ponty (Frank Zappa, George Duke) y agrega la dulcísima y sobresaliente voz de Gayle Moran (esposa de Chick Corea) quien se encargará también ahora de los teclados.
El disco es una rara joya, una pequeña obra de arte emparentada con grandes y ambiciosas producciones, llevada a cabo y ejecutada brillantemente con un puñado de virtuosos músicos de distintas extracciones musicales y vertientes.
La participación de la Royal Filarmonic Orchestra, cuyo arreglo estuvo a cargo del joven Michaell Gibbs, es decisiva en "Vision is a naked sword" dándole carácter de  obra maestra al ensamble pero realmente se destaca en todo el disco.
El album contiene cinco piezas de corte sinfónico y con amplia participación de las cuerdas y un enfoque mucho más prolijo que el empleado con la anterior formaciónalcanza un vuelo pocas veces logrado por formaciones similares.
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MAHAVISHNU ORCHESTRA
Visions Of The Emerald Beyond (1975)
por REP

Un total de 13 temas muestran todo el potencial de la nueva MO que se luce en su nueva versión desarrollando piezas ampliamente coloreadas con rock, blues, funk y hasta algunos guiños al gospel y al AOR sin descuidar los toques clásicos, vivamente aderezados en este caso por la presencia del soberbio violín de Jean-Luc Ponty y el trío de cuerdas que forma parte de la banda.
El trabajo de la batería es a la vez más consistente y tácnicamente más logrado que en Apocalypse. El bajo también se destaca debido a una mayor presencia del instrumento gracias al personal sonido que le aporta Armtrong.
Los vientos refuerzan los arreglos con armonías interesantes y con una ejecución bien precisa. Solamente los teclados declinan presencia, en este disco a cargo de Gayle Moran, cumpliendo un rol de acompañamiento armónico sin destacarse como instrumentos solistas y limitados a ser partenaires de McLaughlin y Ponty.
La totalidad de las composiciones pertenecen a JML con la única salvedad de "Cosmic Strut" co-escrita con el fantástico baterista y productor Michael Walden.
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MAHAVISHNU ORCHESTRA
Inner Worlds (1976)
por REP

Debut discográfico de JML ejecutando una guitarra con sintetizador.
Tal vez este disco se separa un tanto del resto por volver más su mirada sobre la fusión de diversos estilos sin alejarse tanto de la influencia de John Coltrane en la visión musical de McLaughlin. Los teclados aquí vuelven a ser importantes de la mano del eximio tecladista Stu Goldberg quien acompañará los siguientes pasos de JML tras su salida de Shakti. "In my life" es una nueva colaboración de McLaughlin con Michael Walden -por entonces 'Mahavishu' y 'Narada', respectivamente- una composición más cercana a un himno religioso pop que al jazzprog pero que muestra algunos arreglos interesantes y una soberbia participación de JML en guitarra acústica de 12 cuerdas. Junto a 'River of my heart' son las baladas pop que contiene el album. El tema que le da título al disco así como 'Miles out' son más experimentales y exploran las posiblidades tácnicas de los instrumentos electrónicos utilizados aunque no muestran conceptos musicales claros. El resto del disco navega por diferentes climas y líneas rítmicas que sirven de excusa para largas improvisaciones.
Un disco bastante opaco y marcadamente por debajo de las posibilidades de los músicos que participan en ál donde únicamente sobresale 'The way of the pilgrim'.
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MIRTHRANDIR
For You The Old Woman (1975)
por Rená Osnaya

Album grabado en Orange, Nueva Jersey, USA en 1975.Grupo estadounidense con una clara tendencia hacia el progresivo europeo de la ápoca con buenos desarrollos y arreglos de las piezas. El grupo tiene audibles influencias de Genesis , Gentle Giant , Yes y Premiata Forneria Marconi. Los musicos tienen un buen nivel de preparación pero creo que no llegan a tener un estilo bien definido.Haciendo una alegoría a su sonido, el álbum se escucha como un gran buque de guerra pero sin timón. Son cinco temas los que constituyen este disco: For You The Old Woman, Conversation With Personality Giver, Light Of The Candle, Number Six, For You.

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STARCASTLE
One (1976)
Por Cásar Inca

Starcastle son considerados como los imitadores arquetípicos de Yes, lo cual no está muy lejano de la verdad, pero queda algo más que decir acerca de ellos. Banda fundada como quinteto a inicios de los 70's, se convierte en un sexteto cuando convocan a Terry Luttrell para que ocupe el lugar de cantante solista una vez que áste se apartó de REO Speedwagon. Dado el registro tenor agudo de Luttrell, así como la tendencia sinfónica del material de la banda y su gusto por las armonías vocales, era obvio que su punto de referencia principal tenía que ser Yes: ellos optaron por tomar como modelo el material de Yes de los años 71-72, reforzando el aspecto rockero y sinfónico, y aminorando el aspecto de corte folk. En cuanto a "One", su primer disco, refleja las típicas limitaciones de una banda aún inmadura que se aferra demasiado a su modelo: esto se refleja claramente en sus tres primeros temas, donde los músicos y vocalistas, a la par que muestran sus respectivas habilidades tácnicas individuales, no pasan de ser hábiles clonadores. Más bien es en los cuatro últimos donde van mostrando indicios de originalidad. Los instrumentales "Stargate" y "Nova" son contundentes, mientras que "Sunfield" y "To The Fire Wind" exhiben un claro esfuerzo por crear melodías interesantes e más intrincadas. En suma, un disco recomendable para los fans de Yes que gusten de investigar en sus imitadores, pero que hay que tomar con pinzas a la hora de evaluar su aspecto creativo. Destacan en especial las performances del bajista y del tecladista, a pesar de ceñirse demasiado a los parámetros respectivos de Squire y Wakeman.
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STARCASTLE
Fountains Of Light (1977)
Por Cásar Inca

En este su segundo trabajo discográfico, Starcastle logran un mayor nivel de imaginación y complejidad a la hora de componer y arreglar las melodías y los cambios de ritmo en las seis canciones que lo integran: sin embargo, este mayor despliegue de creatividad no los libera aún de su altísimo nivel de dependencia respecto a los parámetros musicales de Yes. Con todo, es justo reconocer que las armonías vocales son más elaboradas, y el ensamble instrumental de los cinco músicos adquiere una mayor integridad, aunque el bajista y el tecladista siguen siendo los que más se lucen dentro del conjunto. "Fountains" y "True To The Light", los dos temas más extensos, junto con el atractivo y enárgico tema final titulado "Diamond Song (Deep Is The Light)", son los que mejor reflejan la madurez alcanzada por el grupo en este momento de su carrera. también merece mencionarse el hermoso tema de corte folk acústico "Portraits", cuya introducción y conclusión recuerdan bastante a los pasajes acústicos del "And You And I" de Yes. después de FOL, los siguientes trabajos de Starcastle mostrarán un evidente declive creativo, con lo cual tenemos que este disco significa su pico artístico.
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STARCASTLE
Citadel (1977)

 

 


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STARCASTLE
Reel To Real (1978)

 

 

 

 

 

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RETURN TO FOREVER
Light as a feather (1970)
por REP
 
Básicamente se trata de un disco de jazz pero su concepción tan avanzada para la ápoca lo convierte en una suerte de puente entre el jazz moderno y el jazzrock o jazz progresivo, estilo pronto a desembarcar y en el que RTF se destacará junto a otros grupos como The Electromagnets o The Mahavishnu Orchestra e intárpretes de la talla de Herbie Hancock o George Duke.

 

 


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RETURN TO FOREVER
Return To Forever (1971)
por REP
 
Chick Corea emprende una de las etapas más fártiles y concibe la música que plasma en este album en compañia de Stanley Clarke, ya instalado en un rol más preponderante a partir de sus habilidades únicas con el contrabajo y el bajo eláctrico a lo que se agrega ahora su talento como compositor.
 

 



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RETURN TO FOREVER
Hymn of the Seventh Galaxy (1973),
Por Cásar Inca

Con su tercer disco, RtF inicia su fase más orientada hacia la fusión jazz-rock. El tema homónimo que da inicio al disco lo anuncia de modo directo, sin mayores preámbulos. El sonido es más agresivo, y las composiciones, sin abandonar del todo las vertientes latinas exóticas que signaron los álbumes anteriores, dan un espacio preferente a las florituras agresivas y tensas de guitarra y teclado, con el bajo de Stanley Clarke siempre encontrando un espacio para lucirse de forma casi ‘autónoma’ dentro del conjunto, aumentando con ello la sensación de tensión presente en cada tema de este disco. Lenny White logra a la vez cimentar una base rítmica sólida y lucirse constantemente en diestros redobles, completando el paisaje de libre expresión retratado por el ensamble instrumental. El nivel de los seis temas que conforman ‘Hymn...’ mantienen exitosamente un nivel muy parejo, pero podemos destacar temas ya clásicos dentro del repertorio de RtF, como son ‘Captain Senor Mouse’ y ‘Theme to the Mothership’, así como esa alucinada composición de Clarke titulada ‘After the Cosmic Rain’.
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RETURN TO FOREVER:
Where Have I Known You Before (1974),
Por Cásar Inca

Aparte del cambio de guitarrista, a favor de la entrada de di Meola – visto en retrospectiva, el guitarrista ‘arquetípico’ de RtF -, también notamos un cierto cambio de actitud musical con respecto al disco anterior. Ya no prima la agresividad sonora, sino el manejo de texturas más reposadas, lo cual hace sentido con la temática más emocional e introspectivo del disco, inspirado en un poema de Neville Potter que versa sobre la conexión interpersonal del yo y el otro: la presencia de ocasionales interludios de piano de cola ayuda a transmitir dicho espíritu intimista. La incorporación de sintetizadores dentro del arsenal sonoro de Corea ayuda a ampliar el espectro sonoro de la banda. El funky, sazonado con un poco de soul, es uno de los ingredientes más saltantes y recurrentes que encontramos aquí, lo cual permite que los toques latinos vuelvan a salir a flote con mayor fluidez. ‘Vulcan Words’ y ‘Beyond the Seventh Galaxy’ son característicos de la vertiente general del disco. Mis favoritos personales son, por un lado, la hermosa composición de Lenny White titulada ‘The Shadow of Lo’, y el tema de cierre, ‘Song of the Pharoah Kings’, que a lo largo de sus 14 minutos de duración regala al oyente los pasajes más energáticos del disco.
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RETURN TO FOREVER:
No Mystery (1975),
Por Cásar Inca

Este disco claramente sirve como un puente entre el que le precedió y el que habría de sucederle, pues su repertorio se divide en dos orientaciones. Por un lado, tenemos en temas como ‘Dayride’ y ‘Sofistifunk’ una continuación, e incluso realce de las marcas funky y latina del jazz fusión cultivado propiamente cultivado por RtF. Pero por otro lado, en la secuencia de los tres temas finales, ‘No Mystery’, ‘Interplay’ y ‘Celebration Suite’ – tal vez la parte mejor lograda del disco - encontramos una inclinación más clara hacia los colores sinfónicos. La presencia cada vez mayor de los sintetizadores sirve de herramienta eficaz para empezar a trabajar este aspecto. también destaca ‘Flight of the Newborn’, tema que significa el debut de Al di Meola en el área composicional de la banda: en dicho tema el susodicho guitarrista despliega con la destreza que lo caracteriza una energía abierta y envolvente que lo hace resaltar en medio de dos instrumentistas de tan fuerte personalidad como son Corea y Clarke. Por su parte, White sigue tan eficiente y creativo como siempre. En líneas generales, tenemos aquí un disco que no llega a tener el aura mística funky del Where Have I... ni el luminoso resplandor sinfónico del Romantic Warrior, por lo que suele ser un poco visto por encima del hombro por conocedores y críticos musicales. Pero creo que este disco debe ser apreciado por lo que es básicamente: un puente estilístico entre dos de los discos más logrados de toda la carrera de RtF.
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RETURN TO FOREVER:
Romantic Warrior (1976)
Por Cásar Inca

Éste es, según muchos fans y comentaristas, el mejor trabajo discográfico de RtF. Esta percepción sin duda se fundamenta en el despliegue, a la vez absorbente y elegante, de elementos y texturas sinfónicas, las cuales sirven para realzar contundentemente la ampulosidad y majestuosidad inherentes a la fusión cultivada por la banda. Como resultado, el sonido vuelve a retomar una actitud más agresiva y energática. El bagaje instrumental aumenta en número (más sintetizadores, más guitarras acústicas, más instrumentos de percusión), lo cual juega al servicio de la orientación ‘orquestal’ que predomina en este disco. Sin dejar de estar presentes los elementos funky y latinos (en ‘Majestic Dance’ y ‘The Romantic Warrior’), es la ampulosidad sinfónica el elemento más obviamente destacado. ‘Medieval Overture’ y ‘The Romantic Warrior’ son claras muestras de ello. Pero son los dos últimos temas los que, en mi opinión, destacan dentro de un conjunto de por sí de un altísimo nivel uniforme. ‘The Magician’ y ‘The Jester and the Tyrant’ exhiben una mezcla poderosa e inteligentemente equilibrada entre la dirección jazzera propia de RtF y los delineamientos originales de este disco: en especial, el segundo de los temas mencionados, que aprovecha su extensión para dar espacio a una diversidad impecablemente ordenada de atractivas melodías y ambientes elegantes. En lo personal, coincido en que es el trabajo más atractivo de RtF, por exhibir tanta riqueza e imaginación en sus melodías e intrincados arreglos.
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RETURN TO FOREVER:
Musimagic (1977)
por REP

Comienza una etapa completamente diferente enmarcada en el cambio de sonido. Se aleja Al Di Meola y la inclusión de una compleja sección de vientos le permitirá a Corea explorar nuevos rumbos junto a las vocalizaciones de Gayle Moran. No se trata de un retorno al jazz introspectivo de "Return to Forever" o "Ligth as a Feather" sino que aparece un amplio abanico de recursos, la explosión de ritmos latinos fusionados con el jazzrock sello de la banda, fuertes síncopas y contrapuntos entre la secciones rítmica y armónica y un grueso colorido a cargo de los solistas de vientos dentro de un contexto de arreglos mucho más orientado al jazz.

El resultado igualmente es un tanto ambiguo, no define un parámetro que sirva para categorizar el producto de la nueva banda, ya sea por demasiado novedoso o por la ausencia de un perfil definido como existía hasta el álbum anterior.

En todo caso se parece más a un disco solista de Chick Corea, rodeado de una buena cantidad de músicos estrella que a un disco que represente la evolución lógica de la banda.
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RETURN TO FOREVER:
RTF Live (1977)




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RETURN TO FOREVER:
This is Jazz (1978)




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ZAPPA EN LOS 60's

 

Apuntes Biográficos

Por HLT
 

Frank Zappa nació el 21 de diciembre de 1940 en Baltimore, Maryland, USA. Su familia de origen mixto italiano y griego se trasladó varias veces hasta establecerse en Los Angeles. A los 12 años mientras vivían en Monterrey Frank comienza a tocar batería mientras escucha R&B y doo-wop. En algún momento mientras interviene en bandas de R&B y estudia armonía y composición descubre a Anton Webern Igor Stravisnky y Edgar Varese quienes se transformaran en algunas de sus fundamentales influencias. El joven FZ estaba completamente volcado al mundo del arte y durante su secundaria ganó varios premios en gráfica. Se conserva alguna grabación de su periodo como baterista de The Blackouts, pero pronto la guitarra se transforma en su instrumento. A los 21 años se le encarga la banda de música de un film delirante llamado "The World's Gratest Sinner". Mietras tanto llegó a presentar por la televisión un concierto de "Ciclofonía"en el cual el instrumento musical era…una bicicleta. Con el dinero obtenido por sus trabajos instala su Studio Z en Cucamonga. Alli se reencuentra con un compinche de su adolescencia llamado Don Van Vliet y se rodea de Freaks, entre ellos los integrantes de una banda de R&B llamada Soul Giants, y terminarán formando The Mothers, que rápidamente ganan aceptación en la escena subterránea de Los Angeles. Finalmente llegaría un contrato con el sello Verve de la MGM. Así, con la condición de agregar el "of Invention" a su nombre la banda graba sus primeros álbumes. Luego de Lumpy gravy al terminar el contrato conn Verve, FZ crea sus dos sellos distribuidos por Warner/Reprise: Bizarre, para "The Mothers of Invention" y Straight, para nuevos talentos, entre los que se encontraban Captain Beefheart, Alice Cooper, Tim Buckley, Wild Man Fischer y las GTOs. El primer disco aparecido por Bizarre fue Uncle Meat en 1968.

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FRANK ZAPPA 
Freak Out: (1966)
Algunas características formales del álbum interesan para comprender que se estaba creando algo diferente. El primer doble álbum de la historia del rock, tres semanas para grabarlo a un costo de más de treinta mil dólares (ambas cosas absolutamente inusuales hasta ese momento), un tema que ocupa una cara completa, y hasta un cierto hilo conceptual que une la obra. Desde el punto de vista musical no es muy arriesgado asegurar que Zappa y compañía querían desconcertar al oyente, las estrafalarias combinaciones estilísticas, inesperados cambios rítmicos, la inyección permanente del humor son recursos luego recurrentes en Zappa. Pop, psicodelia, doo wop, rock, jazz, música culta y otros estilos aparecen en las multifacáticas combinaciones, que derivan en temas accesibles a veces y complejos e intrincados otras. En todos la instrumentación es lujosa, y algunos de los temas se complementan con una orquesta dirigida por el propio Zappa. La locura se desata completamente en la indescriptible "The Return of the Monster Magnet" que ocupa el lado 4 del vinilo original y cuenta con la participación de los freaks de Los Angeles, amigos de la banda. Ya aparecen en las letras la sátira y el delirio que caracterizaría la obra de The Mothers. La voz de Ray Collins parece diseñada para armonizar con la de Frank, su timbre es uno de los tantos elementos por los cuales uno inmediatamente reconoce que está escuchando a The Mothers. Muchos temas reapareceran en otras versiones en los próximos albumes de FZ, entre ellos el clásico "Anyway The Wind Blows". Hoy parece increíble que este álbum provenga de 1966, y probablemente sonaría novedoso apareciendo en 1976 o en 1986. Uno de los álbumes más trascendentes de la historia del rock. arriba
FRANK ZAPPA
Absolutely Free: (1967)
Con frecuencia considerado un álbum de menor jerarquía frente cuando se lo compara con el anterior. En mi opinión es al menos tan interesante y con la caraterística de no tener altibajos en su nivel. Freak Out tiene temas como "The Return of the Monster Magnet" que luego de ser escuchados un par de veces pueden aburrir. Absolutely Free, menos extenso y con aun más variación musical es un album que soporta miles de pasadas desde el principio al fin. Hay más jazz, blues y rock pero también hay más musica culta con referencias a Stravisky ("Brown Shoes Don't Make It"), temas definitivamente progresivos como "Invocation and Ritual Dance of the Young..." y algo menos de pop y baladas accesibles con respecto al anterior disco. "Why Don'tcha Do Me Right?" es un buen ejemplo de las mutuas influencias con el Captain Beffhart. El absurdo de las letras que tratan sobre los beneficios de los vegetales no impiden la critica social en tono de sátira. De hecho el tema de apertura "Plastic People" es un "homenaje" al joven promedio de USA. Quienes disfruten del primer álbum seguirán haciendolo con áste. arriba
FRANK ZAPPA
Lumpy Gravy: (1968)
Fuera de cualquier esquematización The Mothers debutan con una álbum doble y Zappa como solista con un disco que apenas supera la media hora de duración y contiene dos temas que ocupan sendas caras del vinilo. Las influencias que de Stravisky y Varese que afloran en los primeros discos de The Mothers tienen posibilidades de ser mostradas en plenitud en la musica de esta producción, aunque se presentan frecuentes interrupciones por los dialogos de Zappa con miembros de su banda y por segmentos más orientados al rock. estas discontinuidades resultan algo displacenteras al escuchar el álbum que no por ello deja de ser interesante. Por sobre todo es un disco donde puden apreciarse las condiciones de Zappa como compositor. arriba
FRANK ZAPPA
We're Only In it For The Money: (1968)
Un álbum en que las satirizaciones sobre la sociedad y el movimiento juvenil de San Francisco cobran un nivel de mordacidad y de procacidad verbal tan alto que motivan la intransigencia de grupos reaccionarios que retrasan su publicación. La tapa original parodia sin ninguna inhibición a la de Sargent Pepper de The Beatles y sobre el bombo de la batería que aparece en primer plano reza "Were only in it for the money" (Estamos en esto solo por el dinero). El contenido musical es evidentemente psicodálico, aunque como de costumbre nos queda la duda en cuanto FZ quiere abordar un estilo por convicciones estáticas o simplemente para apalearlo. En este segundo caso lo que no abandonará nunca es el buen gusto (creando otras desconcertantes paradojas, de música de excelente nivel con letras soeces, de critica política y social con chistes de doble sentido sobre el sexo). Los temas aparecen permanentemente interrumpidos por diálogos, onomatopeyas, voces características de los cartoons o ruidos que atentan contra la continuidad de la obra (o tal vez la complementan). Desde su grabación hasta su publicación pasó casi un año. El CD reeditado por Rico junto a Lumpy Gravy (la tapa de arriba) presenta la obra sin censuras, aunque lamentablemente con regrabación de las pistas del bajo y la batería. La edición con la tapa inferior contiene la edición original con cortes. arriba
FRANK ZAPPA
Cuising With Ruben And The Jets (1968):
El doo wop ya era ostensible en los anteriores álbumes de Zappa. Pero un disco íntegramente dedicado a este estilo era algo que muy pocos se habrán esperado. Es claro que Zappa debe haber escuchado mucho de este estilo en su adolescencia. Lo que deja algunas dudas es si esto es un homenaje o una parodia. En todo caso es una colección de hermosas canciones en donde como siempre el humor tiene un rol destacado. Los aspectos musicales como siempre muestran un extremo cuidado, aunque las partes vocales protagonizan casi todos los temas. Zappa alterna con Ray Collins en la primera voz, con recurrente acompañamiento de coros, con los clásicos falsetes. Algunos de los temas como "How Could I be Such A Fool" y "I'm Not Satisfied" y un verdadero clásico "Anyway The Wind Blows" ya fueron presentados en diferentes versiones en "Freak Out". En las presentes versiones como queda expresado la variante fundamental está en la parte vocal. De la misma manera durante los setentas otros temas de este disco serán reversionadas. FZ permite que se introduzcan temas compuestos total o parcialmente por Collins como "Deseri", "Anything" o "Fountain Of Love". En definitiva, se trata de un disco de música más accesible que los anteriores, que probablemente desilusione a quienes están en busca de las facetas más experimentales o creativas de FZ. arriba
FRANK ZAPPA
Burnt Weeny Sandwich (1969):
Un álbum del que se habla poco; algo inexplicable en mi opinión porque lo considero uno de los mejores discos de FZ. Todas las influencias de Zappa están presentes en estos temas con composiciones con notables influencias de Stravisky y Varese que desembocan en pistas al estilo Big Band o en blues progresivos. Uno de los títulos, "Igor's Boogie" da la pauta de a que música nos estamos refiriendo. FZ ratifica que el humor en su música no depende únicamente de las letras satíricas o de algún falsete sino que se expresa también a travás de una brusca interrupción, del timbre agudo de un instrumento, de una melodía graciosa, de una inesperada poliritmia o de la asceleración de algún segmento. La capacidad de The Mothers para pasar de pasajes atonales a improvisaciones jazzeras o encrespados R&B no deja de sorprender, pero es el mismo Zappa el que a esta altura ya debe ser considerado como un enorme compositor. Son muy destacables los trabajos de Ian Underwood en teclados y de Don "Sugarcane" Harris en violín. La calidad del álbum no cae en ningún momento y parece mentira que en los apenas superados 40 minutos del álbum FZ pueda ofrecernos tanta variedad de genialidades. El disco abre y cierra con temas populares de los años 50s, "WPLJ" y " Valarie". En mi opinión este es un álbum imprescindible.
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FRANK ZAPPA
Uncle Meat (1969)
Otro álbum que demuestra la exuberante genialidad de FZ & The Mothers of Invention. Decididamente heterogáneo con excelentes composiciones que van desde el avant-garde hasta el jazz rock, matizados con fragmentos con diálogos (la eterna Susy Creamcheese y las GTOs) algo de R&B y doo-wop. Inicialmente estaba concebido como la banda de música del film del mismo nombre. Es interesante saber que las composiciones del álbum se desarrollaron en forma paralela a las de otro vinilo completamente diferente como es Cruising With Ruben And The Jets. Lamentablemente la calidad de la producción musical se ve ensombrecida por la incorporación de más de 40 minutos de diálogos extractados del film que ocupan gran parte del segundo CD. Para que nos podamos sentir retribuidos de semejante castigo la banda ejecuta la extravagante y divertida "Tengo Na Minchia Tanta" y una intensa versión de cerca de 17 minutos de "King Kong". Si se hace la salvedad de este poco explicable aditamento nos encontramos ante una magnífica obra.
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FRANK ZAPPA
Hot Rats (1969)
Otro disco de Zappa solista, pero ahora dedicado al jazz-rock. Uno de los mejores álbumes de FZ y del gánero. Pocos trabajos de este estilo pueden conjugar tan perfectamente la energía, el virtuosismo instrumental y la belleza melódica. El trabajo en la guitarra es excepcional, y se luce como pocas veces debido a los prolongados solos. Sin embargo la tarea de sus acompañantes no queda en saga. Ian Underwood en teclados y vientos es el coprotagonista de la obra, destacándose también los violines de Sugarcane Harris y Jean-Luc Ponty. Solo el extenso "Willie The Pimp" (lo más rockero del disco) presenta un fragmento cantado, pero no por Zappa sino por su secuaz de los años juveniles, el también genial Captain Beffhart (Don Van Vliet). Los poseedores del CD contarán con el beneficio de la versión completa de "The Gumbo Variations" con cuatro minutos que fueron cortados del vinilo, pero no por la censura en esta ocasión, sino por razones de espacio. Confieso mi especial afecto por este álbum que fue mi primer vinilo de Zappa, y que me abrió las puertas al mundo de este maravilloso músico. Otro imprescindible.
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Ediciones posteriores con material de los 60s

Weasels Ripped My Flesh (Publicado en 1970):
A manera de despedida de The Mothers of Invention se publica esta recopilación de material de estudio no editado previamente y de grabaciones en vivo del 67 al 69. A pesar de no estar confeccionado por material ideado para ser reunido en un álbum, la colección de temas presenta muy buen equilibrio entre los estilos desarrollados por la banda y el sonido de las tomas en vivo es muy bueno. Aparecen clasicos como "My Guitar Wants to Kill Your Mama".

Ahead of their Times (Publicado en 1993):
En octubre de 1968 The Mothers of Invention ofrecen un show en el Robert Hall de Londres La primera parte del CD contiene material en el que acompañan por 14 músicos de la Orquesta Sinfónica de la BBC. La segunda parte está basada en temas instrumentales que datan de entre 1967 y 1968. El video de Uncle Meat, que fue recien publicado en 1988 muestra parte de esta presentación.

The Lost Episodes (Publicado en 1996):
Este Cd contiene material que resulta ineludible para el fan de FZ. Una brevisima grabación de The Blackouts con FZ aún como baterista, un blues cantado por Don Van Vliet (futuro Captain Beefhart), con Bobby Zappa (hermano de Frank) en guitarra rítmica. Ambos temas de fines de los 50s, temas de principio de los 60s con los hermanos Williams en voz. La primera perfomance de "musica culta" de FZ en 1963, y de ese mismo año varias grabaciones en el mítico Studio Z con muchos músicos entre los que aparecen Van Vliet, Ray Collins (cantando entre otras una primitiva versión de "Any Way The Wind Blows"). A esto se suman ináditos y versiones diferentes de temas de los 70s. Lujosa presentación y magnífico arte de Gabor Csupo (Duckman)
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Bootlegs

This's the Season to Be Jelly: 1967 Estocolmo, Dallas
(CD Living Legend Records LLR CD 002)

Twenty Years Ago Again: Boston 1968
( CD Evil Records 001 )

Live - Over 20 Years Old: Estocolmo 1967, Londres 1968
( CD Koiné Records K881105 )

Pig's n' Repugnant: Wisconsin, California, Europa, 1968-1969
( 2 CD Vulture CD 001/2 )

Trick Or Treat: Fullerton, Bremen, Londres 1968
( CD Living Legend Records LLR CD 027 )

Beat the Boots: 2 series de publicaciones de piratas autorizadas por FZ y editadas por Rhino - FOO-EEE.

En total 17 Cds con algunas grabaciones de los 60s:
The Ark:
Aparece en Beat the Boots #1. aparentemente fue grabado por los mismos integrantes de The Mothers. Aceptable sonido. Registrado en el Club The Ark de Boston en 1968.
Temas: Intro, Big Leg Emma, Some Ballet Music, Status Back Baby, Valarie, My Guitar Wants to Kill Your Mama, Uncle Meat/King Kong

Our man in Nirvana:
Perteneciente a Beat the Boots #2. Grabado en vivo en Fullerton el 8 de noviembre de 1968, según se escucha "un par de semanas antes de la publicación de Uncle Meat", aunque este disco salió en marzo del 69. Con la participación de FZ, Jimmy Black, Roy Estrada, Larry Fischer, Bunk Gardner, Don Preston, Jim Sherwood, Arthur Trip III y Ian Underwood. Los temas son: Feet Light Up, Sleeping In A Jar, The Wild Man Fischer Story, I'm The Meany, Valarie, King Kong. El sonido deja mucho que desear. Escasa información de portada.

Electric Aunt Jemina:
también de Beat the Boots #2. La información de portada es tan escasa que no figura la fecha ni el lugar de registro. Participan FZ, Jimmy Black, Roy Estrada, Bunk Gardner, Don Preston, Jim Sherwood, Arthur Trip III y Ian Underwood. El sonido tampoco es bueno, pero la perfomance es excelente. Temas: Little House I Used to Live, Dog Brath Variations, King Kong, A Pound for a Brown, Plastic People, entre otros.
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